107   Hans Unger, Portrait einer Dame mit Perlenkette. Um 1915.

Hans Unger 1872 Bautzen – 1936 Dresden

Oil on cardboard. Signiert "H. Unger" u.re. Verso monogrammiert "H.U." und nummeriert "265" Mi. Im originalen, ...
profilierten, glanz- und mattvergoldeten Künstlerrahmen. Dieser verso signiert "Hans Unger" o.li.

Provenienz: Privatbesitz, Nordrhein-Westfalen, bei der Tochter des Künstlers Maja Unger 1971/72 erworben.

Wir danken Herrn Rolf Günther, Städtische Sammlungen Freital auf Schloss Burgk, für freundliche Hinweise.

Stark von der deutschen und englischen Malerei des späten 19. Jahrhunderts und des damit von Böcklin, Rossetti und Alma Taddema begründeten Schönheitsideals der melancholisch glühenden Weiblichkeit geprägt, schenkte Unger in der Darstellung und dem Portrait weiblicher Schönheit der ihn treibenden Kraft der Verherrlichung des Weibs freien Raum. In der Erscheinung seiner Frau Marie Antonia fand Unger die Personifikation des von ihm empfundenen Idealbilds und schuf daraus einen Frauentypus, den er für über drei Jahrzehnte in seinen Portraits, auch in seinen Auftragswerken, beibehielt. Rolf Günther zitiert in Bezug auf Ungers Schönheitsempfinden sehr treffend Baudelaire: "Ich habe die Merkmale des Schönen, meines eigenen Begriffes vom Schönen, gefunden. Es ist etwas Glühendes und Trauriges zugleich. Ein verführerischer Kopf, der - freilich in verworrener Weise - Träume von Wollust und zugleich von Trauer hervorruft; der eine Idee von Schwermut, Ermüdung, sogar von Überfluß einschließt oder auch die entgegengesetzten Vorstellungen weckt, nämlich Glut und Lebensgier, verbunden mit gestauter Bitterkeit, wie sie nur Entbehrung und Verzweiflung hervorrufen können. Auch das Geheimnis und der Schmerz gehören zu den Merkmalen des Schönen." (zitiert nach: Günther, Rolf: Hans Unger. Leben und Werk mit dem Verzeichnis der Druckgraphik, Dresden 1997, S. 25). > Read more

Malschicht umlaufend im Falzbereich mit mehreren Fehlstellen, beginnendes Krakelee. Im Bereich des Gesicht mehrere Retuschen. Unregelmäßiger Firnis. Bildränder ungerade geschnitten.

49,8 x 39,6 cm, Ra. 64,6 x 54,8 cm.

045   Johannes Beutner, Liegender weiblicher Rückenakt (Hilde). 1947.

Johannes Beutner 1890 Cunnersdorf/Sächs. Schweiz – 1960 Dresden

Oil on fibreboard. U.li. signiert "Joh. Beutner" und datiert. Im profilierten, goldfarbenen Rahmen.
...

Die Kunst und die Landschaft, das Licht und die Luft Italiens waren seit seiner großen Reise in das südliche Land im Jahr 1931 absolut prägend für das malerische Werk Johannes Beutners. Dies zeigt sich nicht nur in der vielfach decouvrierten Annäherung an die Farbig- und Tonigkeit der Valori Plastici-Maler oder in der an Tizian, Tintoretto und Correggio erinnernden Komposition der Figuren im Raum, sondern auch in der auf die Leinwand gebannten sinnlichen Leidenschaft für eine schöne Frau. Erinnert die leicht aufgestützte, sich erhebende wohlgeformte Figur des weiblichen Rückenaktes nicht an die italienischen Venusdarstellungen? Oder an eine von Jupiters Geliebten, die sich vom Lager erhebt? Oder blickt man in der Abgewandtheit der Figur doch auf Diana, der keuschen Göttin der Jagd, die sich zudringlichen Blicken zu entziehen sucht? Die Vielfalt der Eindrücke und Seherfahrungen in Andeutungen nutzend, offenbahrt sich die eigentliche Absicht des Malers: die Präsentation unkritischer und zeitloser Schönheit. > Read more

Malschicht mit kleinen oberflächlichen Kratzern, vereinzelt leicht angeschmutzt. Im Bereich des linken Oberschenkels des liegenden Aktes eine rötliche Farbspur, vertikaler Farbverlust im Bereich der linken Wade. Am Bildrand o. li. Krakelee durch punktuelle Druckeinwirkung.

100 x 120 cm, Ra. 119 x 139 cm.

068   Siegfried Klotz "Dresden mahnt". 1989.

Siegfried Klotz 1939 Oberschlema – 2004 Dresden

Oil on plywood. U.re. signiert "Klotz" und datiert. In schwarzer Leiste mit goldfarbener Sichtleiste gerahmt. ...

WVZ Weber 169, mit abweichender Datierung und Signaturangabe.

Provenienz: ehemals Sammlung Schmidt Bank, vormals Weberbank, Berlin.

Zwischen 1985 und 1996 wählte Siegfried Klotz mehrfach die Ruine der Frauenkirche als Motiv für seine Gemälde. Einerseits dokumentierte er die Ruine als Mahnmal, gleichzeitig fühlte er dem stark verletzten Baukörper in seinen Formen mit Farben nach und verfolgte durch mehrfache Wiederholung dessen Entwicklung bis zum Beginn des Wiederaufbaus. Gleichsam gelang es ihm so, den negativen Vorzeichen des Motivs einen hoffnungsvollen Blick in die Zukunft bildnerisch entgegen zu setzen. > Read more

Malschicht partiell frühschwundrissig und angeschmutzt. Im Bereich des Himmels teilweise Austritt von Malmittel.

144 x 122 cm, Ra. 156 x 134 cm.

069   Siegfried Klotz "Weiblicher Akt mit Silberfuchs". 1998.

Siegfried Klotz 1939 Oberschlema – 2004 Dresden

Oil on canvas. Signiert "S. Klotz" und datiert u.re. Im profilierten, schwarzen Rahmen mit goldfarbener ...
Sichtleiste.
WVZ Weber 252.

Neben den farb- und duktusstarken und doch im Grundklang subtilen Stadtlandschaften wird das Werk des 2004 verstorbenen Dresdner Künstlers Siegfried Klotz vom Genre des Portraits und des Aktes bestimmt. Hier zeigt sich der Maler mehr als Suchender denn als Sehender, spürt dem Wesen des Portraitierten nach, versucht, das eigene Er- und Empfinden des Gegenübers auf die Leinwand zu bannen. Ein Akt ist ihm mehr, als eine abzubildende Körperlichkeit. Durch die Inszenierung des weiblichen Körpers mit einem Accessoire wie dem Silberfuchs oder einer Puppe bringt Klotz ein dialogisches Element in das Szenario, welches entscheidend auf das Modell und damit auf den Tenor des Gemäldes einwirkt. Das "Menschliche" zeigt sich in den Portraits und Aktdarstellungen von Siegfried Klotz nicht in den Schwächen und Fehlern der Dargestellten, sondern vielmehr in der persönlichen Erfahrung des Vis-à-vis durch den Künstler: "Auch hier Suchen und Finden, selten nur Tangieren, oft kosend, manchmal distanzierend, in einzelnen Fällen liebend." (Günther, Rolf: Der Maler Klotz. In: Siegfried Klotz. Malerei. Ausstellungskatalog der Städtischen Sammlungen Freital, Freital 2003, S. 7). > Read more

Malschicht stellenweise mit Farbrunzeln.

70 x 100 cm, Ra. 85 x 114,5 cm.

110   Max Rabes "Mühle". No date.

Max Rabes 1868 Samter/Posen – 1944 Wien

Oil on wood panel. Verso in Farbstift signiert "Max Rabes", ortsbezeichnet "Berlin", mit der Künstleradresse versehen, ...
betitelt und eingekreist nummeriert "4". Verso mit Klebeetikett des Kunstverlags Hermann Knoeckel, Frankfurt a.M. Im profilierten, masseverzierten, vergoldeten Schmuckrahmen. Dieser verso o.li. mit Klebeetikett des Kunstsalons Richter, Dresden. > Read more

Im Falzbereich oberflächliche Bereibungen. Firnis angegilbt. Rahmen bestoßen und mit Fehlstellen.

37,8 x 46,3 cm, Ra. 59 x 66,5 cm.

058   Hans Jüchser Farm in Mecklenburg (northern Germany). 1938.

Hans Jüchser 1894 Chemnitz – 1977 Dresden

Oil on hessian. Signed bottom right "Jüchser" and dated. Verso on stretcher frame titled and dated. Frame in high quality Conzen-frame, silver plated.

Canvas doubled. Paint partially slightly cracked and with minimal losses, some more in the area of the frame.

59,5 x 75,5 cm, Ra. 72 x 87,5 cm.

059   Siegfried Klotz "Dresden (vom Ständehaus elbabwärts gesehen)". 1997.

Siegfried Klotz 1939 Oberschlema – 2004 Dresden

Oil on canvas. In Rot signiert u.re. "S. Klotz" und datiert. In originaler (?) Künstler-Schattenfugenleiste ...
gerahmt.
WVZ Weber 218, mit abweichender Datierung 1996.

Den Gemälden des 2004 verstorbenen Dresdner Künstlers Siegfried Klotz haftet etwas Skulpturales an. Die pastose, aus mehreren Schichten bestehende Malschicht bildet auf der Leinwand eine unvergleichliche Erlebnislandschaft aus Farben und dynamischem Pinselschwung. Nahezu einem Bildhauer gleich formt Klotz mit Pinselstiel und Spachtel die einzelnen Bildelemente, läßt die Paradebauten des Dresdner Schloßplatzes fühlbar aus der Flächigkeit des Malgrunds heraustreten. Die prominent in Szene gesetzte katholische Hofkirche modelliert er plastisch in hellen und goldähnlichen Tönen, den Farben des innen herrschenden Barocks, im Gegensatz zur vor Ort sichtbaren Erscheinung des gedunkelten Sandsteinbaus. Auch die feiner gegliederte Fassade des angrenzenden Schloßbaus mit dem Georgentor wird in bestimmten, dichten und farbreichen Pinselbewegungen herausgearbeitet und bildet so im Zusammenklang mit dem Kathedralgebäude ein opulentes Gegengewicht zu der sich in der rechten Bildhälfte öffnenden Flußlandschaft. Hier fließt alles in breiten Spachtelzügen - Straße und Gewässer scheinen sich zu einem hellblauen Meer zu vereinen und die Gebäude des heutigen "Italienischen Dörfchens" auf eine Insel zu verbannen. In der Ferne erahnt man die Bögen der Marienbrücke, die in der Tiefe der Farbschicht zu versinken scheinen. Den Dresdenansichten von Siegfried Klotz ist etwas Poetisches eingegeben, das durch die Dynamik und Lebendigkeit der pinselführenden Hand des Künstlers lebt und beeindruckend von dessen Verbundenheit zur Stadt an der Elbe spricht. > Read more

Malschicht mit feinen, großgliedrigen Frühschwundrissen, partiell beginnende Schollenbildung. Unscheinbare Farbablösung o.re.

60 x 89,5 cm, Ra. 67 x 97,5 cm.

063   Hans Körnig, Flora. 1953.

Hans Körnig 1905 Flöha – 1989 Niederwinkling

Oil on canvas. Signed "Körnig" and dated on the top left. White artist´s frame.

Bildträger in den Ecken o.li. und o.re. minimal verzogen. Malschicht mit einer Fehlstelle in der Ecke o.li. Am li. Bildrand mehrere dachförmig aufstehende Malschichtschollen. Vereinzelt krakeliert, Pentimenti erkennbar.

108,5 x 75 cm, Ra. 112,8 x 79,7 cm.

080   Emil Orlik, Stilleben mit Katze und Vase. 1920.

Emil Orlik 1870 Prag – 1932 Berlin

Oil on cardboard. Am Bildrand re. signiert "Orlik", Verso in blauer Tinte nochmals signiert (?) "Emil" und datiert. Im ...
profilierten creme- und goldfarbenen Rahmen.

Provenienz: niederländischer Privatbesitz, vormals Privatbesitz Wien durch Schenkung des Künstlers. > Read more

Ecke des Malträgers u.re. bestoßen und mit leichtem Farbverlust. Malschicht umlaufend im Falzbereich mit kleinen Fehlstellen.

46 x 38 cm, Ra. 52,5 x 45 cm.

118   Paul Wilhelm, Kinderkopf. Um 1909.

Paul Wilhelm 1886 Greiz – 1965 Radebeul

Oil on cardboard, auf stärkere Malpappe aufgezogen. Unsigniert. Verso mit der handschriftlichen Nachlaßbestätigung versehen "Um 1909. Aus dem Nachlaß von Paul Wilhelm f. d. R. Werner Schmidt".

Bildträgerränder bestoßen und minimal konkav verwölbt. Mehrere kleine, retuschierte Fehlstellen. Späterer Wachsüberzug.

35,2 x 29 cm.

533   Hermann Glöckner "Schwarzer Balken, aus Rot abgerückt in Gelb". Ende 1978.

Hermann Glöckner 1889 Cotta/ Dresden – 1987 Berlin (West)

Tempera über Bleistift auf Zeitungspapier (Sächsische Zeitung vom 30. November 1978). Unsigniert. Verso in Blei u.li. von fremder Hand mit der Nachlaß-Nr. "3277" versehen.

51,1 x 35,6 cm.

016   Adolph Tidemand "Lystringen" (night fishing). 1849.

Adolph Tidemand 1814 Mandal – 1876 Christiania

Oil on canvas. Signed with brush "A. Tidemand" and dated on the bottom right. Unframed.
Probably catalogue raisonné ...
by Dietrichson No. 323.
See also Boetticher II, Volume 2, Tidemand, A., No.11, two paintings with the same motif.

Having finished his studies at the academy of Fine arts in Düsseldorf (1837-41), Adolph Tidemand went on a journey through his home country Norway. The naturalness of the landscape and the simple, peaceful life of the peasant poulation gave occasion to numerous studies and paintings. He put emphasis to capture the essence of a person, to achieve the greatest possible individualisation. In the course of his tireless creation and multiple realization of one motif his artistic reputation grew in Germany as well as in Norway.

Having become a permanent resident of Düsseldorf, Tidemand was assigned by the Norwegian King Oscar I. to provide the dining-hall of the summer residence Oscarshall near Oslo with artistic decorations in 1848. Portraying the stages of human life, ten paintings were finished in 1850. Besides childhood, wedding and childbirth, one creation shows the family life on the basis of a joint fishing at night. Shortly after completion the paintings were used as model for a poetic cycle released in 1852.

The painting at hand is probably the first known study of the fishing motif. Tidemands ability to convert life, customs and dressing of the rural population into intimate and poetic scenes is the main source of his reputation of the leading genre painter of the Norwegian nationalromantic period down to the present day.

We are grateful to Dr. Bettina Baumgärtel, Düsseldorf, and Dr. des. Anja Gerdemann, Darmstadt for their suggestions. > Read more

Painting without any restorative treatment.
Painting layer with early shrinkage crackling to the top right and more inconspiciously to the top left. Two little paint loss to the lower center, a larger one to the right. Several scratches to the surface. Canvas with few bulges (dents) to the bottom as well to the left, another inconspicious one to the left of the boy.

24,5 x 39 cm.

048   Hermann Glöckner "Yellowgreen folding between grey and blue". 1955.

Hermann Glöckner 1889 Cotta/ Dresden – 1987 Berlin (West)

Tempera. Tempera and collage on strong paper. Verso monogrammed "HG" and dated. Inscribed by the artist "an F 1957" und ...
numbered "74". Estate number "2699" on the bottom left . Signed "Glöckner" on the backing board, inscribed and numbered. Framed behind glass in artist´s frame. > Read more

Painting layer lightely mildewed, on the bottom left a water stain, a scratch on the right. Corners rammed, small damages on the edges.

17,3 x 20,8 cm, Ra. 19,6 x 22,2 cm.

071   Rudolf Nehmer "Still life in front of a broad field" 1979.

Rudolf Nehmer 1912 Bobersberg – 1983 Dresden

Oil on plywood. Signed with brush "Rudolf Nehmer" and dated on the bottom right. Verso signed again "Rdolf Nehmer" and ...
titled in the middle. Shaped frame.

Provenance: from the artist´s atelier.

„Next to the portrait, the still life plays an important role in my painting. It’s almost a try of retrieval of it’s honor when I address myself to this often disregarded topic. There is always this astonishment towards these not always pretty items I chose to depict. There is something arcane trying to come forth about them. I always hope that the reflectiveness and serenity that I feel towards these still lifes will also be felt by the beholder.“ > Read more

Painting layer with slight rubbings in the rebate area, unconspicious scratches on the left, besides the crystal. Carrier on the bottom central with slight micro graze.

76 x 76cm, Ra. 81,5 x 81,5 cm.

025   Johannes Beutner "Ernterast". 1940- 1941.

Johannes Beutner 1890 Cunnersdorf/Sächs. Schweiz – 1960 Dresden

Oil on canvas. In Rot signiert "Joh. Beutner" und datiert u.li. Verso mit verschiedenen, teilweise handbezeichneten ...
Ausstellungsnachweisen. In einer profilierter Leiste gerahmt. Schmuckrahmen verso bezeichnet.

Ausgestellt in: Große Deutsche Kunstausstellung, Haus der Deutschen Kunst, München, 1941.

Provenienz: Österreichischer Privatbesitz.

Die großformatige „Ernterast“ ist eines weniger noch erhaltener Werke Johannes Beutners aus der Zeit vor 1945.
Orientiert an dem bühnenartigen, leicht steifen aber erzählerisch dichten Kompositionsaufbau des Lehrers Otto Hettner, gruppiert Beutner vier junge Frauen um ein imaginiertes Bildzentrum, das letztlich allein der Betrachter einnimmt. Vor einer unspezifischen, mythischen Landschaft, die durch ihren tiefliegenden Horizont und die warmen Lichtvaleurs an Italien erinnert ohne italienisch zu sein, präsentiert der Maler vier Variationen seines einzigen Modells Hilda Franke, die auf sehr sinnliche und anregende Weise den Wunsch nach Abkühlung während eines spätsommerlichen Ernteeinsatzes illustrieren.
Die Einflüsse, die dieses Werk Beutners prägen, sind vielfältig – neben der für Hettner typischen klaren Figurenkonstellation, die meist den Aufbau mythologischer Szenen bestimmte, kann der ästhetische Anspruch Ludwig von Hofmanns ebenso erkannt werden, wie der stark prägende Einfluß der Valori plastici – Künstler, deren Werken Beutner 1931 auf einer Italienreise begegnete. Die noch lebendigere, pastosere Pinselführung der frühen Werke hinter sich lassend und die spröde Farbigkeit seiner Malerei der Zeit nach dem Zweiten Weltkrieg noch nicht erreichend, steht dieses Werk für eine Malerei, die Fritz Löffler in ihrer sensualistischen Anmutung als „blühend und nobel“, in Summa „delikat“, beschrieb. Beutner überfrachtet nicht, er reduziert, ohne in Abstraktion zu verfallen und akzeptiert die Stilisierung als bildnerisches Mittel. > Read more

Malschicht im Falzbereich umlaufend mit kleinen Retuschen, am Bildrand u. kleine Fehlstellen. Sehr vereinzelt unscheinbares Krakelee. Im Bildbereich o.re. mit Kratzspuren, eine Flüssigkeitsspur u.re. Unregelmäßiger Firnis.

160,5 x 180,5 cm, Ra. 179,5 x 199 cm.

040   Hermann Glöckner "Faltung von vier schwarz-weißen Rechtecken vertikal". 1957.

Hermann Glöckner 1889 Cotta/ Dresden – 1987 Berlin (West)

Tempera und Faltung auf leichtem Karton. Verso rotbraun gestrichen, darauf in die nasse Farbe geritzt ligiert signiert ...
"HG" und datiert "31/1/57". Der obere und untere Blattrand vom Künstler gefalzt, am oberen Blattrand eine dünne Kordel als Hängevorrichtung klebemontiert und verso von Glöckner auf klebemontierten Papieretiketten in Schreibmaschine bezeichnet "Hermann Glöckner Dresden N 54 Pillnitzer Landstr. 59". Am unteren Blattrand in Pinsel bezeichnet "Foto Fi. 105/4 151058". > Read more

Die Falzbereiche besonders am oberen und unteren Rand unscheinbar brüchig. Malschicht vereinzelt mit leichten Kratzspuren, im Bereich der grauen Farbfelder vereinzelte Wasserflecken, wohl aus dem Entstehungsprozeß. Im Bereich der Faltungen partiell mit unscheinbaren Farbverlusten.

70,3 x 17,6 cm.

054   Siegfried Klotz "Dresden". 1998.

Siegfried Klotz 1939 Oberschlema – 2004 Dresden

Oil on canvas. Signiert "Klotz" und datiert u.re. In einer schwarzen Schattenfugenleiste gerahmt.
WVZ Weber 259, mit ...
abweichenden Angaben.

Oft traf man Siegfried Klotz malend mit seiner Staffelei auf der Brühlschen Terrasse in Dresden oder im näheren Umfeld der Hochschule für bildende Künste an. Wie kein anderer suchte er in einem relativ engen Wirkungsradius um die Gebäude der Akademie stets neue Ein- und Durchblicke auf die Stadtlandschaft Dresdens. Das Erbe Gotthardt Kuehls, des großen Stadtimpressionisten, forttragend, malerisch jedoch stärker seinem Lehrer Bernhard Kretzschmar verhaftet, schuf Klotz eine Vielzahl stimmungsvoller Ansichten der Stadt an der Elbe, die ihm stets Hort großer künstlerischer Tradition und Entwicklung sowie ab 1965 eine neue Heimat war. Läßt die aufgehellte Palette und der tiefliegende Horizont eine geistige Verbindung zur Malerei Kretzschmars zu, sind die proportional über- und ausgedehnten Bauwerke und Bildelemente typisch für das Werk von Klotz. > Read more

Malschicht stellenweise mit leichtem Krakelee.

100 x 120 cm, Ra. 105 x 124,8 cm.

055   Ernst Kolbe, Dresden - Blick auf Augustusbrücke und Hofkirche. 1st half 20th cent.

Ernst Kolbe 1876 Marienwerder – 1945 Rathenow

Oil on canvas. Signiert "E. Kolbe" u.re. In profilierter, goldfarbener Leiste gerahmt.

Malträger doubliert. Malschicht vereinzelt mit kleinen Retuschen sowie unscheinbarem Krakelee im Bereich des Himmels links.

55,5 x 60,5 cm, Ra. 70,1 x 74,5 cm.

064   Wilhelm Lachnit "Stilleben mit Eule". Um 1954.

Wilhelm Lachnit 1899 Gittersee/Dresden – 1962 Dresden

Mixed media (Öl und Tempera) auf Hartfaser. Unsigniert. Verso dreifach mit dem Nachlaß-Stempel versehen u.re. sowie ...
mittig in Blei betitelt und nummeriert "3". In der originalen Leiste des Künstlers gerahmt.

Vgl.: Walther, Sigrid; Porstmann, Gisbert: Refugium und Melancholie. Wilhelm Lachnit. Malerei. Dresden, 2012. S. 78, Kat.-Nr. 23 mit Abbildung.

Der künstlerische Neubeginn nach Ende des Krieges stand für Lachnit von Anfang an unter schwierigen Vorzeichen. 1947 übernahm er an der wiedereröffneten Dresdner Kunstakademie eine Professur für Malerei, aber bereits Ende 1945 wurden seine Arbeiten als formalistisch abgeurteilt. Die kulturpolitischen Kämpfe übertrugen sich auch auf die Zeit seiner Amtsführung an der Akademie und eskalierten in solchem Maße, daß einer Beurlaubung im Jahr 1953 die endgültige Aufgabe der Professur 1954 folgte.
In diesem Jahr entstand das enigmatische "Stilleben mit Eule". Bedrohlich breiten sich die Flügel der blauen Eule über dem Arrangement aus - dass sie ausgestopft ist, wird dem Betrachter erst auf den zweiten Blick bewusst, gerade weil der Übergang von der Plinthe zum Vogel im Unklaren bleibt. Wasserglas und Zitrone stehen dem wie dialektisch gegenüber, was das Bild als ein Nachdenken des Künstlers über sein Schaffen interpretierbar macht: Bedrohtsein der Kunst durch geltende Doktrinen auf der einen und der Wille des Künstlers, etwas klares in einer reinen Form zu schaffen auf der anderen Seite scheinen auf diesem einfachen Stuhl versammelt. > Read more

Umlaufend an den Bildrändern mit kleinen Retuschen.

79,5 x 99,5 cm, Ra. 100 x 120 cm.

092   Albert Wigand, Stilleben mit Fisch und Zitrusfrüchten. Wohl 1950's.

Albert Wigand 1890 Ziegenhain/Hessen – 1978 Leipzig

Oil on cardboard. Unsigniert. Verso in Graphit von fremder Hand bezeichnet "Conr".
Wird in den Nachtrag zum WVZ ...
Grüß-Wigand aufgenommen.

Provenienz: Nachlaß Ilse Conradus, ehemalige Leiterin der Graphischen Sammlung im Angermuseum, Erfurt. Sie pflegte eine enge Freundschaft zu Albert Wigand.

Nach dem Ende des Zweiten Weltkriegs wandten sich viele deutsche Künstler dem Stilleben zu. Für Dresden sind beispielsweise Wilhelm Lachnit und auch Albert Wigand zu nennen. Zuflucht in den kleinen, fassbaren alltäglichen Dingen zu suchen in einer Zeit, da selbst banale Dinge erst wieder alltäglich werden mussten, ist eine zutiefst menschliche Verhaltensweise. Wigands Stilleben mit Fisch und Zitrusfrüchten spiegelt mit seinen gedeckten Farben und den daraus wie hoffnungsvoll hervorleuchtenden Limetten sicher auch die Gefühlswelt des Malers, der sich kurze Zeit später der Abstraktion zuwenden sollte.

Wir danken Frau Dr. Ursula Grüß-Wigand für freundliche Hinweise. > Read more

Die Eckbereiche des Malträgers teilweise unscheinbar gestaucht. Die Malschicht im Falzbereich partiell etwas berieben. Malträger verso mit kreisrunden Resten einer alten Klebemontierung.

35,5 x 50,7 cm.

001   Carl Blechen, Abendliche Waldlandschaft. Um 1833- 1835.

Carl Blechen 1798 Cottbus – 1840 Berlin

Oil painting auf dünner Malpappe. Unsigniert. Verso zweifach mit dem Sammlungsstempel "Arnold Blome" versehen. Auf ...
Untersatzkarton montiert. Darauf von fremder Hand in Blei bezeichnet. Der originale Untersatzkarton vorhanden, darauf in Blei nummeriert.
Nicht im WVZ Rave.

Provenienz: Norddeutscher Besitz; vormals Sammlung Arnold Blome, Bremen.

Das Werk wird in die in Vorbereitung befindliche Überarbeitung des Werkverzeichnisses von Prof. Dr. Börsch-Supan aufgenommen.

Ein schriftliches Gutachten zur Authentizitätsbestätigung von Prof. Dr. Börsch-Supan, Berlin, vom 14. 04.2013 liegt vor.

Carl Blechen, Schüler des Landschafters Peter Ludwig Lütke an der Berliner Akademie der Künste, galt bereits zu Lebzeiten als „unvergleichlicher Skizzierer“ (zitiert nach: Jutta Schenk-Sorge, Carl Blechen und der Beginn der Freilichtmalerei. Studien zu seinen Ölskizzen, Bonn 1989, S. 7). Seine rasche, temperamentvolle Hand, sein Desinteresse an der vorherrschenden Wiedergabe von Lokalfarben und die Loslösung von der formbestimmten Farbgebung ließen ihn zu einem Vorreiter der revolutionierten Landschaftsmalerei zu Beginn des 19. Jahrhunderts werden. Stark prägend wirkte der Italieneindruck von 1828/29 – das südliche Licht, das gefühlt freiere Leben in und mit der Natur, der neuentdeckte Sensualismus. War Blechen bereits durch die kurze Bekanntschaft mit Dahl und Friedrich in Dresden mit der (früh)romantischen Landschaftsauffassung konfrontiert worden, so wirkten Italien und die zahlreichen deutsch-römischen Künstlerbekanntschaften direkt auf ihn ein; als weitere künstlerische Anregung begegnete er hier dem Werk Turners, dessen oszillierendes Lichtspiel und flacher Farbauftrag sich anregend auf Blechens eigenes Schaffen auswirkte.

In den häufig sehr kleinformatigen Skizzen löst sich die Farbe völlig zugunsten einer neuen sensualistischen Erfahrung vom Gegenstand. Ihr wird somit eine höhere Wirkungsqualität übereignet, die im Resultat dazu führte, „daß die Blechensche Auffassung und Darstellung der Natur, wie sie in ihrer Eigenartigkeit an das Publikum herantrat, dasselbe befremdete, […] verblüffte.“ (Harry Kieser, Carl Blechen, Dresden 1954, S. 5). Es ist überliefert, daß Blechen, der als Nachfolger seines ehemaligen Lehrers Lütke seit 1831 die Landschaftsklasse an der Berliner Akademie leitete, mit seinen Studenten in der Natur arbeitete. Und dies auch in Öl, nicht ausschließlich mit Bleistift oder Feder. Die dabei entstandenen Skizzen zeichnen sich vor allem durch ihre nahsichtige Ausschnitthaftigkeit aus, die das große Ganze durchaus anzudeuten vermag ohne ihm bildwütig nachzueifern. Meist dominieren zwei Farben, deren vielfältige Nuancen und Facetten im Lichtspiel der natürlichen Szene gekonnt ausbalanciert werden. Hierin eine Parallelerscheinung zu den von Blechen in der Zeit 1824-27 entworfenen Bühnendekorationen für das Königstädtische Theater Berlin zu sehen, sei erlaubt.

Auch die hier zur Auktion offerierte kleine Baumstudie mag auf einer Studienexkursion entstanden sein. Sie ist in der häufig von Blechen ausgewählten Kompositionsform der Blickschneise angelegt – hoch aufragende Bäume bilden den über Buschwerk geführten Durchblick zum Himmel. Vergleichbar ist sie darin u.a. dem „Waldsee mit Birken“ (Rave 1526), der „Waldlandschaft mit Wasserfall“ (nicht in Rave) und der „Waldlandschaft“ von 1835 (nicht in Rave). Helmut Börsch-Supan formuliert in seinem umfassenden Gutachten zu diesem Werk die „Absicht des Malers, […] eine Balance zwischen links und rechts, zwischen Ruhe und Unruhe, herzustellen und in der Wildnis in der Vorahnung hereinbrechender Dunkelheit ein tröstliches Gefühl zu erzeugen“. Dieses kleinste bislang nachzuweisende Gemälde im Schaffen Blechens verfügt trotz der geringen Maße über ein hohes Format künstlerischer Ausarbeitung und eine überragende malerische Qualität.

Carl Friedrich Schinkel, der Berliner Maler und Architekt, war zeit seines Lebens ein großer Anhänger und Verteidiger des Schaffens von Blechen. Aus seiner Feder ist der Satz „Überall ist man nur da lebendig, wo man Neues schafft“ (Zit. nach Kieser 1954, S. 3) überliefert. Ein Gedanke, der ohne Einschränkungen auf das intuitive Werk Blechens und auch auf diese kleine Skizze übertragbar ist.
Annegret Karge

Weiterführend u.a.: Peter-Klaus Schuster (Hg.), Carl Blechen. Zwischen Romantik und Realismus, Berlin/München 1990.


Wir danken Herrn Prof. Dr. Börsch-Supan für freundliche Hinweise. > Read more

Verso mit Resten alter Montierungen. Untersatzkarton mit Wasserfleckchen.

6,2 x 4,8 cm.

020   Otto Altenkirch"Birkenecke am Heller". 1917.

Otto Altenkirch 1875 Ziesar – 1945 Siebenlehn

Oil on canvas. Signiert u.li. "Otto Altenkirch" und datiert. Im vergoldeten, profilierten Schmuckrahmen mit ...
Hohlkehlenleiste und Eckkartuschen.
WVZ Petrasch 1917-29-H.

Die in ihrer variantenreichen Farbigkeit beinah skulptural wirkenden Birkenstämme auf den Hellerbergen nördlich von Dresden waren vielfache Inspiration für Altenkirchs strichkräftige Kompositionen. Die ausschnitthafte Szenerie öffnet sich in der Ferne, die wie Wächter aufragende Birken flimmern im pastosen Farbmeer auf der Leinwand. Die Wirren des im Entstehungsjahr des Gemäldes noch herrschenden Ersten Weltkriegs dringen bis hierher nicht vor - der Birkenwald ist gleichsam schützendes Refugium und Hoffnungsträger. > Read more

Malschicht partiell leicht angeschmutzt und mit unscheinbarer Krakeleebildung, teilweise Tendenz zur Schollenbildung. Vereinzelt frühschwundrissig. Minimale Farbausbrüche Mi.li.

120 x 95 cm, Ra. 138 x 118 cm.

048   Josef Hegenbarth "Menschen auf der Straße". Um 1949.

Josef Hegenbarth 1884 Böhmisch Kamnitz – 1962 Dresden-Loschwitz

Distemper. Signiert u.li. und u.re. "Jos. Hegenbarth". Verso mit biblischer, mythologischer oder literarischer Szene in ...
Leimfarbe, nicht aufgelöst (Sintflut?). Verso in Tusche durch Johanna Hegenbarth betitelt Mi.re. sowie ebenda mit Adresstempel des Künstlers versehen (III). U.li. Nachlaßstempel III. Von fremder Hand u.re. in Blei bezeichnet "Inv. Nr. 756" (Josef Hegenbarth-Archiv) sowie u.re. auf Rückständen einer älteren Montierung undeutlich beziffert. Ungerahmt.
WVZ Zesch B III 708, alte JHA-Inv.Nr.: 756.

Provenienz: Privatbesitz; vormals Nachlaß Josef Hegenbarth.

Die titelgebenden "Menschen auf der Straße" interessierten Hegenbarth als Sujet seit 1947 über mehrere Jahre hinweg. Nahsichtig schildert er Physiognomien, arbeitet Charaktere heraus, spielt mit Karrikatureskem und Momenten der Satire. Durch die gestaffelte Komposition der Figuren im Raum wird das Gefühl vermittelt, der Betrachter ginge geradewegs auf die dargestellte Menschengruppe zu bzw. befände sich bereits mitten in ihr. Hier wird das Unmittelbare betont, das unbeabsichtigte Ausgeliefertsein an das kritische Auge des Beobachters. > Read more

Die beiden oberen Ecken mit Knickspuren, die linke deutlicher (ca. 40 mm) und teilweise eingerissen. Die Blattkanten ungerade, am rechten Rand Mi. ein kleiner Einriß, ein winziger am unteren Blattrand. Verso die Eckbereiche mit Resten älterer Montierungen mit Klebemittel- und Papierrückständen.

37 x 49 cm.

060   Herbert Kitzel "Stemmer, grün-braun". 1955.

Herbert Kitzel 1928 Halle (Saale) – 1978 Karlsruhe

Oil painting auf Karton. Unsigniert. Verso in blauer Tinte betitelt und datiert u.re., in Blei von fremder Hand ...
bezeichnet "Wv.No. 135" u.re. Verso mit farbiger Komposition. Im Passepartout hinter Glas in weißer Leiste gerahmt. Verso auf der Abdeckung in Blei bezeichnet o.li.
WVZ Franzke 135.

Provenienz: Privatbesitz; vormals Nachlaß Mareile Kitzel, Karlsruhe.

Herbert Kitzel hat in seinen dreißig Schaffensjahren überwiegend in Zyklen gearbeitet, die immer auch eine Auseinandersetzung mit seiner Rolle als Künstler waren. Das vorliegende Bild gehört in die frühe Phase der Gaukler- und Harlekindarstellungen. Hinter den maskierten Figuren verbirgt sich Kitzel selber - der um Ausdruck ringende Künstler, der fühlt, sich und seinem Publikum eine jenseits des Persönlichen liegende Geste schuldig zu sein. (Franzke 1982, S. 5) Doch gerade aufgrund der amorphen Gesichter besitzen seine Figuren eine Gültigkeit, die über den suchenden Ansatz des Malers hinausgeht. Man kann nicht umhin, in den mit ungelenker und spaßbefreiter Starrheit agierenden Gauklern auch eine Reflexion individueller Lebensumstände zu sehen, die maßgeblich von gesellschaftlichen Rahmenbedingungen determiniert sind. > Read more

In den Blattecken Reißzwecklöchlein, die rechte untere Ecke sowie die linke obere knickspurig und gestaucht. Am Bildrand re. Spuren gelber Farbe.

61,2 x 54,3 cm, Ra. 75 x 69,3 cm.

082   Theodor Rosenhauer"Stilleben mit rundem Brot und Kännchen". 1991.

Theodor Rosenhauer 1901 Dresden – 1996 Berlin

Oil on canvas. Signiert u.re. "Th. Rosenhauer". In der originalen profilierten, grau gefaßten Holzleiste des ...
Künstlers gerahmt.
WVZ Werner 528.

Wir danken Frau Dr. Gabriele Werner, Dresden, für freundliche Hinweise.

Theodor Rosenhauer gehört heute zu den bedeutendsten Vertretern der Dresdner Malschule. Das Stilleben - insbesondere die Darstellung von Brot - spielt in seinem Œuvre eine zentrale Rolle. Für den Maler, der zwei Weltkriege überlebte, war es mehr als nur Nahrung. In der konzentrierten Hinwendung zu diesem Thema zeigt sich, daß es für ihn Symbol des Lebens schlechthin war.
Das hier zur Versteigerung angebotene Gemälde ist ein schönes Beispiel dafür, wie Rosenhauer, über den für ihn typischen pastosen Farbauftrag, dem Motiv eine tatsächliche, essentielle Natur einschreibt. Das Brot ist. Es erinnert uns daran, wie wenig wir im Grunde zum Leben benötigen. > Read more

Bildträger verso mit Druckspuren, Am Bildrand li. mittig ein Bruch in der Malschicht. Bildträger am Bildrand li. und o. wellig. Unregelmäßig aufgetragener Firnis.

46 x 54 cm, Ra. 55 x 65 cm.

062   Hans Jüchser"St.[illeben] mit Forsythienzweig". 1958.

Hans Jüchser 1894 Chemnitz – 1977 Dresden

Oil on fibreboard. Signiert "Jüchser" sowie datiert u.li. Verso betitelt und datiert. Im breiten Holzrahmen ...
gerahmt.
Nicht im WVZ Schmidt.

Hans Jüchser hat einmal gesagt, dass ein Bild eine Welt ist, "die eigenen Gesetzen, den Bildgesetzen, unterliegt." In der vorliegenden Atelierdarstellung gibt uns der Maler einen wunderbaren Einblick in diese Welt: Es ist der Beginn des Frühlings - eine Zeit des Wachsens und Erwachens. Entsprechend lebt das Motiv vom impulsiven Raumempfinden des Malers und einer unverkrampften Bildfindung. So haben manche Partien etwas Kubistisches, ohne den Formen ihre Spontaneität zu nehmen. Die Farbigkeit spielt dabei eine nicht minder wichtige Rolle. Der Stuhl am rechten Bildrand wirkt durch die roten und blauen Nuancen fast noch lebendiger als die Früchte und die Forsythie auf dem Tisch. Das Bild kündet mit einer ihm ganz eigenen Poesie von der bevorstehenden Jahreszeit. > Read more

Malträger an der linken oberen Ecke mit kleiner Fehlstelle, die Malschicht unscheinbar feinteilig alterskrakeliert.

62,6 x 82,8 cm, Ra. 77 x 96,5 cm.

104   Albert Wigand"Vase mit Blumen, Rechteck auf rundem Tisch". Um 1960.

Albert Wigand 1890 Ziegenhain/Hessen – 1978 Leipzig

Oil on fibreboard. Signiert "WIGAND" im unteren Drittel li. In einfacher Holzleiste gerahmt.
WVZ Grüß-Wigand ...
A-1960/11.

Es braucht nur den Bruchteil einer Sekunde um zu verstehen, was gemeint ist, wenn im Zusammenhang mit Albert Wigand von der "Magie der Farben" gesprochen wird. Das vorliegende Blumenstück bezaubert durch seine sensiblen, gebrochenen Töne, die der eher spielerischen Darstellung eine ganz unerwartete Tiefe verleihen. Seine Werke als "persönlich" zu bezeichnen, reicht nicht. Sie sind introvertiert, scheinen an einem Ort entstanden zu sein, der aus der Zeit gefallen ist und jenseits gesellschaftlicher Konventionen liegt. Doch sie verschließen sich dem Betrachter nicht, sondern laden ihn ein, Teil ihrer Wahrhaftigkeit zu werden und besitzen damit eine universelle Gültigkeit. Vielleicht ist das der Grund, warum man seine Bilder nicht wie einen Gegenstand beschreiben kann, … sie sind eben eher Persönlichkeiten. > Read more

Malschicht in den pastosen Partien sehr vereinzelt krakeliert.

35 x 24,5 cm, Ra. 37 x 27 cm.

436   Hermann Glöckner "Wünschendorf, von einer Höhe aus". 1934.

Hermann Glöckner 1889 Cotta/ Dresden – 1987 Berlin (West)

Watercolour auf kräftigem, gelblichen Torchon. Unsigniert. In Blei bezeichnet "Wü 2" u.re. Darunter in Tinte ...
ausführlich datiert "19.5.34". Nochmals in Blei bezeichnet "Wü 2" und ausführlich datiert o.li. Verso mit einem weiteren Aquarell, blühende Bäume vor einem Haus darstellend. In Tinte datiert u.re. "27.5.34". In Blei bezeichnet "Wü 1" und nochmals datiert o.li.
WVZ Dittrich (2010) Z 615.

Mit einem großartigen Gespür für Raum und Farbe evoziert der Künstler in der vorliegenden Arbeit satte und fruchtbare Landschaften. Die Grenzen zum Abstrakten und zur Auflösung in reine Fläche werden berührt und so dominiert diese Landschaftsdarstellung eine ganz eigentümliche Klarheit, welche die Natur der Dinge scheinbar vollständig erfasst und auf den Punkt bringt. > Read more

Die Blattecken mit Reißzwecklöchlein.

35,5 x 50,6 cm.

011   Carl Gustav Carus, Ruins of Netley Abbey by moonlight. 1844. 1844.

Carl Gustav Carus 1789 Leipzig – 1869 Dresden

Oil painting. Unsigned. In a 19th century frame.Not recorded in the catalogue of works by Prause.A detailed expertise ...
prepared by Prof. Dr. H. J. Neidhardt, Dresden,November 2012, is available.

In his capacity as personal physician to king Friedrich August II of Saxony Carl Gustav Carus escorted the royal family during their journey through England and Scotland from August 22th to September 9th 1844. In this context the present painting came into existence. Carus composed a book about his experiences which was published in 1846 in London under the title "England an Scotland". The diary entry of June 1st reveals that the travellers took a boat tour from the Isle of Wight to Southampton: "In sailing up the river we perceived on the right the beautyful ruins of Netley Abbey, half hidden by large beech and lime trees. The shortness of time did not permit us to land, but the telescope brought the ruins close to our eye, and the high roof of the chruch, with its empty gothic windows, peeped outfrom among the trees in the most pictoresque manner. There, no doubt, might studies of great importance have been made." The official occasion, the rich work agenda during the journey and thefact that Carus could only have seen the ruins by telescope from the west, and not as painted in the picture from the east, indicates that the picture originated after the journey, maybe by using a graphical artwork. The artist affiliates the nocturnal mood with the subtle reproduction of the light phenomena of the wet and dusty climate in England.See also: Carl Gustav Carus: England and Scotland, London 1846, p.57.Prause, Marianne: Carl Gustav Carus. Leben und Werk, Berlin 1968, p.57. > Read more

Malschicht neu gefirnist. Großflächige Strichretuschen entlang der linken Malschichtkante, in den dunklen Partien des Vordergrundes, in der Ruine, in den Bäumen (außer Stamm und Äste) sowie im Felsen u.re. Zarte Haarrisse in den Bäumen o.li. An den Ränder

22,7 x 15 cm, Ra. 27,3 x 19,3 cm.

112   Willy Wolff, Still life with Easter cactus. About 1935. 1935.

Willy Wolff 1905 Dresden – 1985 ebenda

Oil on canvas. fixed on plywood plate. Signed "W. Wolff" on the bottom left. Verso signed. Written adress of the artist ...
on the bottom left. Inscribed "26" on the top left. Decorated frame verso signed "W.Wolff".
The present factual and precise still life was painted using an old-masterly technique. It shows arrestingly the influence of the teacher Otto Dix. Wollf studied under him between 1930-33. The appeal of the work lies in its clarity of shapes and colours, secure arrangement and outstanding quality. These parameters form the basis for Wollffs abstract works to follow. > Read more

Kleinste Fehlstellen an den Kaktusblättern. Zwei weitere Fehlstellen oberhalb der Signatur. Krakeleebildung durch mechanische Belastung in der linken unteren Ecke.

63 x 43,5 cm, Ra. 67,5 x 48,5 cm.

049   Hermann Glöckner, Triple-broken wedge on black. 1952.

Hermann Glöckner 1889 Cotta/ Dresden – 1987 Berlin (West)

Tempera. Black grounded cardboard. Tempera and silver colour atop pencil. The upper margin red-brown. Verso red-brown ...
coloured, the bottom margin black. The bottom and lateral edges black, the upper edge red-brown. Verso the monogram "G" in various shades of grey. Dated and designated in pencil by Frieda Glöckner (?) "WÜNSCHEN VIEL GUTES" (With best wishes"). Framed in the artist's frame behind glas. Board-like piece of work, compare catalogue raisonné WVZ Dittrich 85 A and nearly identical WVZ Dittrich 149 and 205 / 206.
Edges of the cardboard partially with minimal loss of paint.

In diesem Werk des Dresdner Künstlers Hermann Glöckner zeigt sich eindrucksvoll sein bereits um 1930 beginnender Neuanfang, die „konstruktiven, geometrischen Grundlagen (seiner) Malerei zu untersuchen (sowie) ihre elementaren und komplexen Zusammenhänge zu finden“. Ungeachtet der künstlerischen Prozesse seiner Zeit entwickelte er ein konstruktivistisches Konzept, das von persönlicher Motivation geprägt, den jugendlichen Vorlieben für Vermessung und Darstellende Geometrie gänzlich entsprach. In einer fortan konstruktiv-abstrakten Formensprache und bis dahin nicht gebräuchlichen Methode der Malerei und Zeichnung im Werk des Künstlers, entwarf Glöckner seit den frühen 1930er Jahren unter Verwendung von Pappe, Papier, Messer, Schere, Zirkel, Lineal, Falzbein sowie Farbe und Pinsel eine umfangreiche Werkgruppe, deren Arbeiten er in einer Niederschrift von 1967 selbst als „Tafeln“ rückblickend beschreibt. In einem ersten intensiven Produktionsprozeß entstanden dabei eine Vielzahl von Tafelgebilden in verschiedenen Variationen und Formen, unter denen erstmals um 1933-1935 das Motiv eines dreimal gebrochenen Keils von silberner und weißer Farbe auf schwarzem Grund in Form einer halbkreisförmig gebogenen Tafelfläche mit roter Farbbegrenzung an Ober- und Unterkante in Erscheinung trat. Kurz bevor das Konzept der Tafeln 1937 zunächst zum Erliegen kam, überführte Glöckner die frühe Grundform des dreifach gebrochenen Keils in eine ebene Fläche und wiederholte jene Ausformung nach Kriegsende in mehreren Fassungen. Neben der um 1958 verzeichneten Arbeit, greift auch das hier zur Auktion gebrachte tafelähnliche Werk auf die von Glöckner häufig zur Anwendung gebrachte Grundform eines gebrochenen Bandes zurück, das sich nach links verjüngend, über einer schwarz gefassten, leicht verjüngten Tafel schwebend und von einem roten Streifen am oberen Rand begrenzt, in außergewöhnlicher Weise das abstrakt-konstruktive Farb- und Formenspiel des Dresdner Konstruktivisten, Hermann Glöckner, in seiner Klarheit und Sachlichkeit eindrucksvoll vor Augen führt. (Zit: Mayer, Rudolf: Tafelwerk - Entwurf, Ausführung, Resonanz, In: Dittrich, Christian/ Heise, Bernhard/ Schmidt, Sebastian: Hermann Glöckner: Die Tafeln 1919-1985, Stuttgart 1992, S. 7.)
Lit.: Mayer, Rudolf: Tafelwerk - Entwurf, Ausführung, Resonanz, In:Dittrich, Christian/ Heise, Bernhard/ Schmidt, Sebastian:Hermann Glöckner: Die Tafeln 1919-1985, Stuttgart 1992, S. 7-16. > Read more

Die Kanten des Malträgers vereinzelt mit minimalem Farbverlust.

14 x 25,5 cm, Ra. 15,2 x 26,5 cm.

057   Josef Hegenbarth, In front of the carousel. 1948.

Josef Hegenbarth 1884 Böhmisch Kamnitz – 1962 Dresden-Loschwitz

Distemper. Paste colour and water colour on firm vellum. Signed "Josef Hegenbarth" bottom right. Verso a scene from ...
"Knüppel aus dem Sack" (Cudgel in the Sack) in the same technique. Mounted in mat and framed between two glas panels in a wooden frame. Catalogue raisonné WVZ Zesch B III 790.
Paint layer in the top left section of the carousel with minimal reticulation.

Das bunte Treiben der jährlich belebten Volksfeste auf der Vogelwiese in Dresden mit ihren allzeit beliebten Karussellen bot Hegenbarth mehrmals eine motivische Grundlage für seine Werke, von der die hier zur Auktion gebrachte, farbenfrohe und lebendige Darstellung eines Publikums vor einem Karussell eindrucksvoll zeugt. Bemerkenswert ist zudem die zarte und luftige Umsetzung der Szene kurz nach dem Ende des Krieges, die als Leimfarbenarbeit gegenüber den motivisch verwandten Aquarellen der 1920er Jahre im Werk Hegenbarths singulär bleibt. > Read more

Malschicht im Bereich des Karussells o.li. mit minimalem, netzförmigen Krakelee.

BA 38,5 x 33,8 cm, Ra. 52 x 46,3 cm.

090   Theodor Rosenhauer"House with angular tower near 'Weißes Roß' in Radebeul in winter. 1958.

Theodor Rosenhauer 1901 Dresden – 1996 Berlin

Oil painting. Oil on rough-textured canvas. Signed "Th. Rosenhauer" bottom left, dated. In a moulded wooden frame. ...
Catalogue raisonné WVZ Werner, addendum.
Paint layer in the upper and lower right section partially slightly brittle. Top right corner with a curved crazing line, bottom right a smaller, slightly frail paint clod. > Read more

Malschicht im oberen und unteren rechten Eckbereich partiell mit feinen Brüchen. Ecke o.re. mit einer bogenförmigen Bruchlinie, u.re. eine kleine gelockerte Farbscholle.

40 x 60,5 cm, Ra. 51 x 70 cm.

108   Paul Wilhelm "Skating rink". 1930's.

Paul Wilhelm 1886 Greiz – 1965 Radebeul

Oil on canvas. Signed "P. Wilhelm" to the lower right. To the reverse signed once more, titled and numbered "8" to the ...
stretchers frame, with different notations, remainings of a paper label to the lower left.

Painting with slight craquelé. Small retouch over paint damage to the water of the right hand river bend, there a canvas restoration to the reverse. > Read more

Malschicht mit leichter Krakeleebildung. Kleine Retusche über einem Farbverlust unterhalb der rechten Flußbiegung im Wasser, verso punktuell hinterlegt. In der Ecke u.li. ein Nagel.

56 x 101,5 cm.

109   Paul Wilhelm, Bildnis Marion. Um 1919 - 1920.

Paul Wilhelm 1886 Greiz – 1965 Radebeul

Oil on cardboard. Unsigniert. Verso mit einer Nachlaßbestätigung von Werner Schmidt, Dresden, aus den 1980er Jahren "Bildnis Marion/ Um 1919-20/ Aus dem Nachlaß/ von Paul Wilhelm/ f. d. R. Werner Schmidt".

Malschicht mit diagonaler, bereits vor dem Entstehungsprozess existenter Kratzspur im Hintergrund der linken Bildhälfte. Partiell feine Karakeleebildung. In den Eckbereichen kleine punktuelle Druckspuren wohl aufgrund einer älteren Montierung verso, ebenda kleine Löcher.

ca. 39 x 33 cm.

472   Hermann Glöckner, Lady with hat and yellow brooch. 1947.

Hermann Glöckner 1889 Cotta/ Dresden – 1987 Berlin (West)

Gouache and tempera on four times folded newsprint paper, completely mounted on cardboard.
The work has been ...
registrated in Hermann Glöckner Archiv Dresden.

Newsprint paper brownished. The paint insular minimal fissured as well as with lost of paint to the more pastose areas. The edges and margins with smaller tears and damage by knocking. Two major tears (max. 4,7 cm) to the margin left, the corner top left with damage To the reverse with watermarks.

Die Zeitung als politischer Informationsträger avancierte im Oeuvre Glöckners immer wieder zur bildnerischen Grundlage seiner künstlerischen Ausdruckskraft. In kräftigen Farben entwarf er aus dem Wechselspiel von Kontur und Fläche ein Porträt einer sitzenden, jungen Dame mit Hut, die ihren Kopf leicht geneigt den Blick verträumt in die Ferne richtend, als Fragment ihrer Selbst nicht nur künstlerisch, sondern auch technisch überliefert bleibt. Während bereits in den 1930er Jahren verschiedene Damenporträts mit Broschen entstanden, nahm Glöckner dieses Motiv nach Ende des Krieges erneut wieder auf. > Read more

Zeitungspapier stärker gebräunt. Malschicht vereinzelt minimal rissig sowie mit Farbverlusten in den pastoseren Partien. Die Rand- und Eckbereiche mit kleineren Bestoßungen und Einrissen. Zwei größerer Einrisse (max. 4,7 cm) am oberen linken Rand sowie eine größere Verletzung der Trägerpappe in der Ecke o.li. Verso mit Wasserspuren.

Zeitung 84,7 x 54 cm, Pappe 84,7 x 54,5 cm.

005   Carl Gustav CarusPillnitz landscape with ruin. Around 1835. 1835.

Carl Gustav Carus 1789 Leipzig – 1869 Dresden

Oil painting. Oil on thin artists’ board. Unsigned. Verso illegibly inscribed / marked by unknown. Framed in an ...
ebonised moulded frame.
Paint layer with scarcely visible scratches in the area of the sky; center and center left each a inconsiderable trace of stain. Partially discreet craquelure. On the right edges with minimal yellowing of the finish. The boards’ corners with small fixing holes. Board slightly wavy; verso with traces of a former mounting.
Probably catalogue raisonée Prause number 287 (here titled as “Ruin in Pillnitz above the vineyards”).

Accompanied by an expertise by Prof. Dr. H. J. Neidhardt, Dresden, dated 20th April 2012.

Provenance: privat Saxon ownership, goddaughter of Margarete Schwerdtner; previous belonging to Margarete Schwerdtner, foster child by Caroline Cäcilia Carus. > Read more

13,7 x 19,5 cm, Ra. 18,2 x 23,7 cm.

006   Carl Gustav Carus, Seascape with rocks (The Needles, Isle of Wight, backlit). 1844.

Carl Gustav Carus 1789 Leipzig – 1869 Dresden

Oil painting. Oil on thin artists’ board, mounted on hand made paper and slightly cut to the edges by the artist.. ...
Unsigned. Verso on the backing board inscribed by unknown. Framed in small wooden frame.
Paint with minor scratch top left (appr. 9 mm), faintly visible scratches in the area of the sky. Slight brush traces in the varnish discernable in raking light. Minimal yellowed of the varnish on the edges. Board slightly bent. The boards’ corners with small fixing holes.
Not listed in the catalogue raisonée Prause.

Accompanied by an expertise by Prof. Dr. H. J. Neidhardt, Dresden, dated 20th April 2012.

Provenance: privat Saxon ownership, goddaughter of Margarete Schwerdtner; previous belonging to Margarete Schwerdtner, foster child of Caroline Cäcilia Carus.

Carus travelled England and Scottland from May to August 1844, accompanying the Saxon king Friedrich August II. In the subsequently published journey diary Carus dedicates about three pages to his impressions when encountering the rock formation of the Needles on 1st of June, sailing on the "Fanny" from Portsmouth.
The here offered painting, originating from that journey, reproduces those detailed observations of the rocks, sky and atmosphere. > Read more

12,3 x 19 cm, Ra. 14,3 x 21 cm.

075   Hans Jüchser"Stilleben mit grünem Glas und Muscheln". 1972.

Hans Jüchser 1894 Chemnitz – 1977 Dresden

Oil on fibreboard. Signiert u.li. "Jüchser" und datiert. Verso mittig nochmals signiert, datiert, betitelt und mit ...
Maßangaben versehen. In schlicht profilierter Holzleiste gerahmt, Rahmen bestoßen.
Nicht im WVZ Schmidt.

"Meine Beschäftigung mit dem Stilleben ist die beste Möglichkeit, die formalen und fertigen Gesetze zu studieren, wobei der Gegenstand oft belanglos, der Gehalt der Gestaltung aber ebenso bedeutsam wie das Menschenbild sein kann." Diesen Worten Hans Jüchsers folgend, galt das Hauptinteresse des Künstlers der formalen Erscheinung der dargestellten Objekte; ihrer Anordnung im Raum und der damit verbundenen Licht- und Schattenwirkung, dem Verdecken und Offenbaren benachbarter Gegenstände und dem wirkungsvollen Spiel der Gegensätze von harten und weichen Umrissen, denen durch das sehr eigene Kolorit Jüchsers eine immer neue Erscheinung auferlegt wird. So sieht der Betrachter auch in sich wiederholenden Motiven, wie z.Bsp. der Fußschale mit Birne, einen durch veränderten formalen Kontext und farblicher Interpretation neu erfundenen Bildgegenstand. (Vgl. Hans Jüchser "Stilleben mit Vogel". 1969. Öl auf Sperrholz. Kunstsammlung Neubrandenburg, Inv.-nr. 1981; obenstehendes Zitat nach: Hans Jüchser (1894-1977). Malerei; Ausstellungskatalog Kunstausstellung Kühl und galerie refugium, Dresden 1994, S. 15.). > Read more

39,2 x 52,2 cm, Ra. 45,2 x 58,7 cm.

089   Wilhelm Lachnit, Stilleben mit Skulptur und Teerosen. 1942.

Wilhelm Lachnit 1899 Gittersee/Dresden – 1962 Dresden

Oil painting auf leinenkaschierter Sperrholzplatte. Signiert u.re. "W. Lachnit" (in Rot über Schwarz) und datiert. ...
Verso von unbekannter Hand nummeriert. In goldgefaßter Profilleiste mit Eckpalmetten gerahmt.
Malschicht partiell leicht frühschwundrissig, im Bereich der Vasen deutlicher. Kleinere, fachgerechte Retuschen im Hintergrund der gelben Kamelien. Im Falzbereich mit den Resten einer früheren Bemalung.

Wie das in der Sammlung der Galerie Neue Meister der Staatlichen Kunstsammlungen Dresden befindliche "Stilleben mit Rose und antiken Gipsen" von 1945, zeugt auch dieses Werk von der "noblen Farbkultur, die Lachnit unter seinen Kennern zum 'Raffael von Dresden' erhob". Stark vergleichbar in Kolorit und Aufbau, jedoch ohne den nahezu pathetischen Beiklang des drei Jahre später enstandenen Werks faszinieren hier die klaglose und doch hoffnungspendende Stille und der sich im warmen Ausdruck übermittelnde Sieg der Schönheit. (zitiert nach: Werner, Gabriele: Wilhelm Lachnit 1899-1962. Gemälde, Dresden 2000, S. 68). > Read more

61,2 x 49,4 cm, Hartfaser 63,3 x 51,7 cm, Ra. 77,5 x 65 cm.

011   Carl Gustav Carus, Mondscheinlandschaft. Um 1830.

Carl Gustav Carus 1789 Leipzig – 1869 Dresden

Oil on paper, nachträglich auf Malpappe kaschiert. Die Kanten der Trägerpappe mit Papier kaschiert und vergoldet. ...
Unsigniert. Verso von unbekannter Hand ausführlich bezeichnet. In einer breiten Holzleiste gerahmt.
Die Blattecken des Bildträgers mit kleinen Fixierlöchlein. Malschicht mit punktuellen bis kleineren Retuschen im Bereich des Himmels und an den Rändern; kleinere Farbausplatzung o.Mi. Vereinzelt punktförmige Flüssigkeitsspuren. Gealterter Firnis, partiell minimal berieben. Die Ecken der Trägerpappe etwas gestaucht, die Randbereiche mit vereinzelten kleinen Läsionen, verso mit Resten älterer Montierungen.
Beschriftung verso vormals von einem späteren Etikett überdeckt (einzeln beigegeben).
Nicht im WVZ Prause.

Eine Expertise von Prof. Dr. H. J. Neidhardt, Dresden, vom 30.01.2012 liegt vor.

Die Verwendung von Papier als Bildträger ist kennzeichnend für das malerische Oeuvre Carus'. Etwa ein Viertel der kleinformatigen Gemälde und Studien wurden auf Papier gemalt und nach Beendigung des Malprozesses oftmals auf Malpappe montiert, ein Zeitpunkt der späteren Montierung läßt sich zumeist nicht nachweisen. Die nach der Montierung geschnittenen Blattkanten des Bildträgers und sichtbar bleibenden Schnittspuren lassen sich auch auf anderen Gemälden des Künstlers nachweisen ("Baumstudie", um 1825, Galerie Neue Meister Dresden, Inv. Nr. 2215M) ebenso die Fixierlöchlein in den Blattecken des Bildträgers ("Sächsische Landschaft. Sonnenstein bei Pirna", um 1824, Nationalgalerie Berlin, Inv. Nr. AII424).
Vgl. Möckel, Viola: Über Bildträger und Grundierungen von 24 Gemälden von Carl Gustav Carus (Galerie Neue Meister SKD Dresden und Alte Nationalgalerie, SMPK Berlin). Dresden, 2007 (unpubliziert).

Als Vorreiter und Verfechter einer romantischen Naturforschung und Medizin, die sich der regulativen, in forschend und interpretatorisch trennenden Auffassung Kants entgegenstellte und, stärker im Sinne Hegels, auf dem Zusammenklang von Empirie und Philosophie basierte, lag sämtlichen natur- und kunstwissenschaftlichen Äußerungen von Carl Gustav Carus das Beschreiben einer ideellen Einheit von Natur und Mensch zugrunde. Allein in der befruchtenden Ergänzung von Physik und Metaphysik, nicht in deren vernunftbasierter Ablehnung, sah Carus die Aufgabe der Wissenschaft, den Zusammenhängen in der Identität von Natur und Geist nachzuspüren, erfüllt. Seine in viele wissenschaftliche Bereiche vordringenden, umfassenden Studien widmen sich stets der von sozialen und politischen Prägungen ungetrübten Verbindung von Mensch und Natur.
Carus’ Standpunkt, nur eine durch die Erkenntnisse der Wissenschaft beeinflußte Kunst könne als ganzheitlich angesehen werden, zeigt sich deutlich in seiner am 15. Dezember 1834 im Kunstverein zu Dresden gehaltenen Vorlesung „Ueber atmosphärisches Licht und über atmosphärische Farben“. Hierin formulierte er die Feststellung und Hoffnung, „daß der Wissenschaft manches zu Gute komme von der Kunst […], daß aber auch die Wissenschaft ihrerseits manchen nützlichen Fingerzeig, manchen dankenswerten Aufschluß der Kunst zu geben im Stande sey, …“ Der Malerei maß Carus in seinen Ausführungen besonderes Gewicht bei, „als derjenigen Kunst, die ganz und gar vom Lichte lebt, die ohne Licht undenkbar wäre, deren Aufgabe es ist, durch Schein des Lichtes das Sinnesorgan auf gefällige Weise und zu höhern Zwecken zu täuschen, und die, um diesen Zweck zu erreichen, sonach die Kenntnis von den Lichtwirkungen und die nicht so leichte Kunst des Sehens voraussetzt“.

Dies zeigt sich auch im künstlerischen Schaffen des Universalgelehrten, hier in besonderem Maße an der Werkgruppe der Mondscheinlandschaften. Basierend auf zahlreichen empirischen Studien zu den für das menschliche Auge wahrnehmbaren, atmosphärischen Prozessen, schuf Carus eine Reihe von malerischen Mondscheinszenen, die einerseits seine Beobachtungen des Lichtspiels und der Farben am Nachthimmel reflektieren, zum anderen jedoch immer auch Spiegel der eigenen Empfindung sind. Carus suchte die tief wahrgenommene Einheit von Wissen und Empfindung, von Geist und Gefühl; nüchternes Abbilden fand ebenso seine Ablehnung wie geistlose Schwärmerei. Konnte er sich für eine detaillierte malerische Schilderung einer Wetterlage, wie in den Gemälden Johann Christian Klengels, begeistern, so empfand er die klaren Wolkenstudien Johan Christian Clausen Dahls als „unchristlich befremdend“. Auch den mitunter symbolisch-metaphorisch aufgeladenen Seelenlandschaften Caspar David Friedrichs, dem sich Carus zeitweise eng verbunden fühlte, stand der Mediziner kritisch gegenüber: in einem Brief an Johann Gottlob Regis aus dem Jahr 1820 faßte Carus zusammen, Dahl würde „ebensooft an das Objektive sich zu sehr verlieren, als Friedrich zuweilen im Subjektiven unterging“.

Seine eigenen Mondscheinlandschaften zeichnen sich vor allem durch dynamische, ins Dramatische gesteigerte Wolkenformationen aus, die den (in den meisten Fällen) vollen Mond und dessen reflektierendes Lichtspiel stimmungsvoll inszenieren. Die Faszination dieser Szenen lag für Carus nicht in einer unreflektierten oder verklärten Anbetung des sich ihm bietenden Naturschauspiels von Licht und Farben, sondern vielmehr in dessen malerischen, auf einer, von wissenschaftlichen Erkenntnissen gestützten, persönlichen Wahrnehmung beruhenden Analyse. Das Mondlicht schien ihm in seiner Eigenschaft als reflektiertes Licht besonders interessant, zeigen sich in seinen unterschiedlichsten Ausprägungen doch die vielfältigsten atmosphärischen Phänomene: „Beobachtet man nämlich zuerst den Mond, wie er am Nachthimmel uns mehr oder weniger gelblich leuchtend erscheint, so sollte man zuvörderst schwerlich glauben, daß er mit seinem gelblichen Ton nur blaues Licht versenden könnte, …“ Und weiter: „… wir können auch bei dem minder blendenden Lichte des Mondes und besonders beim Lichte des ersten oder letzten vollen Viertels, zumal wenn leichte Wolken sich umher verbreiten, sehr deutlich sehen, daß der Himmelsraum zunächst am Monde von einer ganz außerordentlichen Dunkelheit ist, welche uns um so weniger als etwa bloß vom Gegensatz zum Mondlichte scheinbar hervorgerufen angesehen werden kann, […]; eine Verschiedenheit, welche auch auf Gemälden sorgfältig beachtet zu werden verdient, soll dadurch anders die Wirkung solchen Mondlichtes deutlich wiedergegeben werden.“ Daß es Carus gelang, diese Symbiose von Beobachtung und Empfindung in seinen Mondscheinstücken in eine eigenständige künstlerische Handschrift zu übersetzen, beweist einmal mehr dieses hier zur Auktion stehende Werk von musealer Qualität.

Quellen:
Die am 15. Dezember im Sächsischen Kunstverein in Dresden gehaltene Vorlesung „Ueber atmosphärisches Licht und über atmosphärische Farben“ wurde kurze Zeit später in drei Teilen im Schornschen Kunstblatt publiziert: Morgenblatt für gebildete Stände. Kunst-Blatt (Hrsg. Ludwig Schorn). München, Jahrgang 1835, No. 16 bis 18 (24. Februar bis 3. März 1835).

Das Zitat aus dem Briefwechsel mit Regis findet sich in: Carus, Carl Gustav: Lebenserinnerungen und Denkwürdigkeiten. Nach der zweibändigen Originalausgabe v. 1865/66 neu hrsg. V. Elmar Jansen, 2 Bände, Weimar 1966, Band 1, S. 235. Hier wurde zitiert nach: Maaz, Bernhard: Carus und die Kunst seiner Zeit; In: Carl Gustav Carus – Wahrnehmung und Konstruktion. Akten zum interdisziplinären Kolloquium 21. bis 23. Mai 2008 im Residenzschloß, Staatliche Kunstsammlungen Dresden. Dresden 2009, Essay-Band, S. 100.

Annegret Karge. > Read more

23 x 32,2 cm, Malpappe 24 x 33,2 cm, Ra. 32 x 41 cm.

025   Johannes Beutner, Nach dem Bade. 1942.

Johannes Beutner 1890 Cunnersdorf/Sächs. Schweiz – 1960 Dresden

Oil on canvas. In Rotbraun signiert u.re. "Joh. Beutner" und datiert.
Malschicht punktuell leicht angeschmutzt und ...
vereinzelt mit strichförmigem, langgliedrigen Krakelee. Im Inkarnat und teilweise in pastoseren Partien partielle Frühschwundrißbildung, deutlicher im Rücken der linken Figur und im erhobenen Arm der rechten Figur, stellenweise sternförmige Krakeleebrüche. Kleine Retusche im Bereich der linken Brust der rechten Figur. Kreisförmiges Krakelee über einer Druckstelle o.re.

Nur 17 ausgelagerte Werke überlebten die Totalzerstörung des Ateliers von Johannes Beutner in der Dresdner Bombennacht vom 13. auf den 14. Februar 1945 - "Nach dem Bade" ist eines von ihnen.
Diese bislang unpublizierte, monumentale Arbeit zeigt in aller Deutlichkeit den werkbestimmenden Einfluß der während eines einjährigen Italienaufenthaltes im Jahr 1931 gesammelten Eindrücke und die geistige Nähe zu den Künstlern der Valori plastici. Das samtene, gepudert tonige Kolorit, der statuarische Aufbau der Figuren im Vordergrund und die diffuse, aus reduzierenden Farbflächen komponierte, nahezu klassizierende Landschaft im Hintergrund lassen Anleihen an Werke Giorgio Morandis oder Carlo Carràs erkennen.
Und doch fand Beutner, trotz dieser expliziten Zuwendung, zu einer eigenen, weniger melancholischen Sprache, bestimmt durch eine wärmere Palette und nicht zuletzt durch die stete, innige Variation seines Modells und späteren zweiten Frau Hilde.
"Die Dargestellte ist immer die gleiche, und sie ist immer neu gesehen. Beutner fand für jedes der Bilder von Hilde eine Skala reicher Farbigkeit, neue Akzente für das blühende Inkarnat sowie für den Aufbau der schlichten, meist neutralen Umgebung des Hintergrundes oder der stillebenhaften Beigaben." (Löffler, Fritz: Johannes Beutner (Reihe Maler und Werk), Dresden 1987, S. 7). > Read more

131 cm x 180,5 cm.

044   Hermann Glöckner, Verlaufende Strukturen über gefächerten Spachtelzügen. 1962/ 1968.

Hermann Glöckner 1889 Cotta/ Dresden – 1987 Berlin (West)

, Leim, Casein, Tempera und Alkydharzlack auf Pappe. Verso schwarzbraun grundiert, mit einer Flächenaufteilung in Blei ...
und mittig in Deckweiß monogrammiert "G" (Schablone). Darunter signiert "Hermann Glöckner", datiert u.li. "bis 140162" sowie ausführlich bezeichnet u.Mi.: "Kreide + Beta Cas. + nass. Temp. + Lack (Bo) mont. 068". In der originalen Künstlerrahmung.
Oberfläche mit vereinzelten, unscheinbaren Abplatzungen; Lack mit Verfärbungen. Farbliche Fassung der Rahmung leicht rissig und angeschmutzt, vereinzelt unscheinbare Fehlstellen.
Nicht im WVZ der Tafeln.

Diese äußerst dynamische Tafel Glöckners offenbahrt in ihrer vegetativen, ferner an gebeugte Giraffen erinnernden, Gestaltung ein vom konstruktivistischen Tenor der geometrischen Tafeln abweichendes Interesse an einer nahezu informellen Formfindung aus scheinbar amorphen und zufällig wirkenden Strukturen. > Read more

15,2 x 27,3 cm, Ra. 26 x 37,3 cm.

055   Hans Jüchser"Lesende liegend". 1966.

Hans Jüchser 1894 Chemnitz – 1977 Dresden

Oil on canvas. Signiert u.re. "Jüchser." und datiert. Malträger verso grundiert, mittig signiert, ortsbezeichnet, ...
betitelt und datiert. In silbergefaßter Holzleiste gerahmt.
Malschicht mit kleiner Druckstelle mit minimaler Farbablösung im linken Arm der Liegenden. Malträger leicht wellig. Zwei Seiten der Keilrahmung ersetzt.
Nicht im WVZ Schmidt.

Innerhalb der umfassenden Werkgruppe der Frauenbildnisse im Schaffen Jüchsers wurde den "Liegenden" ein besonderes motivisches Interesse seitens des Künstlers zuteil. Die Ruhe und Statuarik der mitunter sogar schlafenden Frauen ist wichtigstes kompositorisches Mittel, Atmosphäre und Ausdruck werden allein durch das Kolorit bestimmt. "Es ist typisch und bezeichnend für das malerische Interesse Hans Jüchsers, daß er sich immer wieder den gleichen Motiven zuwandte und ihre Neuschöpfung in der Welt der Farben vollzog." (Porstmann, Gisbert: Der Maler Hans Jüchser, In: Porstmann, Gisbert / Karohl, Linda (Hrsg.): Hans Jüchser. Farbe als absolute Kraft, Städtische Galerie Dresden, Dresden 2010, S. 12).
In der "Liegenden" ist wohl meistenfalls Jüchsers zweite Frau Helga zu sehen - die zahlreichen Portraits nach ihrem Modell reflektieren gleichsam Zuneigung und künstlerisches Interesse. > Read more

55,7 x 74,6 cm, Ra. 63,8 x 83,5 cm.

095   Martha Schrag "Blick auf eine Gärtnerei". 1947.

Martha Schrag 1870 Borna (Leipzig) – 1957 Karl-Marx-Stadt

Oil on cardboard. Signiert u.re. "M. Schrag" und datiert. Verso von der Künstlerin ausführlich bezeichnet und ...
betitelt o.Mi. sowie mit verschiedenen Klebeetiketten o.li. und o.re. In schmaler Holzleiste gerahmt.
Malschicht stellenweise leicht kratzspurig. > Read more

58,2 x 75,2 cm, Ra. 67 x 84 cm.

106   Paul Wilhelm, Der Neumarkt in Dresden. 1926 - 1930.

Paul Wilhelm 1886 Greiz – 1965 Radebeul

Oil on canvas. Signiert u.re. "P. Wilhelm". Verso schwach lesbar mittig signiert "Paul Wilhelm" sowie mit einem ...
Rundstempel versehen u.li. (nicht aufgelöst). U.li. auf dem Keilrahmen mit einem Klebeetikett "575" versehen.
Malschicht angeschmutzt und krakelierend, in der oberen Bildhälfte stärker. Ebenda vertikal verlaufende Spuren eines Feuchteschadens bzw. Verschmutzung durch eine Flüssigkeit. Zwei Druckstellen mit Krakeleebildung o. Mi. und u.li. (in Höhe der Straßenbahn). Malträger wellig, verso deutlich angeschmutzt. Keilrahmung leicht verzogen.

Stadtlandschaften nehmen zwar im Schaffen Paul Wilhelms keinen vordergründigen Teil des Werks ein, zeugen aber stets von einem starken malerischen und kompositorischen Interesse des Künstlers an den sich aus Dach- und Straßenformationen ergebenden Sichtbeziehungen. Aus der Zeit um 1928 sind zwei Darstellungen des Neumarktes in Dresden mit dem zentralen Bauwerk der Frauenkirche überliefert (Vgl. Schmidt, Werner: Paul Wilhelm zum 100. Geburtstag, Dresden 1986, S. 64, Katalognr. 84). Der hiesige Blick auf den westlichen Teil des Platzes läßt einen erhöhten Standpunkt im Gebäude des Hotels de Saxe vermuten; die freie Sicht auf das Johanneum und das gegenüberliegende Hotel Stadt Berlin (heute Quartier F) bekräftigen diese Annahme. > Read more

97,5 x 124,5 cm.

045   Pol Cassel"Herbst" (Constantin träumt). 1932.

Pol Cassel 1892 München – 1945 Kischinau, UdSSR

Oil on canvas. U.re. signiert "Cassel" und datiert, verso oben auf dem Keilrahmen nochmals signiert "P. Cassel", ...
betitelt und von fremder Hand bezeichnet. In einer schwarzen Künstlerleiste gerahmt.
Leinwand partiell etwas wellig. Malschicht im Bereich des Himmels etwas angeschmutzt sowie mit feinen, horizontal verlaufenden Brüchen unterhalb des rechten Knies und am unteren rechten Bildrand. Drei kleinere Löchlein im rechten, unteren Eckbereich. Drei minimale Farbabplatzungen unterhalb des Raben.

Das Gemälde ist in dem von Franz-Carl Diegelmann, Zürich, geführten Werkverzeichnis registriert.

Provenienz: Dresdner Privatbesitz; Kunstausstellung Kühl, Pol Cassel - Ausstellung 1992.

Innerhalb der umfangreichen Werkgruppe der Kinderbildnisse muß diesem Portrait von Cassels jüngerem Sohn Constantin wohl besondere Aufmerksamkeit geschenkt werden. In der lodernden, stark kontrastierenden Farbigkeit seiner Malerei der späten 1920er bis frühen 1940er Jahre gehalten, wird die portraithafte Darstellung des Knaben um eine stark allegorische Ebene erweitert. Die Angst und der Alb, die sich dem erschrockenen Kind in Form eines Raben nähern, verbinden sich metaphorisch mit der heraufziehenden Dunkelheit des Herbstes, dem Sterben der Natur, den peitschend heraufziehenden Stürmen und den langen, nicht endenwollenden, düsteren Abendstunden. Hinsichtlich des Entstehungszeitpunktes könnte darüberhinaus eine zeitgeschichtliche Aussage unterstellt werden, die sich jedoch nicht in den Vordergrund drängt. > Read more

74,5 x 85,7 cm, Ra. 77,5 x 90 cm.

064   Josef Hegenbarth, Die Hühnerschlachterin. Um 1921.

Josef Hegenbarth 1884 Böhmisch Kamnitz – 1962 Dresden-Loschwitz

Oil on canvas. U.li. signiert „Hegenbarth“. Verso auf dem Spannrahmen mit einem alten Klebeetikett versehen. In ...
einer schwarzen, profilierten Holzleiste gerahmt. Malschicht am unteren Rand mit einigen kleineren, sowie einer etwas größeren Fehlstelle.
Vgl. motivisch dazu die beiden Arbeiten: Hühnerschlachten, Aquarell und Leimfarbe. Um 1921. Nationalgalerie Prag, Inv. Nr. K 17473 sowie Inv. Nr. K 37628 (WVZ Zesch C II 509 sowie C II 511).

Mit dem satirisch geschärften Blick des geübten Illustrators zeichnet Hegenbarth hier die skurrile Groteske einer Bäuerin, welche sich, nicht ohne eine gewisse Spur von hämischer Freude im Gesicht, dem Schlachten zweier Hühner widmet. Während das eine Tier noch aufgeregt schreiend seinem Ende entgegensieht, hat das Messer der Schlachterin die Kehle des anderen Tieres bereits erreicht. In erdwarmen, wässrigen Farben wird der Boden des Raumes nur angedeutet - im Hintergrund schimmern die Drahtkäfige des Federviehs als stille Zeugen des drohenden Unheils hervor. Das Verhältnis von Mensch und Tier kritisch hinterleuchtend, zeigt sich in dieser großformatigen und motivisch einzigartigen Arbeit der enge Zusammenklang von Malerei und Zeichnung im Werk Hegenbarths. Dem Künstler gelingt hier auf bemerkenswerte Weise eine singuläre Verschmelzung des für seine Malerei verhaltenen Kolorits mit dem luziden Farbauftrag eines Aquarells und der umrißhaften Linienführung einer Zeichnung. > Read more

80 x 61 cm, Ra. 90 x 70,2 cm.

105   Theodor Rosenhauer"Stilleben mit Brot, blauem Krug und Tasse". 1987.

Theodor Rosenhauer 1901 Dresden – 1996 Berlin

Oil on canvas. U.re. signiert "Th. Rosenhauer" und datiert, verso auf dem vom Künstler eigenhändig umgeschlagenen ...
unteren Randbereich nochmals signiert sowie mit einem originalen Klebetikett des Künstlers versehen. In einer kräftig profilierten, dunkelbraun gebeizten und polierten Leiste gerahmt.
Malschicht im oberen re. Bildbereich mit feinen, horizontalen Brüchen. Der Malträger Mi.li. mit einer Druckstelle und einer feinen, vertikalen Bruchlinie. Unterer Falzbereich mit rahmungsbedingten, horizontalen Farbverlusten.
WVZ Werner (1997) 516 / (1994) 504 (hier jeweils mit abweichenden Maßangaben).

Über einen Schaffenszeitraum von fast 70 Jahren finden sich im Werk Rosenhauers über 50 Brotstilleben, der Großteil davon in den 1980er Jahren entstanden. Das Brot war Rosenhauer mehr als nur bloßes Motiv - die Auswahl der Vorlage wurde mit derartiger Sorgfalt und hohem Anspruch getroffen, daß man unterstellen möchte, der Künstler habe in jedem dieser Laiber ein Individuum gesehen, dessen natürliche Kurzlebigkeit auf der Leinwand verlängert werden sollte. "Ich gebe zu, daß es wie zumeist bei meinen Motiven, das im Leben zu kurz Gekommene, jedenfalls das selbst hier nicht Gefragte oder Mißratene ist, das mich reizte und immer wieder gefangen nimmt, sei's ein trauriger Ausdruck, sei's etwas Verbrauchtes." (Stefan Bongers-Rosenhauer / Klaus Hebecker (Hrsg.), Theodor Rosenhauer, Erfurt 2010, S. 211) Neben der für die Malerei Rosenhauers signifikanten sinnlichen Erfahrung des gemalten Brotes liegt der Motivwahl eine tiefempfundene Dankbarkeit und christliche Demut zugrunde, die in aller Schlichtheit und Bescheidenheit ihren Weg auf die Leinwand findet. > Read more

43 x 60,4 cm, Ra. 57,5 x 74,5 cm.

109   Robert Sterl"Steinmetz mit Messlatte am Block hockend". Um 1907.

Robert Hermann Sterl 1867 Großdobritz – 1932 Naundorf/Sächs. Schweiz

Oil on cardboard und nochmals auf Malpappe kaschiert. U.re. monogrammiert "R. St.", verso mit dem runden Klebetikett ...
"Nachlass Rob. Sterl A 18" versehen. In einer breiten, profilierten Holzleiste gerahmt. Eckbereich, sowie o.Mi. und u.Mi. jeweils ein kleines Reißzwecklöchlein. Malschicht leicht angeschmutzt, Randbereiche mit minimalen Abplatzungen. Rahmen mit Abplatzungen.
WVZ Popova 697, WVZ Zimmermann 608.

Provenienz: Deutscher Privatbesitz; Nachlass Karl Horstmannshoff, Werther; um 1941-49 durch Vermittlung von P. A. Böckstiegel aus dem Nachlass von R. Sterl erworben.

Vgl. Ausstellung Bielefeld 1952, Kat.Nr. 33 (Steinbrucharbeiter an der Elbe).

Kleinformatiges Gemälde aus der Werkgruppe der Steinbruchbilder, welche, anders als zum Beispiel Sterls hessische Landschaften, oftmals horizontlose Ausschnitte vom Menschen geschaffener Räume bilden. Sterl stellt hier die menschlichen Kräfte denen der Natur gegenüber und hüllt jenes Szenarium in ein impressionistisches Spiel aus Farben und Licht, welches sich nuancenreich auf den Materialien und Oberflächen bricht. > Read more

32 x 24 cm, Ra. 50 x 42 cm.