036   Elisabeth Ahnert, Parklandschaft mit Kirchlein. Um 1960.

Elisabeth Ahnert 1885 Chemnitz – 1966 Ehrenfriedersdorf

Applikation (verschiedene Stoffe und Garne). U.re. gestickt monogrammiert "A".

"Elisabeth Ahnert ist eine Dichterin - eine Dichterin mit Nadel und Faden, mit Pinsel und Palette. Vielleicht kann man solche Poesie nur zaubern, wenn man in der Harmonie eines von Messe und Geschäft zurückgezogenen Lebens schafft, eines Lebens allerdings, das die Spiegelungen seiner Wirklichkeit immer auch aus diesen feinen kleinen Kunstwerkchen zurückwirft. Wie freut man sich an der Reinheit und Innigkeit ...
des Empfindens, an dem leisen, köstlichen Humor, hinter dem auch große Weisheit versteckt ist. Durch die Bescheidenheit, mit der diese Gebilde sich in ihre kunsthandwerklich-dekorative Rolle schicken, darf man sich nicht darüber täuschen lassen, daß hier eine große malerische Begabung am Werke ist, eine Künstlerin, die sich durch jahrzehntelange Arbeit als solche bewiesen und zu einer Reife entwickelt hat."
Hebecker, Susanne: Elisabeth Ahnert. Erfurt 2007, S. 38.

Provenienz: Nachlaß Ilse Conradus, ehemalige Leiterin der Graphischen Sammlung im Angermuseum, Erfurt. Sie pflegte eine enge Freundschaft zu Elisabeth Ahnert. > Mehr lesen

15,4 x 19 cm.

037   Otto Altenkirch "Weidenbüsche an der kleinen Elster". 1928.

Otto Altenkirch 1875 Ziesar – 1945 Siebenlehn

Öl auf Leinwand. Geritzt signiert "Otto Altenkirch" und datiert u.re. Verso auf der umgeschlagenen Leinwand bezeichnet "Weidenbusch Elster" o.li., nochmals signiert "Otto Altenkirch" sowie ortsbezeichnet "Dresden" o.re. Im profilierten, bronzierten originalen Schmuckrahmen mit Eckkartuschen.
WVZ Petrasch 1928-56-L.

Die große Jubiläumsausstellung 1925 anlässlich seines 50. Geburtstages in den Räumlichkeiten des Sächsischen Kunstvereins ermöglichte Otto Altenkirch eine umfassende ...
Präsentation seines bisherigen Schaffens. Sie verdeutlichte die Kontinuität im Oeuvre des Künstlers und dessen fortwährende impressionistische Sichtweise. Einfühlsame Naturschilderungen brachten ihm daher den Beinamen "Malerpoet" ein.
Zu gleichen Zeit erschloss sich Altenkirch neue Themenkreise. Neben dem von ihm geschätzten Heller samt Hellergut gehörten auch die märkische Heimat mit Ziesar und das brandenburgische Bad Liebenwerda mit dem Urstromtal der Schwarzen Elster zu seinen Motiven. Zwischen 1926 und 1934 entstanden in letztgenannter Umgebung über 100 Landschaftsgemälde. Seine resoluter werdende Primatechnik ermöglichte es ihm, ein Gemälde innerhalb eines Tages zu vollenden. Gleichzeitig intensivierte Altenkirch seine Ausdrucksmittel. Die Bilder wirkten dynamischer und kraftvoller.
In der oberen Bildhälfte des vorliegenden Gemäldes dominieren kleinteiligere Formen, ein unruhiges Geflirr von Spachtelzügen und kräftigen Farben. Die Waagerechte wird deutlich betont. Die untere Bildhälfte zeigt sich dagegen eher monochrom in grau-blauen Nuancen. Die deutlichen Spachtelspuren betonen die Vertikale. Altenkirch gelingt es mit diesen Mitteln Spannung zu erzeugen, mit der eine spürbare Dynamik entgegen des ruhig anmutenden Motivs einhergeht. > Mehr lesen

Malschicht krakeliert und sehr vereinzelt mit ganz minimalen Farbverlusten. Leinwand neu aufgespannt.

80 x 66,5 cm, Ra. 91 x 87 cm.

038   Antoinette "Pieta". 1996/ 1998.

Antoinette 1956 Dresden – lebt in Eberswalde

Öl auf Leinwand. Signiert "Antoinette" und datiert u.re. Im originalen Künstlerrahmen.

Wir danken der Künstlerin Antoinette, Eberswalde, für freundliche Hinweise.

Malschicht ganz vereinzelt mit Farbspuren aus dem Malprozeß.

100 x 140 cm, Ra. 107 x 146 cm.

* Zzgl. Folgerechtsabgabe 2.00 %.

040   Antoinette "Französische Landschaft - Stier und Weib". 1996 / 1998.

Antoinette 1956 Dresden – lebt in Eberswalde

Öl auf Leinwand. Signiert "Antoinette" und datiert u.re. Im original Künstlerrahmen.

Wir danken der Künstlerin Antoinette, Eberswalde, für freundliche Hinweise.

In bewegtem, lebendigem Duktus und in nuancenreicher Farbwahl präsentiert die Künstlerin die als Szenerie erwählte südfranzösische Landschaft gleichsam als Bühnenraum für die zentral positionierte, ihr eingegebene Figurengruppe. Der Dialog zwischen Stier und lasziv hingestrecktem weiblichen Akt erinnert an die ...
mythologische Begegnung zwischen Zeus in Gestalt des gehörnten Tieres und der schönen Europa, die er schlußendlich auf seinem Rücken entführt. Nur kündigt sich hier kein Jungfrauenraub an, vielmehr scheint das Beieinander natürlich gegeben zu sein, läßt sich vielleicht auch als Abschluß des Abenteuers verstehen. Dem Betrachter wird die Rolle des Voyeurs zugewiesen, der direkte Blick des Stiers aus der Darstellung verrät die Intimität der Szene. Das Wechselspiel von wildem, unverwüstlichen Tier und zartem, ungeschütztem weiblichen Körper ist seit jeher ein beliebtes literarisches und bildnerisches Thema, das seinen besonderen Reiz wie hier in der Andeutung von Möglichkeiten im Fortgang der Erzählung und der privaten, individuellen Vollendung in der Fantasie des Betrachters findet.

Das Europamotiv nimmt noch auf andere, eindrucksvolle Weise eine zentrale Rolle im Schaffen der zwischen Frankreich und Deutschland pendelnden Künstlerin ein, thematisieren etliche unter dem Begriff "Projekt Europa" zusammengefaßten großformatigen Ölgemälde mit stark politisch kritischem Tenor die Auflösung von Identitäten in einer zunehmend globalisierten Welt und die Gier nach ständig wachsendem Profit und Expansion. > Mehr lesen

100 x 140 cm, Ra. 107 x 146 cm.

* Zzgl. Folgerechtsabgabe 2.00 %.

045   Johannes Beutner, Liegender weiblicher Rückenakt (Hilde). 1947.

Johannes Beutner 1890 Cunnersdorf/Sächs. Schweiz – 1960 Dresden

Öl auf Hartfaser. U.li. signiert "Joh. Beutner" und datiert. Im profilierten, goldfarbenen Rahmen.

Die Kunst und die Landschaft, das Licht und die Luft Italiens waren seit seiner großen Reise in das südliche Land im Jahr 1931 absolut prägend für das malerische Werk Johannes Beutners. Dies zeigt sich nicht nur in der vielfach decouvrierten Annäherung an die Farbig- und Tonigkeit der Valori Plastici-Maler oder in der an Tizian, Tintoretto und Correggio erinnernden Komposition der ...
Figuren im Raum, sondern auch in der auf die Leinwand gebannten sinnlichen Leidenschaft für eine schöne Frau. Erinnert die leicht aufgestützte, sich erhebende wohlgeformte Figur des weiblichen Rückenaktes nicht an die italienischen Venusdarstellungen? Oder an eine von Jupiters Geliebten, die sich vom Lager erhebt? Oder blickt man in der Abgewandtheit der Figur doch auf Diana, der keuschen Göttin der Jagd, die sich zudringlichen Blicken zu entziehen sucht? Die Vielfalt der Eindrücke und Seherfahrungen in Andeutungen nutzend, offenbahrt sich die eigentliche Absicht des Malers: die Präsentation unkritischer und zeitloser Schönheit. > Mehr lesen

Malschicht mit kleinen oberflächlichen Kratzern, vereinzelt leicht angeschmutzt. Im Bereich des linken Oberschenkels des liegenden Aktes eine rötliche Farbspur, vertikaler Farbverlust im Bereich der linken Wade. Am Bildrand o. li. Krakelee durch punktuelle Druckeinwirkung.

100 x 120 cm, Ra. 119 x 139 cm.

061   Erhard Hippold, Am Darßer Bodden. Wohl 1950er Jahre.

Erhard Hippold 1909 Wilkau – 1972 Bad Gottleuba

Öl auf Hartfaser. Verso signiert "E. Hippold". Verso nummeriert "7". Im Original-Rahmen des Künstlers. Dieser verso ebenfalls nummeriert "7".

Malträger in den Ecken mit Nagellöchlein.

47,2 x 92 cm, Ra. 62 x 107 cm.

068   Siegfried Klotz "Dresden mahnt". 1989.

Siegfried Klotz 1939 Oberschlema – 2004 Dresden

Öl auf Sperrholz. U.re. signiert "Klotz" und datiert. In schwarzer Leiste mit goldfarbener Sichtleiste gerahmt.
WVZ Weber 169, mit abweichender Datierung und Signaturangabe.

Provenienz: ehemals Sammlung Schmidt Bank, vormals Weberbank, Berlin.

Zwischen 1985 und 1996 wählte Siegfried Klotz mehrfach die Ruine der Frauenkirche als Motiv für seine Gemälde. Einerseits dokumentierte er die Ruine als Mahnmal, gleichzeitig fühlte er dem stark verletzten Baukörper in seinen ...
Formen mit Farben nach und verfolgte durch mehrfache Wiederholung dessen Entwicklung bis zum Beginn des Wiederaufbaus. Gleichsam gelang es ihm so, den negativen Vorzeichen des Motivs einen hoffnungsvollen Blick in die Zukunft bildnerisch entgegen zu setzen. > Mehr lesen

Malschicht partiell frühschwundrissig und angeschmutzt. Im Bereich des Himmels teilweise Austritt von Malmittel.

144 x 122 cm, Ra. 156 x 134 cm.

069   Siegfried Klotz "Weiblicher Akt mit Silberfuchs". 1998.

Siegfried Klotz 1939 Oberschlema – 2004 Dresden

Öl auf Leinwand. Signiert "S. Klotz" und datiert u.re. Im profilierten, schwarzen Rahmen mit goldfarbener Sichtleiste.
WVZ Weber 252.

Neben den farb- und duktusstarken und doch im Grundklang subtilen Stadtlandschaften wird das Werk des 2004 verstorbenen Dresdner Künstlers Siegfried Klotz vom Genre des Portraits und des Aktes bestimmt. Hier zeigt sich der Maler mehr als Suchender denn als Sehender, spürt dem Wesen des Portraitierten nach, versucht, das eigene Er- und Empfinden des ...
Gegenübers auf die Leinwand zu bannen. Ein Akt ist ihm mehr, als eine abzubildende Körperlichkeit. Durch die Inszenierung des weiblichen Körpers mit einem Accessoire wie dem Silberfuchs oder einer Puppe bringt Klotz ein dialogisches Element in das Szenario, welches entscheidend auf das Modell und damit auf den Tenor des Gemäldes einwirkt. Das "Menschliche" zeigt sich in den Portraits und Aktdarstellungen von Siegfried Klotz nicht in den Schwächen und Fehlern der Dargestellten, sondern vielmehr in der persönlichen Erfahrung des Vis-à-vis durch den Künstler: "Auch hier Suchen und Finden, selten nur Tangieren, oft kosend, manchmal distanzierend, in einzelnen Fällen liebend." (Günther, Rolf: Der Maler Klotz. In: Siegfried Klotz. Malerei. Ausstellungskatalog der Städtischen Sammlungen Freital, Freital 2003, S. 7). > Mehr lesen

Malschicht stellenweise mit Farbrunzeln.

70 x 100 cm, Ra. 85 x 114,5 cm.

077   Paula Lauenstein "Das Dorf". 1932.

Paula Lauenstein 1898 Dresden – 1980 Crostau

Öl auf Leinwand. Verso auf der Leinwand signiert "P. Lauenstein", ortsbezeichnet "Dresden-24" und ausführlich datiert u.li. Verso betitelt und ausführlich bezeichnet "(St. Georgen)/Ammersee/ Karwendel und Zugspitze" u.re. Auf dem Keilrahmen mit einem Klebetikett versehen, darauf typographisch die Anschrift des Münchener Ateliers der Künstlerin. Auf dem Keilrahmen u.Mi. ein Klebeetikett der Dresdner Kunsthandlung Max Sinz. Im profilierten, schwarzen und silberfarbenen Rahmen.
...

Paula Lauenstein gehörte zur ersten Künstlerinnengeneration, die an deutschen Kunstakademien studieren durfte. Bereits 1916 besuchte sie die Kunstgewerbeschule unter Max Feldbauer und folgte 1920 ihrem hochgeschätzten Lehrer nach dessen Wechsel an die Dresdner Kunstakademie.

Ihr Werk wies von Beginn an eine hohe handwerkliche Qualität auf. Sie war immerwährend um Authentizität in der Darstellung und moderne Ausdrucksformen bemüht. Feldbauer bescheinigte ihr eine hohe zeichnerische Sicherheit und das Vermögen, Gesehenes schnell und mit wenigen Strichen zu erfassen. Die Verbundenheit beider Künstler erhielt sich bis zu Feldbauers Tod. So hielt Lauenstein sich ab 1930 mehrfach in Österreich und Bayern auf und besuchte auch den ehemaligen Lehrer, der 1933 nach München übersiedelte.

Zu dieser Zeit entstanden Landschaftsgemälde, die jeglicher aufgesetzter alpiner Romantik entbehrten. Vielmehr gelang es der Malerin, farbige Strukturen zu schaffen, architektonisch zu schichten und nebeneinander zu setzen. Beinahe wichtiger als das Motiv selbst wirkt dessen Farbigkeit und die malerische Eigenständigkeit der Formen. > Mehr lesen

Malschicht krakeliert, teilweise minimale, beginnende Schüsselbildung. Im Falzbereich umlaufend kleine, im Himmel wenige, kleinste Retuschen. Bildträger u. angerändert.

54 x 70,5 cm, Ra. 65,5 x 82 cm.

127   Paul Wilhelm "Dresdner Vogelwiese" 1911.

Paul Wilhelm 1886 Greiz – 1965 Radebeul

Öl auf Malpappe. U.li. in Tusche signiert "P. Wilhelm" und datiert. Im profilierten Rahmen.

Die vorliegende feinsinnige Studie des Dresdner Volksfestes "Vogelwiese" aus dem Frühwerk Paul Wilhelms zeigt noch sehr deutlich die Einflüsse seiner Professoren an der Akademie. Unleugbar ist die malerische, dem Impressionismus verhaftete, Haltung Gotthardt Kuehls zu spüren, der mit seinen stimmungsvollen Pleinairstücken die Tradition der Dresdner Stadtansichten zu Ende des 19. Jahrhunderts ...
neu belebte und zu einem schulbildenden Höhepunkt führte. Wilhelm beweist in diesem kleinen Werk ein sicheres Gespür für atmosphärische Erscheinungen; die beschwingte Leichtigkeit von Pinselzug und Farbwahl spiegelt die auf dem Festplatz vorherrschende Freude und Unterhaltsamkeit und zeichnet somit ein sehr lebendiges Bild der Szene.
Die Ereignis der Dresdner Vogelwiese als Schützen- und späteres Volksfest reicht bis ins 16. Jahrhundert zurück; der Standort an der Elbe, den Wilhelm hier szenisch erfaßte, wurde seit 1873 genutzt. Zwei Jahre vor Entstehung dieses kleinen Gemäldes zerstörte ein Großbrand sämtliche des damals schon 27 Fahrgeschäfte, 60 Buden und 100 Stände umfassenden Festgeländes, so daß sich die darauffolgenden Jahre umso bedeutungsvoller für die Besucher dieses bereits zur festen Sommerattraktion avancierten Volksfestes darstellten. > Mehr lesen

Randbereiche des Bildträgers mit kleinen Läsionen.

35,5 x 49,5 cm, Ra. 39,5 x 54 cm.

128   Paul Wilhelm, Mädchen mit chinesischem Hut im Garten des Künstlers. Um 1945.

Paul Wilhelm 1886 Greiz – 1965 Radebeul

Öl auf Rupfen. U.li. signiert "P. Wilhelm".

Malschicht partiell leicht krakeliert. Malträger angerändert, neu aufgespannt und mit neuem Keilrahmen versehen.

94 x 71,5 cm.

129   Werner Wittig "Früchte, Kubus und Häuser". 1992.

Werner Wittig 1930 Chemnitz – 2013 Radebeul

Öl auf Hartfaser und Graphit. U.re. geritzt signiert "Wittig". In dunkel lasiertem Künstlerrahmen. Auf diesem verso in Blei betitelt, datiert und im Kreis nummeriert "55" o.re., u.re. in Kugelschreiber nochmals signiert "Wittig".

Der kürzlich verstorbene Radebeuler Künstler Werner Wittig besaß in seiner Qualität als Holzschneider nahezu ein Alleinstellungsmerkmal in der Kunstlandschaft der Gegenwart. Sein Werk durchzog, ganz im Gegenteil zu seiner progressiven Haltung gegenüber ...
der Technik Holzschnitt, eine motivische und stilistische Kontinuität. Bereits seit Ende der 1960er Jahre bildete die Kombination von Landschaft und Stilleben das Hauptthema seines Schaffens. Dennoch blieb seine Freude am Experimentieren stets spürbar.
Parallel zum Graphiker entwickelte sich der Maler Wittig. Eine Vorbild war ihm dabei der von ihm sehr verehrte Künstlerkollege Albert Wigand mit seinem ausgeprägten Sinn zur wohlgeordneten Komposition. Auch die geistige Verwandtschaft zu Morandi und dessen reduzierten Stilleben ist in Wittigs Werken wahrnehmbar. Daß die Malerei das künstlerische Fundament seiner grafischen Arbeiten bildete, ist in den fein abgestimmten, weich ineinander übergehenden Farbverläufen zu spüren.
Zurückhaltend und intim konstruiert er seine phantasievollen Landschaften. Bedeutungsperspektivisch angeordnet setzt er Früchte und Naturgegenstände vor Landschafts- und Gebäudesilhouetten und lenkt somit die Aufmerksamkeit auf Details, auf kleine, wertvolle Dinge. > Mehr lesen

Malschicht im Bereich des Himmels mittig frühschwundrissig. Ecke des Malträgers o.re. gebrochen und wiederbefestigt.

50,1 x 70,1 cm, Ra. 60,5 x 79,8 cm.

131   Oskar Zwintscher, Proschwitzer Höhe bei Meißen. Um 1893.

Oskar Zwintscher 1870 Leipzig – 1916 Dresden

Öl auf Malpappe. Unsigniert. Verso u.li. mit dem Nachlaß-Stempel sowie mit einem Klebetikett versehen o.Mi. Auf dem Klebeetikett nummeriert "122". In schwarzem Faserstift von fremder Hand bezeichnet. In einfacher, goldfarbener Leiste gerahmt.
Nicht im WVZ Günther, siehe jedoch eine motivisch eine vergleichbare Arbeit WVZ Günther 27.

1892 zog Oskar Zwintscher nach Meißen. Hier durchlief er die Entwicklung zum gereiften Künstler, als der er 1903 seine Lehrtätigkeit an der ...
Dresdener Akademie aufnahm.
Trotz finanzieller Einschränkungen scheint es eine glückliche Zeit gewesen zu sein. Es entstanden weniger dunkle Genrebilder, dafür umso häufiger Portraits der zukünftigen Gattin und Landschaftsbilder mit Motiven des Meißener Umlandes.

Wir danken Herrn Rolf Günther, Städtische Sammlungen Freital auf Schloss Burgk, für freundliche Hinweise. > Mehr lesen

Malschicht angeschmutzt. Vom Künstler wiederverwendete Malpappe, Pentimenti erkennbar. Am Bildrand o. mehrere Reißzwecklöchlein, ein weiteres in der Bildmitte und u.re. Am Bildrand u.li. ein oberflächlicher Riss (5,5 cm). Malpappe konvex verzogen.

39,2 x 29,8 cm, Ra. 42,3 x 32,5 cm.

384   Hermann Glöckner "Landschaftliche Strukturen, mit blauer Bahn". 1947/ 1948.

Hermann Glöckner 1889 Cotta/ Dresden – 1987 Berlin (West)

Wasserfarben und Kohle auf Plakatpapier, verso weiß gestrichen. Unsigniert. Verso zweifach in Blei datiert "47-48" und von fremder Hand mit der Nachlaßnummer "2489" versehen.

Das Blatt insgesamt knickspurig und mit geglätteter Mittelfalte sowie einer Quetschfalte. Die Blattränder u. und li. mit kleinen Einrissen. O.re. drei braune Farbflecken.

42,8 x 60,9 cm.

* Zzgl. Folgerechtsabgabe 2.00 %.

389   Hermann Glöckner "Vogelzeichen, auf helldunkel geteiltem Grund". 1959.

Hermann Glöckner 1889 Cotta/ Dresden – 1987 Berlin (West)

Kohlezeichnung über Bleistift auf feinem Japan-Bütten. Verso in Blei signiert "Glöckner" u.li. und mit der Nachlaßnummer "703" versehen sowie ausführlich datiert "24 07 59/1" u.re.

In der Darstellung vereinzelt kleine bräunliche Fleckchen. Knickspurig, Blatt umlaufend mit Randläsionen, am Blattrand u. und li. jeweils eine kleine Fehlstelle. Stellenweise fingerspurig und mit minimalen Verwischungen. In den beiden oberen Blattecken Reißzwecklöchlein.

31,3 x 45 cm.

* Zzgl. Folgerechtsabgabe 2.00 %.

394   Otto Greiner, Aktstudie eines Kindes. 1908.

Otto Greiner 1869 Leipzig – 1916 München

Rötelzeichnung auf Karton. Monogrammiert "O.Gr" und datiert u.Mi. Verso u.re. in Blei signiert "Greiner" und nummeriert "150". Weiterhin in Faserstift von fremder Hand bezeichnet o.li. Vollrandig im Passepartout montiert und hinter Glas in einfacher Holzleiste gerahmt.

Vgl. dazu die Lithographie WVZ Vogel 25.
Vgl. Singer, Hans W.: Otto Greiner - Meister der Zeichnung, Leipzig 1912, Abb. 53.

Prägend für Otto Greiners künstlerische Entwicklung war einerseits seiner Ausbildung ...
zum Lithographen. Das erlernte Handwerk diente ihm zur Umsetzung künstlerischer Ideen. Andererseits hatte die Begegnung und Freundschaft mit Max Klinger großen Einfluß auf seine Arbeit. Die Künstler begegneten sich 1891 in Rom, Greiner wohnte über Klingers Atelier und übernahm selbiges schließlich 1898. Auch die Auseinandersetzung mit dem bildnerischen Sujet der Aktdarstellungen entwickelte sich unter dem Einfluss des Lehrers und Freundes.

In erster Linie entdecken wir in seinen Arbeiten den Zeichner und scharfen scharfen Beobachter, der nahezu zwanghaft seine Werke durch zahlreiche Studien vorbereitete, bis in seinen Augen die absolute Perfektion erreicht war.

Für eine Vielzahl von Werken sind Skizzen, Studien und Teilausführungen belegt. Wahrscheinlich handelt es sich bei dem vorliegenden Blatt um eine Vorstudie zu einem der Hauptwerke Greiners, der druckgrafischen Arbeit "Gäa". > Mehr lesen

Angeschmutzt, minimal stockfleckig. Passepartout stockfleckig.

47 x 54 cm, Psp. 56 x 62 cm, Ra. 61,2 x 67,5 cm.

444   Josef Hegenbarth "Zuhörende". Um 1948.

Josef Hegenbarth 1884 Böhmisch Kamnitz – 1962 Dresden-Loschwitz

Leimfarben und farbige Tusche auf kräftigem Büttenkarton. In Tusche signiert "Josef Hegenbarth" u.re. Verso von fremder Hand in Blei bezeichnet und mit der Inventar-Nummer "Inv.-Nr. 142" versehen u.re. Im Passepartout.
WVZ Zesch B III 711.

Im Entstehungsjahr dieser humorvollen Szene erschien in der Reihe "Kunst der Gegenwart" ein kleines Büchlein mit 58 Illustrationen von Werken Hegenbarths sowie einem umfassenden Text aus der Feder des Kunstkritikers und Publizisten Will Grohmann. ...
Der Autor gibt darin einen launigen und treffend charakterisierenden Überblick über das bisherige Schaffen Hegenbarths; wohlwollend und anerkennend hebt er in besonderem Maße den auf genauer Menschenkenntnis und Beobachtung basierenden Erfindergeist des Künstlers hervor, sieht ihn gleichsam als zeichnenden Dichter seiner eigenen comédie humaine. Die größte künstlerische Leistung sieht Grohmann in Hegenbarths Virtuosität im Umgang mit der Linie: "Hegenbarth bedarf anfangs noch vieler Worte, um sich auszudrücken, reduziert immer mehr, läßt weg und konzentriert sich auf wenige graphische Zeichen, denen er die Überlegenheit einer höchst vitalen Gestaltungskraft verleiht. Jetzt wird ein Profil wie ein Buchstabe hingeschrieben, ein Detail, ein Auge z.B., hieroglyphisch vereinfacht, ein Stück Landschaft, ein Interieur, ein Kleidungsstück mit wenigen Strichen in seiner Besonderheit suggeriert. Aber als Ganzes läßt so ein Blatt nichts vermissen, es ist alles da und mehr, als eine nachahmende Genauigkeit vermitteln könnte." (Grohmann, Will: Josef Hegenbarth. 58 Bilder und Zeichnungen. Aus der Reihe 'Kunst der Gegenwart', Potsdam 1948, S. 13.). > Mehr lesen

Blattrand o. und u. ungerade geschnitten, die oberen Blattecken mit Reißzwecklöchlein. Verso mit Resten mehrerer alter Montierungen.

27 x 38 cm, Psp. 32,8 x 47,5 cm.

* Zzgl. Folgerechtsabgabe 2.00 %.

453   Otto Herbig "Schwarze Madonna". Um 1965.

Otto Herbig 1889 Dorndorf – 1971 Weilheim

Farbige Pastellkreide auf Bütten. Unsigniert. Verso mit der Authentizitätsbestätigung der Tochter des Künstlers in Blei "Nachlaß Otto Herbig bestätigt Sofie Frenzel-Herbig" u.li. Weiterhin betitelt und datiert verso u.re. Auf schwarzem Untersatzkarton montiert.

Publiziert in: Lassmann, Michael: Otto Herbig. Ausstellungs-Katalog "Das Gemälde Cabinett Unger", München 1994 mit Abb.

In den Eck- und Randbereichen Reißzwecklöchlein. Blatt minimal wellig, der linke Blattrand minimal gestaucht. Verso etwas atelierspurig.

67,5 x 48,5 cm, Psp. 71,5 x 53 cm.

479   Anatoli Kaplan "Stempenju". 1965- 1967.

Anatoli Kaplan 1902 Rahatschau – 1980 Leningrad

Lithographien. Mappe mit einer Auswahl von dreißig Blättern der lithografischen Folge zu Scholem Alejchems gleichnamigen Roman sowie Impressum in russischer Sprache. Jedes Blatt in Blei u.re. signiert "Akaplan" und datiert, u.li. nach Motiv nummeriert und in Russisch betitelt. Impressum in die Innenseite des Deckels eingeklebt. Zusätzlich maschineschriftliches Inhaltsblatt in deutscher Sprache, von unbekannter Hand erstellt. Herausgegeben im Auftrag des VEB Verlag der Kunst, Dresden. In der ...
originalen, mit schwarzem Ziegenleder bezogenen Kassette.
WVZ Mayer/Strodt IX 1-31.

Mit „Stempenju“ legte der russisch-jüdische Autor Scholem Alejchem im Jahr 1886 sein dem geschichtenerzählenden Großvater gewidmetes Erstlingswerk vor. In heiterem, gelösten Tenor wird die leidenschaftliche Romanze zwischen dem äußerst beliebten Musikanten Stempenju und der bereits vermählten Schönheit Rochel von der ersten Begegnung bis hin zum unvermeidlichen Ende beschrieben. Vielleicht mehr eine Novelle als einen Roman darstellend, verbindet Alejchem teils deftige und schonungslose Schilderungen jüdischen Wesens, Leidens und Feierbrauchtums mit der einfühlsamen Verbildlichung der ambivalenten Gefühlswelt von Liebenden. Die Musik dient dem Protagonisten als Sprache des Herzens – Stempenju spielt stets auf Hochzeiten auf und nicht selten wirbt er mit seiner Fiedel um die Braut. Nicht ohne ein Augenzwinkern läßt der Autor die anständige Rochel dem sehnsuchtsvollen Spiel des Musikanten erliegen und seine Charaktere an der Unerfüllbarkeit ihrer beider Wünsche wachsen. Die lithografierten Illustrationen Kaplans stellen keine textgetreue Übersetzung der Worte ins Bild dar, sondern zeigen vielmehr seine eigene Interpretation der Ereignisse. Immer wieder sieht man in nahezu sphärischen, flimmernden und traum-haften Darstellungen die Braut und die Hochzeitsgesellschaft, die Portraits wandeln sich wie das literarische Wesen der Akteure. Die Braut bei Kaplan heißt Rochel und ihr zur Seite stellt er den geliebten Stempenju. In der Abweichung von der Textvorlage verbildlicht Kaplan das Sehnen der handelnden Personen sowie das Hoffen des Lesers und schenkt somit der Erzählung einen wie Musik den Raum und Geist erfüllenden, zusätzlichen Klang. > Mehr lesen

Sehr frischer Zustand. Impressumsblatt leicht angegilbt.

Bl. je 62 x 47 cm, Mappe 68 x 50 cm.

594   Curt Querner "Carsdorf im März". 1964.

Curt Querner 1904 Börnchen – 1976 Kreischa

Aquarell auf kräftigem Bütten. In Blei monogrammiert "Qu" und ausführlich datiert. Verso in Graphit bezeichnet "Querner-Aquarell 1964 / Carsdorf im März" sowie "XOX" o.Mi. Im Passepartout hinter Museumsglas in einer hochwertigen Berliner Leiste gerahmt.
Nicht im WVZ Dittrich.

Die der sanften Loslösung vom alles überdeckenden Winter und dem stillen Auftakt zur jährlichen Bestellarbeit verschriebene Märzzeit auf dem Lande war für Querner stets aufs Neue motivisch inspirierend. ...
In ihr findet sich ein Zwischenzustand der Natur und Landschaft, ein leiser und doch bestimmter, zukunftsweisender Übergang vom winterlichen Tod zu neuem Leben. Das brache, abgestorben wirkende Land wird von der Schneeschmelze freigelegt und zeigt sich in Querners typischen "Märzfarben" Schwarzgrün und Tiefbraun. Der Himmel klart sich auf, man scheint die frische, freie Luft atmen zu können, die nun das Leben der Bauern in den noch düster liegenden Gehöften wieder nach außen tragen wird.
Weit über drei Jahrzehnte beschäftigte Querner das Thema der "Märzbauern" in seiner Malerei. In mindestens vier Fassungen bannte er seine wohl bekannteste Interpretation der ersten Feldbestellung des Jahres auf Leinwand, stets verbunden mit einem nahsichtigen Blick auf die Lebenswelt der Protagonisten. Das Jahr der Bauern beginnt im März mit der Verabschiedung des Winters. Eine Zeit, die er wiefolgt charakterisierte: "Viel Vergangenes und Naives… lebt in der nach Winterschlaf duftenden Landschaft. Eine tiefe, natürliche Ruhe liegt über dem Bild, so wie es im Bauerndasein zugeht, eine Selbstverständlichkeit des Lebens und der Arbeit." (zitiert nach: Curt Querner im Osterzgebirge. Ausstellungskatalog des Museums Osterzgebirgsgalerie im Schloß Dippoldiswalde, Dresden 2000, S. 22). > Mehr lesen

In den Ecken Reißzwecklöchlein. Die Blattkanten wohl minimal geschnitten. Verso atelierspurig sowie mit Resten mehrerer älterer Montierungen.

45,8 x 64,2 cm, Ra. 64,3 x 81 cm.

* Zzgl. Folgerechtsabgabe 2.00 %.

595   Curt Querner "Stehende schwangere Bäuerin". 1958.

Curt Querner 1904 Börnchen – 1976 Kreischa

Aquarell, Graphit und Kohlestift auf Bütten. In Graphit monogrammiert "Qu" und datiert u.re. Verso in Blei betitelt o.li. und bezeichnet "XOX" o.Mi. Verso u.li. wohl von fremder Hand bezeichnet. Auf Untersatzkarton montiert.
Nicht im WVZ Dittrich, vgl. jedoch motivisch WVZ Dittrich B 640 ff.

Blattränder mit Quetschfalten.

62,3 x 24,2 cm.

* Zzgl. Folgerechtsabgabe 2.00 %.

596   Curt Querner "Selbstbildnis (Studie)". 1971.

Curt Querner 1904 Börnchen – 1976 Kreischa

Aquarell auf kräftigem gelblichem "Schöllershammer"-Velin. U.re. in Blei monogrammiert "Qu" und ausführlich datiert. Verso in Graphit bezeichnet "XX" und "Querner-Aquarell 1971 'Selbstbildnis'". O.re. Trockenstempel. Im Passepartout hinter Glas in einfacher Holzleiste gerahmt.
WVZ Dittrich B 1889.

Liest man in den publizierten Tagebucheinträgen Querners, zeigt sich sehr deutlich, wie regelmäßig und kritisch der Künstler sich und seine künstlerische Position hinterfragt hat. ...
Dominierte vor allem in den gesellschaftspolitisch wechselvollen jüngeren Jahren die Frage nach dem eigenen Standpunkt und die nicht immer selbstverständliche Akzeptanz dessen, kommt in den späteren Lebensjahren und vor allem im letzten Lebensjahrzehnt ein persönlicheres, intimeres Studium der eigenen Erscheinung zum Tragen. In zahlreichen Selbstportraits auf Leinwand oder (vornehmlich) Papier, seziert Querner die eigene Physiognomie, läßt sie zur Landschaft und zum Lebensraum seiner Erfahrungen, Gedanken und Erinnerungen werden. Den ihm anhaftenden kritischen Blick mit den tief einschneidenden Stirnfalten und den herabfallenden Mundwinkeln bricht er in seiner Strenge durch den leuchtenden Einsatz des von Querner hochgeschätzten "Neapelgelbs" und schenkt somit seiner kritischen, nahezu harsch wirkenden, Selbstbetrachtung ein weises, versöhnliches Element. > Mehr lesen

Verso atelierspurig.

36,6 x 25,5 cm, Psp. 60,7 x 45 cm, Ra. 62,6 x 47,8 cm.

* Zzgl. Folgerechtsabgabe 2.00 %.

597   Curt Querner, Kniender weiblicher Akt, sich mit dem Arm abstützend. 1967.

Curt Querner 1904 Börnchen – 1976 Kreischa

Aquarell auf "Hahnemühle"-Bütten. U.re. in Blei monogrammiert "Qu." und ausführlich datiert. Verso o.li. bezeichnet "XOX" sowie mit Resten einer Bezeichnung in Blei von fremder Hand u.re. Im Passepartout hinter Glas in hochwertiger Silberleiste gerahmt.
Nicht im WVZ Dittrich, vgl. jedoch motivisch WVZ Dittrich B 1578.

Blattrand technikbedingt am unteren Blattrand wellig und mit vereinzelten Quetschfalten, die Randbereiche mit Reißzwecklöchlein. Verso atelierspurig, mit wenigen bräunlichen Fleckchen, die Blattränder umlaufend mit einer fachmännischen Montierung.

48,5 x 62,7 cm, Ra. 74 x 88 cm.

* Zzgl. Folgerechtsabgabe 2.00 %.

700   Albert Wigand, Blick aus dem Fenster. 1969.

Albert Wigand 1890 Ziegenhain/Hessen – 1978 Leipzig

Deckfarben über farbigen Kreiden und Blei. Unsigniert. In der Darstellung ausführlich in Blei bezeichnet und datiert. Verso von Künstlerhand in Blei bezeichnet. Auf Untersatzkarton montiert.
Wird in den Nachtrag zum WVZ Grüß-Wigand aufgenommen.

Die späten Arbeiten Albert Wigands sind deutlich von seinem inneren Schmerz nach dem Tode seiner Ehefrau Gertrud im Jahr 1968 geprägt. Die Aufenthalte in der Psychiatrie Leipzig-Dösen empfand der Künstler selbst als Gefangenschaft, als ...
persönliche Unfreiheit. Dennoch gehören diese Zeitspannen zu seinen produktivsten. In sehr genauen Datierungen und schriftliche Fixierungen alltäglicher Begebenheiten auf seinen Arbeiten suchte er Halt. Die Konzentration auf Farbe und Form scheint ihm eine Anker gewesen zu sein. Als ob er die inneren und äußeren Ketten sprengen wollte, erkämpfte er sich in seinen Werken ein hohes Maß an künstlerischer Freiheit. Es gelang ihm, die Grenzen der Genres und Techniken Collage, Zeichnung, Relief und Malerei zu verwischen. Das reife Werk bescheinigt Wigand ein Höchstmaß künstlerischen Ausdrucks.

Laut Wigands Aufzeichnungen erkannte er sich selbst in folgenden Worten wieder: "Der Künstler ist kein Sonntagskind des Lebens. Er hat kein Recht, pflichtlos zu leben, er hat eine schwere Aufgabe zu verrichten, die oft zu seinem Kreuze wird. Er muss wissen, daß jede seiner Taten, Gefühle, Gedanken das feine unbetastbare, aber feste Material bilden, woraus seine Werke entstehen, und daß er deswegen im Leben nicht frei ist, sondern nur in der Kunst"
Wassily Kandinsky. > Mehr lesen

Sehr unscheinbar knickspurig, Blattecke o.li. geknickt. Verso Reste einer Montierung.

29,6 x 21,2 cm.

* Zzgl. Folgerechtsabgabe 2.00 %.

802   August Gaul "Pinguin (Kopf nach links)". Entwurf 1914- 1920.

August Gaul 1869 Großauheim – 1921 Berlin

Silber, gegossen. Am li. Fuß geprägt signiert "A. Gaul".
WVZ Gabler 200-f (von f).

1903 schuf August Gaul den Entwurf für einen nicht ausgeführten Brunnen in Münster. Hier fanden sich erstmalig Pinguine. 1911 entwickelte der Künstler aus der für den Brunnnen gedachten Pinguingruppe ein eigenständiges Werk und versah es mit Vergoldungen (WVZ Gabler 107-1). Im gleichen Jahr kam es zur Ausführung eines Gartenbrunnens mit vier Pinguinen, welcher durch Franz Oppenheim für dessen ...
Villa am Wannsee erworben wurde (WVZ Gabler 154). Zwischen 1914 und 1920 schuf Gaul einen Brunnen für den Hamburger Stadtpark, zu dem sechs Pinguine gehören.

Der vorliegende Pinguin gehört zu einer Gruppe, die Gaul in etwas verkleinertem Maßstab den Hamburger Modellen nachgebildet hat und die möglicherweise ebenfalls für einen Brunnen gedacht waren. Der Anlaß dieser Ausformung lässt sich leider nicht mehr rekonstruieren. Bemerkenswert ist, dass der zur Auktion gebrachte Pinguin in Silber gegossen wurde. Für Gaul als gelernten Ziseleur einer Silberwarenfabrik war der Umgang mit diesem Material gewohnt. Silbergüsse sind für kleinere Tierfiguren und für Teile des Kronprinzensilbers anläßlich der Hochzeit des Kronprinzen Wilhelm belegt.

Zu den Pinguin Entwürfen (WVZ Gabler 199-202) ist allein für die als Unikat ausgeführte Figurengruppe des Pinguinbrunnens Hamburg eine Ausformung zu Lebzeiten Gauls belegt.

Wir danken Frau Claudia Klugmann, Museum für Bildende Künste Leipzig, und Frau Birgit Sander, Museum Giersch, Frankfurt a. Main, für freundliche Hinweise.

Provenienz: Sächsischer Privatbesitz seit 1970er Jahren. > Mehr lesen

Dunkle Patina, minimale Gussunregelmäßigkeiten und Spuren oberflächlicher Nachbearbeitung.

H. 23,5 cm.

803   Ernst Julius Hähnel "Raphael." Büste. 1875.

Ernst Julius Hähnel 1811 Dresden – 1891 ebenda

Gips, gegossen. Ausformung durch die "Gebrüder Weschke, Dresden". Rückseitig im Schulterschnitt eingelassen signiert "Ernst Hähnel fec. Dresden 1875". Darunter in der Stützausformung Prägesignet der Gießereiwerkstatt. Vorderseitig im Büstenanschnitt vertieft betitelt.


Katalog Gebrüder Weschke VI.22, S. 15.

Im Zuge der Konzeption und Ausführung eines der "komplexesten skulpturalen Programm eines deutschen Museums des 19. Jahrhunderts", der nach Gottfried Sempers ...
Entwurf 1847 als vierter Flügel der barocken Zwingeranlage ausgeführte Galeriebau für die königliche Gemäldesammlung, schuf der Dresdner Bildhauer und Akademieprofessor Ernst Julius Hähnel um 1851 seine wohl ruhmreichste Skulptur: die überlebensgroße Darstellung des italienischen Renaissancekünstlers Raffael. Die sehr geschlossene und feinsinnige Darstellung des jungen, vorsichtig schreitenden Raffael mit stoffreichem Umhang und Mailänder Kappe traf in der in anhaftenden Idealisierung wohl in hohem Maße die Sensucht der Zeit nach harmonischer, unverdorbener Schönheit. Die anmutige Kunst Raffaels mußte von einem anmutigen Wesen stammen, dieses Idealbild tragen wir selbst heute in uns.
Die Erfindung Hähnels zeigte sich als so beliebt, daß bereits in den Folgejahren der Entstehung zahlreiche Gipsgüsse und Porzellanausformungen der Figur angefertigt wurden und sich der Künstler selbst mehreren Marmorausführungen widmete, von denen sich die dem hier angebotenen Gips zugrunde liegende Variation unter der Inventarnummer ZV 4193 in der Skulpturensammlung der Staatlichen Kunstsammlungen Dresden befindet. Alexander von Huboldt vertrat die ehrvolle Ansicht, man müsse Hähnel für diesen Entwurf mit dem preußischen Adlerorden auszeichnen lassen; der Erfolg der Raffael-Figur bedeutete für den in Dresden renommierten Künstler nunmehr einen Aufstieg "in den Olymp großer Künstler und in die großn Sammlungen moderner Kunst". (zitiert nach: Maaz, Bernhard: Skulptur in Deutschland zwischen Französischer Revolution und Erstem Weltkrieg, Berlin/München 2010, Band 1, S. 310f.). > Mehr lesen

Insgesamt leicht angeschmutzt und mit einzelnen Läsionen bzw. kleineren Fehlstellen, partiell mit leichten Kratzspuren. Linke Randpartie der Mailänder Kappe mit größerem Materialausbruch, rechte Randpartie mit klebemontiertem Riß mit dezenten Leimrückständen. Bestoßungen an Nasenspitze und Kinn. Sockelrand mit deutlicheren Mängeln. Nähte der Gußformteile vereinzelt ablesbar.

H. 73,5 cm.

1010   Kommode. Sachsen. Um 1750.

Nußbaum und Nußwurzel auf Nadelholz furniert. Bandintarsien in Pflaume. Dreischübiger, querrechteckiger Korpus mit geschweifter Front. Leicht überkragende, abgerundete Profilleiste und dezent passig geschweifte Zarge über einseitig geboten Vierkantfüßen. Schubladen je mit zwei Messinghandhaben in Rocaillenornamentik sowie einem rautenförmig ornamentalen Schlüsselschild. Beschläge und Kastenschlösser jünger. Ein Schlüssel.

Vgl. Haase, Gisela: Dresdner Möbel des 18. Jh. Leipzig, 1986. S. 270, Kat-Nr. 49 mit Abb.

Oberflächen in nahezu unberührtem Zustand mit ausgeprägter gleichmäßiger Patinierung. Korpus stellenweise ausgebessert. Vereinzelte kleine Furnierverluste und Trocknungsrisse im Furnier. Profilleiste mit kleinem Ausbruch o.li. Rückwand und hinterer rechter Fuß vormals gesichert bzw. erneuert. Füße ca. 4 cm gekürzt, hinterer rechter Fuß mit Abweichung. Beschläge wohl im späten 19. Jahrhundert ersetzt. Mittleres Schloß defekt.

H. 81 x B. 115 x T. 63 cm.