437   Hermann Glöckner "Durchdringung". 1981.

Hermann Glöckner 1889 Cotta/ Dresden – 1987 Berlin (West)

Tempera und Faltung auf Papier. Verso in Grafit mittig signiert "Glöckner", bezeichnet "Faltung", betitelt, datiert, mit Maßangaben versehen sowie technikbezeichnet.

Technikbedingt leicht wellig. Leichte Griffknicke sowie zwei papierimmanente unscheinbare Quetschfalten. Blattecke u.re. mit leichten Knickspuren. Verso am o. Rand mit Ableger in einer schwarzen Farbfläche sowie mit kleinen roten Farbspritzern.

70 x 50 cm.

698   Theodor Rosenhauer, Kapelle des Hl. Rochus in Tavira (Portugal). 1981.

Theodor Rosenhauer 1901 Dresden – 1996 Berlin

Öl auf Leinwand. Signiert "Th. Rosenhauer" u.re. Verso auf der unteren Keilrahmenleiste von fremder Hand in Faserstift ...
ortsbezeichnet und datiert "ROSARIO, TAVIRA, 81" sowie "PORTUGAL 81". In einer profilierten, matt-schwarz gefassten Holzleiste mit goldfarbener Sichtleiste gerahmt.
Nicht im WVZ Werner, das Gemälde wird in den Nachtrag zum WVZ Werner aufgenommen.


Wir danken Frau Dr. Gabriele Werner, Dresden, für freundliche Hinweise. > Mehr lesen

Partiell unscheinbare Abdrücke von Leinwand in den Pastositäten, entstanden wohl kurz nach Abschluss des Malprozesses in die noch frische Farbe. Vereinzelt sehr kleine Malschicht-Fehlstellen im Bereich des Rahmenfalzes, kleiner Kratzer am Rand u.Mi. (jeweils im gerahmten Zustand nicht sichtbar).

58,3 x 78,2 cm, Ra. 76 x 95,7 cm.

068   Werner Haselhuhn "Feldscheune im Gewitter". 1978.

Werner Haselhuhn 1925 Bad Frankenhausen – 2007 Dresden

Öl auf Hartfaser. Signiert "W. Haselhuhn" und datiert u.re. Verso in Faserstift betitelt sowie in Rot nummeriert "200". In profilierter, schwarz gefasster Holzleiste gerahmt.
Nicht im WVZ Frickmann.

Oberfläche leicht angeschmutzt, Falzbereiche mit Farbresten.

69,5 x 90 cm, Ra. 81 x 101 cm.

046   Johannes Beutner "Susanna im Bade". 1947.

Johannes Beutner 1890 Cunnersdorf/Sächs. Schweiz – 1960 Dresden

Öl auf Leinwand. Signiert "Joh. Beutner" und datiert u.re. Verso auf dem Keilrahmen auf einem Papieretikett neueren ...
Datums o.li. in Kugelschreiber bezeichnet, betitelt, bemaßt und technikbezeichnet sowie o.re. in schwarzer Kreide bemaßt.

Anders als viele seiner Dresdener Malerkollegen, widmete sich Johannes Beutner nach 1945 zunächst nicht der Darstellung der in Trümmer liegenden Elbstadt. Doch die Zerstörung der Stadt - Beutner verlor sein Atelier und mit ihm zahlreiche Arbeiten seines bisherigen Schaffens - beeinflusste auch sein Werk maßgeblich. Die Gemälde nach 1945 gewinnen an Ausdruckskraft und Klarheit. Vom Frohsinn geleitet, Frau und Kinder nicht im Krieg verloren zu haben, wird die Farbigkeit seiner Bilder leuchtender und intensiver. Die Aktdarstellungen dieser Jahre bezeichnete Fritz Löffler als "einmalig und beispielhaft" (Vgl. Lademann 2009, S. 35). Der Frauenakt steht hier nicht nur für sich allein, sondern verweist auf das biblische Motiv der "Susanna im Bade" aus dem Buch Daniel. Die zwei Richter, welche Susanna in der biblischen Geschichte auflauern und in Folge bedrängen, stellte Beutner kürzelhaft, fast versteckt im Hintergrund dar, indem er ihre gesichtslosen Köpfe sowie ein Arm über eine hohe Mauer rechts im Bild ragen lässt. Die hier Dargestellte trägt das Antlitz seiner Frau Hilda Beutner, geb. Franke, die ihn viele Jahre lang, seit den 1920er Jahren, als Muse und Modell begleitete.
Die Dargestellte füllt das Bildformat fast gänzlich aus und befindet sich in zentraler Position des Gemäldes. In nach rechts gedrehter Haltung, sitzt die Dargestellte auf einem Tuch und hat ihren erhobenen rechten Arm auf ihrem Kopf abgelegt. Attribute, wie beispielsweise das rote Tuch, gleichsam als Farbakzent fungierend, setzte der Künstler sparsam, zugunsten einer klaren Gesamtkomposition, ein. Die einzelnen Bildelemente sind in ihrer Tonalität farblich fein nuanciert. Die Hell-Dunkelkontraste dominieren das Gemälde nicht, sondern gehen auf die sensibel abgestufte Farbigkeit zurück, aus welcher der Künstler Formen und Körperlichkeit modellierte. Vereinzelt eingesetzte Konturierungen in verschiedenen Brauntönen unterstützen die Gliederung des Bildes und betonen die einzelnen Bildflächen. > Mehr lesen

Geringfügiger Malschicht-Abrieb am unteren Bildrand, o.re. und minimal im Gesicht.

115 x 90,2 cm.

184   Albert Wigand "Obstteller mit Glas". Um 1964.

Albert Wigand 1890 Ziegenhain/Hessen – 1978 Leipzig

Öl auf Malpappe. In Kugelschreiber signiert "Wigand" o.li. im rosafarbenen Feld. Malpappe verso mit ganzflächigem, ...
blauen Anstrich versehen. Im profilierten, grau gefassten Künstlerrahmen mit goldfarbener Abschlusskante.
WVZ Grüß-Wigand Supplement A-1964/5. > Mehr lesen

Malpappe leicht gewölbt, Ecken leicht aufgefasert und mit kleinen Malschicht-Fehlstellen. Weitere geringfügige Fehlstellen und unscheinbare Abdrücke des Rahmenfalzes an den Bildrändern umlaufend. Ein unscheinbarer Kratzer in der obersten Malschicht u.Mi. Bildträger verso kratzspurig und geringfügig fleckig.

24,9 x 34,7 cm, Ra. 29,9 x 38,9 cm.

061   Hermann Glöckner "Vier Profile". Um 1950 -1953.

Hermann Glöckner 1889 Cotta/ Dresden – 1987 Berlin (West)

Öl auf sehr kräftiger, rauer Holztafel, lackiert. Unsigniert. Verso nochmals mit der Darstellung dreier Profile, Öl, ...
lackiert. Mit der originalen Aufhängung des Künstlers am oberen und unteren Bildträgerrand.

Eine schriftliche Authentizitätsbestätigung des Hermann Glöckner Archivs liegt vor.

Wie bei vielen Themen, die Glöckner während seiner künstlerisch äußerst produktiven Jahre bearbeitete, näherte er sich auch dem der "Profile" immer wieder aus verschiedenen Perspektiven. Die ersten Arbeiten dieser zu Lebzeiten des Künstlers in Ausstellungen oft vernachlässigten Werkgruppe entstanden 1937, bis in die 1980er Jahre hielt er an der charakeristischen Erscheinung des Kopfes fest.
In dem vorliegenden Gemälde beschreibt er mit kräftigen Farben und dunklen Konturen mehrfach Umrisse und einzelne Details eines markanten Gesichtszugs - vielleicht sogar seines eigenen - und scheint dabei die Spannweite eines Charakters auszuloten. In Farbauftrag und Ausarbeitung erinnert insbesondere das vorderste Profil an die frühe Arbeit "Kopf und Dächer (Profil vor weißen Häusern)" aus dem Jahr 1935 (WVZ Dittrich G 121) und verdeutlicht einmal mehr die Kontinuität, welche dem über die Jahrzehnte einem stilistischen Wandel unterworfenen Werk im Gesamtschaffen des Künstlers innewohnt. > Mehr lesen

Bildträger leicht konkav verwölbt, verso mit zwei oberflächlichen Trocknungsrissen, bereits vor dem Malprozess vorhanden. Malschicht in den pastosen Bereichen ganz vereinzelt unscheinbar krakeliert, mit kleinen Fehlstellen am Bildrand li. und o.re.

43,8 x 18,6 cm.

063   Hermann Glöckner "Vier vertikale Formen (Schornsteine)". 1971.

Hermann Glöckner 1889 Cotta/ Dresden – 1987 Berlin (West)

Tempera und Faltung auf kräftigem wolkigen Japan. Verso in Grafit signiert "Glöckner", datiert und mit einer Widmung ...
versehen u.li., nochmals ausführlich datiert "30 07 71" u.re.

Vgl. Erpenbeck, John (Hrsg.): Hermann Glöckner. Ein Patriarch der Moderne. Berlin, 1983. Tafel 27 mit Abb.

Zu diesem Motiv entstand 1976 eine farblich variierte Serigrafie, vgl. WVZ Ziller S 12. > Mehr lesen

Leicht knickspurig. Am unteren Blattrand mittig sowie in den Ecken etwas gestaucht. In den Blattecken je ein Reißzwecklöchlein.

61,5 x 44,5 cm.

093   Manfred Kastner (Beerkast), Stadtlandschaft (Hommage à Giorgio de Chirico). 1971.

Manfred Kastner (Beerkast) 1943 Gießhübel/Nordböhmen – 1988 Juliusruh auf Rügen

Öl auf textilem Bildträger. Signiert "Beerkast" und datiert u.re. In einem weißen, profilierten Rahmen.

Bildträger von Künstlerhand auf Spannrahmen klebemontiert, beginnende Klimakante. Malschicht partiell frühschwundrissig und ganz vereinzelt mit kleinsten Fehlstellen. Im Falzbereich re. und li. Fehlstellen. Am Bildrand u. und re. kleine Druckspuren, teils mit minimalem Verlust.

48,2 x 60,5 cm, Ra. 56,5 x 68,5 cm.

136   Theodor Rosenhauer, Stillleben mit Malven in blauweiß gemustertem Krug. Wohl 1970er Jahre.

Theodor Rosenhauer 1901 Dresden – 1996 Berlin

Öl auf Leinwand. Signiert "Th. Rosenhauer" u.re. Bildträger verso weiß grundiert und mit einer Skizze in Kohle. Im ...
originalen Künstlerrahmen.
Das Gemälde wird in den Nachtrag zum WVZ Werner aufgenommen.

Wir danken Frau Dr. Gabriele Werner, Dresden, für freundliche Hinweise.

Provenienz: Dresdner Privatbesitz, Geschenk des Künstlers.

Die Motivwahl in Theodor Rosenhauers Oeuvre umfasst drei klassische Gattungen der Malerei: Bildnisse, Landschaften und Stillleben. Alle scheinen in ihrer Bildaussage miteinander verwandt. Sie strahlen eine warme, würdevolle Ruhe aus. Das mag an der Reduzierung der dargestellten Gegenstände liegen, die oftmals autonom und mit geringer Verbindung nach außen ins Bild gesetzt wurden oder auch am vielmals gelobten Einsatz facettenreicher grauer Valeurs. Rosenhauers Gemälde kommen jedoch in jedem Fall gänzlich ohne Effekthascherei oder komplizierte Kompositionen aus. Ihre offenbar zeitlose Gültigkeit beziehen sie aus klaren Strukturen und dem oftmals zentral komponierten Bildaufbau. Die Hektik des Alltags und die damit häufig verbundene Ignoranz gegenüber kleinen, kostbaren Momenten scheint in ihnen zu verblassen.
Auch das vorliegende Stillleben lädt zum Innehalten ein. Das Werk weist einen dunklen, monochromen Hintergrund mit vergleichsweise flachem Farbauftrag auf, während die zarten Malvenblüten und das Gefäß in lichten und frisch wirkenden Farben plastisch herausmodelliert wurden. Das stille, zurückhaltende Motiv bringt dem Betrachter in seiner Einfachheit die Schönheit der Natur nahe. Rosenhauer, der selbst nie als Hochschullehrer tätig war, wurde für viele Dresdner Künstler zum Vorbild und stillen Lehrmeister. 1986 fand aus Anlass seines 85. Geburtstages eine erste Retrospektive zum Werk Rosenhauers in Berlin statt. Siegfried Klotz äußerte über den Künstler: "Bei Rosenhauer fasziniert mich immer wieder sein Staunen vor der Natur, seine Achtung und neuen Sichten zu scheinbar einfachen Dingen des Alltags. Trotz seines 'schlichten' Bildgegenstands erreicht er einen hohen philosophischen Gehalt seiner Bildaussage. Die Differenziertheit und Sensibilität seiner Farbigkeit sowie der straffe Bildaufbau lassen seine Bilder auf mich expressiv und zugleich still und poetisch, geheimnisvoll wirken, hinter denen sich eine hohe künstlerische Meisterschaft und die Freude am Machen verbergen".
Lit.: Akademie der Künste der DDR (Hrg.): Theodor Rosenhauer. Berlin 1986, S. 38. > Mehr lesen

Bildträger leicht konkav verwölbt. Am Bildrand re. drei kleine, unscheinbare Fehlstellen.

66 x 40 cm, Ra. 86 x 60,5 cm.

132   Theodor Rosenhauer "Stilleben mit Brot und Zinnkrug" / Stillleben mit Tulpen, Narzissen und Tränendem Herz im weißen Krug. Um 1980 / wohl 1970er Jahre.

Theodor Rosenhauer 1901 Dresden – 1996 Berlin

Öl auf Leinwand. Signiert "Th. Rosenhauer" u.re. Verso mit einem Blumenstillleben im weißen Krug, Öl, wohl 1970er ...
Jahre. Verso auf dem Keilrahmen betitelt und nummeriert "109". Im originalen, schwarz gefassten Künstlerrahmen mit silbern abgesetztem Abschluss. Rahmen mit kleiner aufsteigender Hohlkehle, einer einfach getreppten Platte, einem hinterschnittenen Vierkantstab und einer eingefassten Wulst als Abschluss.
WVZ Werner 464, mit abweichenden Maßangaben.

Wir danken Frau Dr. Gabriele Werner, Dresden, für freundliche Hinweise.

"Das sinnlich erregende erklärt sich vor allem daraus, dass die Banalität der dargestellten Gegenstände im Gegensatz steht zu dem kostbaren, tonwertreichen Farbkörper und der würdevoll schlichten Raumordnung." (Zitiert nach: Gabriele Werner: Theodor Rosenhauer in der Gemäldegalerie Neue Meister Dresden. Bestandskatalog und Werkverzeichnis der Gemälde. Dresden, 1997. S. 44.)
In dem für Rosenhauers Schaffen so wichtigen Thema des Stilllebens griff der Künstler, wie so oft, das Motiv des Brotes auf. Gerade in der Spätphase seines Werkes, in den 1980er Jahren, schuf er zahlreiche kleinformatige Brotstillleben.
Das längliche, mehlbestäubte Brot mit mehreren Einkerbungen liegt parallel zum unteren Bildrand ausfüllend in einem hellen Korb. Daneben steht ein zylindrischer Zinnkrug mit c-förmigem Henkel nach rechts. Die hellgraue Tischplatte hebt sich nur leicht vom grauen Hintergrund ab. In zumeist waagerechter Pinsel- und Spachtelführung modellierte der Künstler die pastosen Farbmassen und hält somit die Textur der Gegenstände auf unverkennbare Weise in fein abgestufter Palette fest.
Das auf der Rückseite befindliche verworfene Blumenstillleben zeigt einen frühlingshaften Blumenstrauß in einem weißen Krug mit blauem Muster. Obwohl das Stillleben unvollendet ist und der Betrachter wohl auf erste ausgearbeitete Farbschichten blickt, stehen die hellen, differenziert abgemischten Farben bereits in ausgewogener Beziehung zueinander. Im Zusammenspiel mit der reliefartig gestalteten Oberfläche gelingt es Rosenhauer, die Blumen in einer unmittelbar und lebendig wirkenden Momentaufnahme festzuhalten. > Mehr lesen

Rahmen mit kleinen Bestoßungen, die Fassung vereinzelt übergangen, diese partiell mit Fehlstellen.

40 x 59,8 cm.

145   Ernst Schroeder "Stilleben mit Flundern". 1952-1958.

Ernst Schroeder 1928 Stettin – 1989 Hamburg

Öl auf Pappe. Unsigniert. Verso auf der Abdeckung in rotem Faserstift betitelt und eingekreist nummeriert "101" u.li. ...
Weiterhin in braunem Faserstift bezeichnet " Aus dem Nachlaß von Ernst Schröder. Bestätigt Ruth Rehfeldt". Im originalen Künstlerrahmen.
WVZ Makarinus VG 53.

Ausgestellt in:
Ernst Schroeder. Bilder aus der Sammlung seines Freundes Robert Rehfeldt. Heringsdorf, Kunstpavillon 1987.
Ernst Schroeder. Malerei und Zeichnungen aus den Jahren 1949 bis 1959. Altenburg, Lindenau-Museum, Berlin, Ephraim-Palais, Rostock, Kunsthalle 1990.

Ernst Schroeders fruchtbarste Schaffensperiode umfasst den Zeitraum von 1949-1959. Als er 1959 die DDR verließ und nach Hamburg zog, ließ er sein gesamtes Oeuvre bei seinem Freund, dem Maler Robert Rehfeldt, zurück und beendete sein künstlerisches Werk.
Es scheint fast so, als hätte Schroeder in dieser Schaffensdekade alles Erlebte und Gefühlte in einer Art Essenz konzentriert festgehalten. Menschen fanden als Motiv selten Eingang in seine Malerei. Vielmehr schuf er zurückhaltende Landschaften, gut komponierte Hafenansichten und bis ins Detail sorgsamst arrangierte Stillleben. Seine Bilder wirken nahezu naiv. Ihre melancholische Stimmung und Reduziertheit intensivieren den Eindruck auf den Betrachter, sie rufen Rührung hervor. Die fein komponierte Welt von Schroeders Stillleben, bestehend aus Alltagsgegenständen wie Kannen, Schüsseln oder Lampen, kombiniert mit Muscheln, Fischen oder Früchten, lässt die Suche nach einer höheren Ordnung, einer allgemeingültigen Struktur erkennen.
Schroeder setzte sich intensiv mit der Gestaltung und Umsetzung von Form und Farbe auseinander. Er lotete die Verhältnisse zwischen Flächigkeit und Raum, Materialität und Leere, Hell und Dunkel immer wieder aus. Seinen Arbeiten ist die Freude an diesem Experimentieren, dieser Suche nach den Grenzen der scheinbaren Gegensätze anzumerken. Zeichnung und Kontur dienten ihm als Grundgerüst. Auch im vorliegenden Gemälde zeigt sich seine sichere Linienführung und klare Komposition. Die Reduktion der Farbigkeit auf eine Vielzahl von Grauabstufungen und der immer glatter werdende, auf pastose Strukturen verzichtende Farbauftrag unterstützten seine künstlerische Intention. Deutlich spürt man auch den Einfluss des künstlerischen Vorbildes Giorgio Morandi und die Verehrung der pittura metafisica. Einfach, sparsam und formbetont ergeben die dargestellten Gegenstände selbst die Bildordnung.
Matthias Flügge schreibt über Schroeders Werke "Dieser Künstler hat nach einer Zeit der Barbarei und der Vernichtungskriege anhand klarer und einfacher Motive die Kostbarkeit des Lebens gezeigt und nicht ohne zweifelnde Melancholie gefeiert". Ganz sicher hatte Schroeders Parisreise 1956, das Kennenlernen des Existenzialismus, Einfluss auf die künstlerische Gestaltung. Sein Kontakt zu Künstlern wie Manfred Böttcher, Harald Metzkes und Werner Stötzer führten zu einer Entwicklung der Malerei, die heute unter der Bezeichnung "Schwarze Berliner Periode" zusammengefasst wird. Wenn auch von der offiziellen Kunstkritik seiner Zeit abgelehnt, ist Ernst Schroeders Einfluss auf die Berliner Malschule unumstritten und bis heute bedeutsam. > Mehr lesen

Malschicht angeschmutzt, partiell mit beginnendem Krakelee. Vereinzelte Laufspuren von Bindemittel unter der Malschicht, die zu Glanzbildung und Krakeluren führten. Bildträger etwas konvex gewölbt. Reißzwecklöchlein in den Ecken und am u. Rand. Verso atelierspurig und durch Bindemittel gegilbt.

48 x 68 cm, Ra. 51,8 x 72 cm.

088   Wolfgang Peuker "Drei Lebensalter mit Engel". 1990/1991.

Wolfgang Peuker 1945 Aussig – 2001 Groß-Glienicke

Öl auf Hartfaser. Monogrammiert "P." und datiert u.Mi. Verso mit einem Klebeetikett versehen. Darauf in braunem Faserstift betitelt, datiert und signiert "W. Peuker" o.li. In schwarzer, profilierter Holzleiste gerahmt.

Malschicht mit leichtem Farbabrieb und Druckstellen im Falzbereich. Ein Kratzer am Gesäß der Figur li. und re. des Unterschenkels der Figur re. Pentimenti erkennbar, im Hintergrund unscheinbare Laufspuren.

71,5 x 52 cm, Ra. 82,5 x 62,5 cm.

047   Hermann Glöckner "Dächer am Abend". 1949.

Hermann Glöckner 1889 Cotta/ Dresden – 1987 Berlin (West)

Tempera auf vom Künstler verso mehrfach hinterlegtem und gestrichenem Zeitungspapier. In Blei u.li. ausführlich ...
datiert "49 01 01 / 1". Verso in Blei u.re. monogrammiert "G." sowie u.li. nochmals ausführlich datiert "49 01 01 / I". Von fremder Hand u.li. in Blei mit der Nachlaßnr. "2605" versehen, am unteren Blattrand Mi. mit Annotationen.

Ausgestellt in Dresden, Halle, Leipzig, Frankfut am Main und Neustrelitz.
Glöckner. Hermann Glöckner zum 100. Geburtstag. Gemälde, Zeichnungen, Tafeln, Collagen, Abdrucke, Faltungen und Plastische Arbeiten. Dresden, 1989, S. 86, Nr. 157.
Hermann Glöckner, Maßstab Landschaft [Galerie am Sachsenplatz vom 6. bis 27. März 1993; Art Frankfurt vom 24. bis 28. April 1993; Galerie Refugium vom 11. Juni bis 14. August 1993]. Leipzig 1993, Nr. 61 mit Abb. > Mehr lesen

Ränder unregelmäßig geschnitten. Fehlstelle u.Mi., mehrere unscheinbare Einrisse, ein größerer am Bildrand o. (3 cm). Winziges Reißzweckenlöchlein o.re. Zwei Papierergänzungen durch Künstlerhand, wohl während des Werkprozesses, am zweiten Giebel von re. sowie am Bildrand o.re. Verso wohl von Künstlerhand fünf weiß überstrichene Papierhinterlegungen über kleinen Fehlstellen.

27,5 x 44,5 cm.

057   Hans Jüchser "Frau im Balkonzimmer". 1959.

Hans Jüchser 1894 Chemnitz – 1977 Dresden

Öl auf Leinwand. Signiert "Jüchser." und datiert u.li. Verso mit einer übermalten Arbeit, darauf betitelt sowie ...
nochmals datiert und signiert. Auf dem Keilrahmen o.Mi. mit einem Papieretikett versehen, darauf in Schreibmaschine bezeichnet. In der originalen Künstlerrahmung.

Das Gemälde wurde 1960 anläßlich des 65. Geburtstages des Künstlers im Vorjahr in der Städtischen Kunstsammlung Karl-Marx-Stadt (Chemnitz) ausgestellt.
Vgl.: Hans Jüchser. Dresden – Gemälde – Aquarelle – Zeichnungen – Graphik. Ausstellungs-Katalog Städtische Kunstsammlung Karl-Marx-Stadt. Karl-Marx-Stadt, 1960. Kat.Nr. 65 (mit Abb), dort betitelt "Balkonzimmer".

Das Gemälde von musealer Qualität zeigt Helga, die Muse des Künstlers. Hans Jüchser heiratete sie im Entstehungsjahr des vorliegenden Werkes und setzte ihr 1963 und 1964 mit mehreren Bildnissen, die sie mit einem schwarzen Tuch zeigen, Denkmäler seiner Verehrung. Bereits 1956 schuf er ihr Bildnis und ein Jahr später das Portrait mit chinesischem Fächer und chinesischem Brokatkleid.

Das weit geöffnete, französische Fenster, an welchem Helga sich hingebungsvoll einer Handarbeit widmet, gibt den Blick auf den Bodden von Ückeritz frei, in der Ferne genießt eine Familie den Sommertag. Der Künstler verbrachte seit den 1930er Jahren seinen Urlaub auf Usedom, wo er Malerfreunde wie Otto Manigk und Otto Niemeyer-Holstein traf. Oft wohnte Jüchser bei Niemeyer-Holstein, der in Lüttenort, an der schmalsten Stelle der Insel sein Atelier mit einem bezaubernden Garten hatte.

Die aus vielen Farbflecken zusammengesetzte beinahe impressionistische Darstellung zeugt von der Leichtigkeit des empfundenen Moments und transportiert die Wärme der Luft und die Zärtlichkeit, mit der der Maler sein Modell ins Bild setzte. Die Komposition ist bei größter Asymmetrie von beeindruckender Ausgewogenheit, die Gegensätze von Innen und Außen, von durch Malerei dargestelltem Handwerk, von Ornament und Natur sind vereint im Zusammenklang von Licht und Farbe.

Vgl. Gisbert Porstmann und Linda Karohl (Hgg.), Hans Jüchser, Farbe als absolute Kraft (Kat. Ausst. Dresden 2010), Altenburg 2010. > Mehr lesen

122 x 93 cm, Ra. 130 x 99,5 cm.

125   Walter Womacka, Fischkutter am Strand von Loddin (Usedom). 1965.

Walter Womacka 1925 Obergeorgenthal (Tschechoslowakei) – 2010 Berlin

Öl auf Leinwand. U.re. monogrammiert "Wo." und datiert. Im profilierten, weißen Rahmen mit bräunlicher Sichtleiste.

Minimal angeschmutzt.

70 x 91 cm, Ra. 81 x 102 cm.

064   Hans Jüchser "Heimkehr des verlorenen Sohnes". 1966.

Hans Jüchser 1894 Chemnitz – 1977 Dresden

Öl auf beidseitig kaschierter Malpappe. Signiert "Jüchser" und datiert u.li. Verso von Künstlerhand betitelt, ...
nochmals datiert und signiert sowie bezeichnet "Dresden 8054". Im originalen, vom Künstler nachträglich sparsam gefaßten Jugendstil-Stuckrahmen.
Nicht im WVZ Schmidt.

Zum Bildmotiv vgl. Porstmann, Gisbert; Karohl, Linda: Hans Jüchser. Farbe als absolute Kraft. Dresden, 2010. KatNr. 26, Abb. S. 56.

Hans Jüchser reiht sich mit der Bearbeitung dieser Bildthematik in eine lange Darstellungstradition ein. Schon frühmittelalterliche Thympanareliefs an Westportalen von Kirchen zeigen das Gleichnis des wiederkehrenden „verlorenen Sohnes“ (Lk 15,11-32). Weiterhin thematisierten zahlreiche Gemälde und Druckgraphiken von der frühen Neuzeit bis in den Barock die Rückkehr des Verlorengeglaubten.
In der Bibelauslegung wird das Gleichnis des verlorenen Sohnes als Versinnbildlichung der Liebe Gottes für alle Menschen bewertet. Nach dieser Auslegung nehme Gott jeden wieder in seine Gemeinschaft auf, der zu ihm zurückkehrt, unabhängig davon, ob er sich zuvor von dieser Glaubensgruppe abwandte oder als unrein galt.
In der Geschichte der Kunst setzten sich Künstler auf vielfältige Weise mit dem Gleichnis des verlorenen Sohnes auseinander. Zu den Bekanntesten gehört sicherlich Rembrandt Hamensz. van Rijns Selbstportrait als verlorener Sohn in der Gemäldegalerie Alte Meister in Dresden. Während die meisten künstlerischen Zeugnisse jedoch die Wiederkehr des Verlorenen und die liebevolle Aufnahme durch den Vater thematisierten, inszenierte Rembrandt den verlorenen Sohn als Lebemann und Genussmensch.
Hans Jüchser wählte hingegen die eher traditionelle Darstellungsform des Verlorenen. In der halbfigürlichen Komposition nimmt der Vater den verlorenen geglaubten jüngeren Sohn freudig in die Arme, während der Ältere sich im Hintergrund hinter der Figur des Vaters hält. Die Verschattung des Hauseinganges sowie das stoisch wirkende Gesicht des älteren Sohnes implizieren seinen Unmut über die Rückkehr des Bruders sowie dessen Wiederaufnahme auf dem väterlichen Gut ungeachtet seiner Verschwendungssucht und vormaligen Untreue.
Durch die Reduktion der Bildfiguren auf die wesentlichen Leitlinien, die dezente Andeutung des Hintergrundes und die Verwendung von teils reinbunten Primärfarben steigerte Jüchser die Konzentration auf den freudigen und unerwarteten Moment der Rückkehr des Sohnes. Durch die großflächigen und angeschnittenen Figuren entsteht zudem der Eindruck, der Betrachter würde in das Bild integriert und könne an dem Geschehen sowie an der Aussage des Gleichnisses unmittelbar teilhaben.
Das Bildwerk gehört in die Werkgruppe der biblischen und sakralen Themen, mit denen sich Jüchser zwischen 1950 und 1977 auch im Auftrag von Kirchen und Gemeinden befasste. > Mehr lesen

Die Kaschierung v.a. im linken und unteren Bildbereich recto und verso durch Feuchteeinwirkung wellig und partiell gelöst. Der Malträger insgesamt etwas wellig. Verso atelierspurig.

48,8 x 35,2 cm, Ra. 64,5 x 51,5 cm.

080   Carl Marx "Der alternde Odysseus nimmt Abschied von Kalypso". 1975/ 1977.

Carl Marx 1911 Göttnitz – 1991 Dessau

Mischtechnik auf Hartfaser. Monogrammiert "C.M." und datiert "75" o.li. Verso mit einem Papieretikett des Carl Marx ...
Nachlasses, mit dem Nachlaßvermerk sowie der Nachlaßnummer "751" versehen sowie von fremder Hand in Kugelschreiber betitelt und bezeichnet, u.a.
"überarbeitet 1977". In einer einfachen Holzleiste gerahmt. > Mehr lesen

Malträger montiert, die Fugen des Malträgers mit leichtem Versatz.

102 x 143 cm, Ra. 105,5 x 147 cm.

086   Theodor Rosenhauer, Radebeul - Blick auf die winterliche Lößnitz von der Jägermühle aus (Diptychon). 2.H. 1950er Jahre.

Theodor Rosenhauer 1901 Dresden – 1996 Berlin

Öl auf Rupfen. Beide Arbeiten u.re. signiert "Th. Rosenhauer".
Jeweils in Schattenfugenleisten gerahmt. ...

Nicht im WVZ Werner, vgl. jedoch motivisch WVZ Werner 224.

"Die winterliche Jahreszeit ist Rosenhauers hohe Zeit zum Malen, die Zeit des Jahres, da sich das Grün verdunkelt, Grau und Schwarz und Blau zusammensetzt. Ähnlich dem Schatten ist Schnee ein Phänomen intensiver Farbigkeit. Voller Bewunderung sah Rosenhauer dabei auf die braunen Schneeschatten von Pieter Bruegel und die blauen Farbmischungen der Expressionisten. Dem Vorbild Bruegel d.Ä. folgend, liegt die Ausdrucksstärke der Schneelandschaften Theodor Rosenhauers in der Wahrhaftigkeit des Atmosphärischen, in der besonderen Stimmung eines frostklaren Tages, der die Anwesenheit der Menschen bedeutungslos erscheinen läßt".
Zitiert nach: Gabriele Werner: Theodor Rosenhauer in der Gemäldegalerie Neue Meister Dresden. Bestandskatalog und Werkverzeichnis der Gemälde. Dresden, 1997. S. 38.

Wir danken Frau Dr. Gabriele Werner, Dresden, für freundliche Hinweise. > Mehr lesen

Die Leinwand wurde im Werkprozeß vom Künstler geteilt, der linke Teil am linken Bildrand angerändert und die Schnittkante retuschiert. Die pastose Malschicht zum Teil krakeliert, im rechten Gemälde am Bildrand li. teilweise aufstehend.

Je 80 x 51 cm, Ra. 85,5 x 56 cm.

118   Heinz Plank "Lebensphasen" 1989.

Heinz Plank 1945 Bad Elster – lebt in Niederlichtenau

Öl auf Hartfaser. Signiert u.Mi. "Plank" und datiert. Verso mit Klebeetikett, darauf typographisch und in ...
Kugelschreiber bezeichnet. Auf der Hartfaserplatte von fremder Hand bezeichnet. In schlichter, schwarzer Holzleiste gerahmt. Auf den Rahmen aufgesetzt, fest montiert. > Mehr lesen

19,7 x 19,7 cm, Ra. 25,5 x 25,5 cm.

116   Albert Wigand, Sedanfassade. Um 1966.

Albert Wigand 1890 Ziegenhain/Hessen – 1978 Leipzig

Öl auf Hartfaser über schwarzem, roten und blauen Farbstift. Verso in Kugelschreiber signiert "Wigand" o.re. ...
Malträger am oberen und unteren Rand auf einem Untersatzkarton klebemontiert und freigestellt in einer profilierten Leiste gerahmt.
WVZ Grüß-Wigand A-1966/17, mit leicht abweichenden Maßangaben sowie abweichender Angabe zum Malträger, die aktualisierten Daten werden in den Nachtrag zum WVZ Grüß-Wigand aufgenommen.

Wir danken Frau Dr. Ursula Grüß-Wigand und Frau Gylfe Matt, Berlin, für freundliche Hinweise.

Das Zergliedern von Häuserfronten in farblich fein nuancierte, subtile Flächen beschäftige Albert Wigand erstmals 1916, intensiv jedoch seit den frühen 1950er Jahren. Um 1966 entstand die in dieser Auktion angebotene "Sedanfassade", welche motivisch auf das Stadterlebnis Wigands im französischen Sedan während des Ersten Weltkrieg zurückzuführen ist. Diese Fassaden sind auch Erinnerungsstücke, in welchen sich der Künstler insbesondere durch das Fehlen von Figuren allein auf die rhythmisch-statische Wiedergabe der architektonischen Form konzentrierte.

"Für Albert Wigand ist die Paarung von Stärke und Ursprünglichkeit mit Sensibilität und einer hohen Farbkultur charakteristisch. Er malt meist kleinformatige [...] Straßenbilder. Die fein abgestimmte Farbe zeigt die Schönheit [...] verwaschener, zerlebter Vor- und Kleinstadthäuser. Des Malers Straßen und Hausfassaden zeichnen sich durch unauffällige Schlichtheit aus. Gern wird Schrift, wie sie an alten Häusern zu finden ist, ins Bild integriert: Schrift als Bildbau-Element und als Zeichen menschlichen Lebens. In der Dresdener Kunst ist Wigands Arbeit -neben der von Glöckner- die "reinste" Malerei, weil ihm Farbe und Farbordnung wichtiger sind als linear oder plastisch bestimmte Form - und Erzählung im Bilde kommt nirgendwo vor. [...]". Zitiert nach Lothar Lang "Malerei und Graphik in der DDR". Leipzig, 1978. S. 193f. > Mehr lesen

Bildträger vom Künstler zweitverwendet, vorherige Komposition überstrichen. Malschicht leicht angeschmutzt sowie partiell etwas gegilbt. Am oberen Rand mit kleinem, segmentkreisförmigen Farbverlust. Die obere linke sowie untere linke Ecke unscheinbar bestoßen und mit ebenso unscheinbarem Farbverlust. Rahmen bestoßen und mit Fehlstellen.

46,5 x 24,7 cm, Ra. 53,5 x 32 cm.

039   Johannes Beutner, Elbe bei Dresden - Wachwitz. 1946.

Johannes Beutner 1890 Cunnersdorf/Sächs. Schweiz – 1960 Dresden

Öl auf Leinwand. Signiert "Joh. Beutner" und datiert u.li.

Provenienz: Ostdeutscher Privatbesitz.
...

Wir danken Frau Brigitte Beutner, Dresden, für freundliche Hinweise.

Die Sehnsucht nach dem Süden, nach dem vielbesungenen Italien, und die Lust der ansässigen Künstler, vielleicht gar der Einwohner Dresdens in grosso modo, eine gewisse „Italianità“, ein italienisches Lebensgefühl, an die Elbe zu übertragen, hat eine fast dreihundertjährige Historie. Unter August dem Starken lebten zahlreiche italienische Gastarbeiter im sogenannten „Italienischen Dörfchen“ und brachten durch den Bau an der katholischen Hofkirche mediterranes Leben in den Norden. Der Venezianer Bellotto, gen. Canaletto, hat der Stadt an der Elbe zur selben Zeit die berühmteste Vedute geschenkt und über Casanovas Bruder, der an der Kunstakademie lehrte, hat es auch den berühmten Literaten und Verführer samt der ihn umgebenden Mythen nach Dresden verschlagen. Im 19. Jahrhundert orientierte sich die Dresdner Baukunst verstärkt an italienischen Vorbildern und die den Elbhang säumenden toskanischen Villen prägten nachhaltig das Erscheinungsbild der Stadt außerhalb des historischen Zentrums, so daß der nunmehr sprichwörtliche Beiname „Elbflorenz“ noch heute im alltäglichen Sprachgebrauch Verwendung findet.
Die Leidenschaft, die den Maler Johannes Beutner mit Italien verband, sollte lebenslang andauern. Seit einer intensiven Reise in den Süden in den Jahren 1930/31 ließ ihn die Sehnsucht nach dem Land, „wo die Zitronen blüh’n“ nicht mehr los. So nimmt es nicht wunder, daß sich Beutner ein Jahr nach Kriegsende und der Zerstörung Dresdens seine Heimat in südlichem Licht und Farbenspiel ersehnte. Beutner läßt den vom Bombenhagel verschonten Wachwitzer Elbhang als toskanisches Bergdorf erstrahlen, die Pappeln in den Gärten und Parks der Villen werden zu Zypressen, die Kuben der Häuser wandeln sich in hochgestreckte italienische Bauten mit deutlich flacheren Dächern. Über allem thront die prächtige Villa Wollner, die Beutner überlängt festungsgleich abbildet und die das umtriebige Menschengewimmel am Flußufer wohlwollend zu überwachen scheint. So wird in ihrer Überformung eine vertraute Szene zur Metapher der Sehnsucht vieler vergangener Generationen und in der unmittelbaren Nachkriegszeit gleichsam zum Ausdruck einer großen Hoffnung der Lebenden. > Mehr lesen

Malschicht mit beginnendem Alterskrakelee. Bildträger am Bildrand re. und im Bereich des Himmels re. mit je einer sehr unscheinbaren Druckspur.

91 x 115,5 cm.

074   Hans Jüchser "2 Akte in den Dünen mit weißer Wolke". 1967.

Hans Jüchser 1894 Chemnitz – 1977 Dresden

Öl auf Hartfaser über einer verworfenen Komposition. Signiert "Jüchser" und datiert u.re. Verso betitelt, ...
ausführlich datiert und mit Größenangabe versehen; ebenfalls mit einer verworfenen, weiß überstrichenen Komposition. Im originalen Künstlerrahmen. Dieser verso signiert "Jüchser" und ortsbezeichnet "Dresden" li.o. Am Rahmen o.Mi. ein Klebeetikett der Kunstausstellung Kühl, Dresden.

Abb. Ausstellungskatalog der Städtischen Galerie Dresden 2010, Nr. 59, Abb. S. 91.

Die beiden Frauen, von denen sich eine vom Betrachter abwendet, die andere ihn stehend anblickt, befinden sich auf einer Anhöhe, vor welcher sich das Meer öffnet. Es handelt sich bei den Dargestellten um Paula Jüchser und ihre engste Freundin Elisabeth Ahnert. Wie um sich der beiden zu erinnern, schuf der Maler ein Doppelportrait der Freundinnen. Jüchsers erste Frau Paula starb bereits 1955 und erst ein Jahr vor der Entstehungszeit des vorliegenden Gemäldes war Ahnert über 80jährig verstorben, was den Künstler veranlaßt haben mag, in seinen Skizzenbüchern und Vorkriegsarbeiten nach gemeinsam Erlebtem zu forschen. So liegt dem Gemälde eine Zeichnung aus den 1930er Jahren zugrunde, einer Zeit, in der sie häufig zusammen Urlaube an der Ostseeküste verbrachten.
Neben diesen privaten Bezügen, spannt sich um das Werk ein Netz aus kunsthistorischen Referenzpunkten - von Caspar David Friedrich bis zu den Brücke-Malern. Diese hatten nicht nur dem Bildthema des Aktes in einer Landschaft zu besonderer Geltung verholfen, auch an die kraftvolle Farbigkeit ihrer Gemälde fühlt man sich bei der Betrachtung der zwei Akte erinnert. Jüchser lotete das Farbspektrum aus, ohne aufdringlich bunt zu sein. Die seit Friedrich bedeutungsvoll aufgeladenen Kreidefelsen unterlegen die Arbeit mit einem melancholischen Klang.
Jüchser sah die Frauen im Tode vereint, nach vorn und gleichzeitig zurückblickend und setzte ihrer Freundschaft so ein intimes Denkmal.

Wir danken Frau Helga Jüchser, Dresden, für freundliche Hinweise. > Mehr lesen

Bildformat an der li. Seite vom Künstler mit einem Stück Hartfaserplatte erweitert. Diese verso mit einem Hartfaserstreifen hinterlegt. Recto am Bildrand li. dadurch ein unscheinbarer durchgehender horizontaler Bruch in der Malschicht und eine minimale konvexe Verwölbung des Bildträgergefüges.

65 x 55,7 cm, Ra. 77,5 x 67 cm.

071   Joachim Heuer, Sitzende Figur im Raum. Späte 1950er/ frühe 1960er Jahre.

Joachim Heuer 1900 Dresden – 1994 ebenda

Öl auf Hartfaser. U.li. monogrammiert "h". In schwarzer Schattenfugenleiste gerahmt.
Das Gemälde wird in das in ...
Vorbereitung befindliche WVZ von Dr. Karin Müller-Kelwing, Dresden, aufgenommen.

Provenienz: Dresdner Privatbesitz.

Wir danken Frau Dr. Karin Müller-Kelwing, Dresden, für freundliche Hinweise.

Heuer wollte mit seiner Malerei keine Wiedergabe der Realität schaffen. Gleichzeitig lehnte er die abstrakte Malerei ab. Im Spannungsfeld dieses scheinbaren Gegensatzes versuchte er, die ihn umgebende, geheimnisvolle Wirklichkeit abzubilden und gleichzeitig deren tieferen Sinn zu ergründen. Bildaufbau und Bildarchitektur wurden ihm grundlegende Parameter. Bereits früh entwickelte er seinen subtilen Kolorismus, der sich auch im vorliegenden Gemälde zeigt. Selten sind ungebrochene Farben zu sehen. Blau- und Grauwerte sowie erdige Töne dominieren. Vielleicht war dies Heuers Rot-Grün- Blindheit geschuldet, vielleicht aber auch dem Einfluss Albert Wigands. Beide Künstler verband eine enge Freundschaft, zudem war und ist Wigand für seine delikate Farbigkeit bekannt. In den 1950er Jahren begann Heuer seine künstlerischen Formen weiter zu entwickeln. Weniger die kubistische Analyse, weniger die Linie interessierte ihn. Seine Arbeiten zeigen mehr und mehr die Beschäftigung mit Flächen, die nicht mehr nur konturiert sind, sondern sich aufgrund ihrer Farbigkeit und Form gegeneinander absetzen, sich gegenseitig halten und optische Spannung erzeugen. Gleichzeitig gelang es dem Künstler so, sein Motiv aus der gegenständlichen Umgebung heraus zu lösen und ihm eine neue Bedeutung zu verleihen. > Mehr lesen

Malschicht minimal angeschmutzt und stellenweise mit Alterskrakelee. Vereinzelt Runzelbildung. Ecken des Malträgers unscheinbar bestoßen. Am Bildrand u. einzelne kleine Fehlstellen.

80 x 60,3 cm, Ra. 82,4 x 62,6 cm.

045   Johannes Beutner, Liegender weiblicher Rückenakt (Hilde). 1947.

Johannes Beutner 1890 Cunnersdorf/Sächs. Schweiz – 1960 Dresden

Öl auf Hartfaser. U.li. signiert "Joh. Beutner" und datiert. Im profilierten, goldfarbenen Rahmen.
...

Die Kunst und die Landschaft, das Licht und die Luft Italiens waren seit seiner großen Reise in das südliche Land im Jahr 1931 absolut prägend für das malerische Werk Johannes Beutners. Dies zeigt sich nicht nur in der vielfach decouvrierten Annäherung an die Farbig- und Tonigkeit der Valori Plastici-Maler oder in der an Tizian, Tintoretto und Correggio erinnernden Komposition der Figuren im Raum, sondern auch in der auf die Leinwand gebannten sinnlichen Leidenschaft für eine schöne Frau. Erinnert die leicht aufgestützte, sich erhebende wohlgeformte Figur des weiblichen Rückenaktes nicht an die italienischen Venusdarstellungen? Oder an eine von Jupiters Geliebten, die sich vom Lager erhebt? Oder blickt man in der Abgewandtheit der Figur doch auf Diana, der keuschen Göttin der Jagd, die sich zudringlichen Blicken zu entziehen sucht? Die Vielfalt der Eindrücke und Seherfahrungen in Andeutungen nutzend, offenbahrt sich die eigentliche Absicht des Malers: die Präsentation unkritischer und zeitloser Schönheit. > Mehr lesen

Malschicht mit kleinen oberflächlichen Kratzern, vereinzelt leicht angeschmutzt. Im Bereich des linken Oberschenkels des liegenden Aktes eine rötliche Farbspur, vertikaler Farbverlust im Bereich der linken Wade. Am Bildrand o. li. Krakelee durch punktuelle Druckeinwirkung.

100 x 120 cm, Ra. 119 x 139 cm.

068   Siegfried Klotz "Dresden mahnt". 1989.

Siegfried Klotz 1939 Oberschlema – 2004 Dresden

Öl auf Sperrholz. U.re. signiert "Klotz" und datiert. In schwarzer Leiste mit goldfarbener Sichtleiste gerahmt. ...

WVZ Weber 169, mit abweichender Datierung und Signaturangabe.

Provenienz: ehemals Sammlung Schmidt Bank, vormals Weberbank, Berlin.

Zwischen 1985 und 1996 wählte Siegfried Klotz mehrfach die Ruine der Frauenkirche als Motiv für seine Gemälde. Einerseits dokumentierte er die Ruine als Mahnmal, gleichzeitig fühlte er dem stark verletzten Baukörper in seinen Formen mit Farben nach und verfolgte durch mehrfache Wiederholung dessen Entwicklung bis zum Beginn des Wiederaufbaus. Gleichsam gelang es ihm so, den negativen Vorzeichen des Motivs einen hoffnungsvollen Blick in die Zukunft bildnerisch entgegen zu setzen. > Mehr lesen

Malschicht partiell frühschwundrissig und angeschmutzt. Im Bereich des Himmels teilweise Austritt von Malmittel.

144 x 122 cm, Ra. 156 x 134 cm.

069   Siegfried Klotz "Weiblicher Akt mit Silberfuchs". 1998.

Siegfried Klotz 1939 Oberschlema – 2004 Dresden

Öl auf Leinwand. Signiert "S. Klotz" und datiert u.re. Im profilierten, schwarzen Rahmen mit goldfarbener ...
Sichtleiste.
WVZ Weber 252.

Neben den farb- und duktusstarken und doch im Grundklang subtilen Stadtlandschaften wird das Werk des 2004 verstorbenen Dresdner Künstlers Siegfried Klotz vom Genre des Portraits und des Aktes bestimmt. Hier zeigt sich der Maler mehr als Suchender denn als Sehender, spürt dem Wesen des Portraitierten nach, versucht, das eigene Er- und Empfinden des Gegenübers auf die Leinwand zu bannen. Ein Akt ist ihm mehr, als eine abzubildende Körperlichkeit. Durch die Inszenierung des weiblichen Körpers mit einem Accessoire wie dem Silberfuchs oder einer Puppe bringt Klotz ein dialogisches Element in das Szenario, welches entscheidend auf das Modell und damit auf den Tenor des Gemäldes einwirkt. Das "Menschliche" zeigt sich in den Portraits und Aktdarstellungen von Siegfried Klotz nicht in den Schwächen und Fehlern der Dargestellten, sondern vielmehr in der persönlichen Erfahrung des Vis-à-vis durch den Künstler: "Auch hier Suchen und Finden, selten nur Tangieren, oft kosend, manchmal distanzierend, in einzelnen Fällen liebend." (Günther, Rolf: Der Maler Klotz. In: Siegfried Klotz. Malerei. Ausstellungskatalog der Städtischen Sammlungen Freital, Freital 2003, S. 7). > Mehr lesen

Malschicht stellenweise mit Farbrunzeln.

70 x 100 cm, Ra. 85 x 114,5 cm.

059   Siegfried Klotz "Dresden (vom Ständehaus elbabwärts gesehen)". 1997.

Siegfried Klotz 1939 Oberschlema – 2004 Dresden

Öl auf Leinwand. In Rot signiert u.re. "S. Klotz" und datiert. In originaler (?) Künstler-Schattenfugenleiste ...
gerahmt.
WVZ Weber 218, mit abweichender Datierung 1996.

Den Gemälden des 2004 verstorbenen Dresdner Künstlers Siegfried Klotz haftet etwas Skulpturales an. Die pastose, aus mehreren Schichten bestehende Malschicht bildet auf der Leinwand eine unvergleichliche Erlebnislandschaft aus Farben und dynamischem Pinselschwung. Nahezu einem Bildhauer gleich formt Klotz mit Pinselstiel und Spachtel die einzelnen Bildelemente, läßt die Paradebauten des Dresdner Schloßplatzes fühlbar aus der Flächigkeit des Malgrunds heraustreten. Die prominent in Szene gesetzte katholische Hofkirche modelliert er plastisch in hellen und goldähnlichen Tönen, den Farben des innen herrschenden Barocks, im Gegensatz zur vor Ort sichtbaren Erscheinung des gedunkelten Sandsteinbaus. Auch die feiner gegliederte Fassade des angrenzenden Schloßbaus mit dem Georgentor wird in bestimmten, dichten und farbreichen Pinselbewegungen herausgearbeitet und bildet so im Zusammenklang mit dem Kathedralgebäude ein opulentes Gegengewicht zu der sich in der rechten Bildhälfte öffnenden Flußlandschaft. Hier fließt alles in breiten Spachtelzügen - Straße und Gewässer scheinen sich zu einem hellblauen Meer zu vereinen und die Gebäude des heutigen "Italienischen Dörfchens" auf eine Insel zu verbannen. In der Ferne erahnt man die Bögen der Marienbrücke, die in der Tiefe der Farbschicht zu versinken scheinen. Den Dresdenansichten von Siegfried Klotz ist etwas Poetisches eingegeben, das durch die Dynamik und Lebendigkeit der pinselführenden Hand des Künstlers lebt und beeindruckend von dessen Verbundenheit zur Stadt an der Elbe spricht. > Mehr lesen

Malschicht mit feinen, großgliedrigen Frühschwundrissen, partiell beginnende Schollenbildung. Unscheinbare Farbablösung o.re.

60 x 89,5 cm, Ra. 67 x 97,5 cm.

063   Hans Körnig, Flora. 1953.

Hans Körnig 1905 Flöha – 1989 Niederwinkling

Öl auf Leinwand. Signiert "Körnig" und datiert o.li. Im weiß gefaßten Künstlerrahmen.

Vergleichbares Motiv ...
in: Hans Körnig. Malerei. Graphik. Ausstellungskatalog des Stadtmuseums Dresden, 1992, S. 27 mit Abb.

Betrachtet man Körnigs Gesamtwerk, so tritt das malerische scheinbar hinter seinem umfangreichen druckgrafischen Oeuvre zurück. Doch gerade für die Gemälde setzte sich der Künstler über Jahre hinweg intensiv ein. Während der 1930er und 1940er Jahre durften seine Arbeiten nicht gezeigt werden. In den 1950er Jahren kämpfte er für seine Werke, indem er die offiziell refüsierten Arbeiten auf seinem Dachboden ausstellte. Ab 1961, nach dem Verlassen der DDR, wurde sein malerisches Oeuvre weiterhin der Öffentlichkeit vorenthalten und blieb daher bis zur Wende weitgehend unbekannt.
Nachdem er sich in beengten und finanziell begrenzten Verhältnissen in Bayern niedergelassen hatte, entfernte er sich immer weiter von der Malerei, stellte sie schließlich gänzlich ein und wandte sich der Aquatinta zu, die er zu einem neuen Höhepunkt führte und die seinen Ruf als meisterhafter Grafiker bestärkte.
In Körnigs Malerei nahmen die Themen Familie, Portrait und menschlicher Körper einen zentralen Platz ein. Die häusliche Umgebung und die Nähe zu seiner Familie steigerten seine Produktivität. Immer wieder saß ihm seine Familie Modell. Gern stellte er dabei auch allegorische Bezüge her - so stellt Körnig seine Frau Lisbeth in vorliegendem Bild als Flora dar. > Mehr lesen

Bildträger in den Ecken o.li. und o.re. minimal verzogen. Malschicht mit einer Fehlstelle in der Ecke o.li. Am li. Bildrand mehrere dachförmig aufstehende Malschichtschollen. Vereinzelt krakeliert, Pentimenti erkennbar.

108,5 x 75 cm, Ra. 112,8 x 79,7 cm.

533   Hermann Glöckner "Schwarzer Balken, aus Rot abgerückt in Gelb". Ende 1978.

Hermann Glöckner 1889 Cotta/ Dresden – 1987 Berlin (West)

Tempera über Bleistift auf Zeitungspapier (Sächsische Zeitung vom 30. November 1978). Unsigniert. Verso in Blei u.li. von fremder Hand mit der Nachlaß-Nr. "3277" versehen.

51,1 x 35,6 cm.

048   Hermann Glöckner "Gelbgrüne Faltung zwischen Grau und Blau". Um 1955.

Hermann Glöckner 1889 Cotta/ Dresden – 1987 Berlin (West)

Tempera und Collage auf leichtem Karton. Verso in Blei monogrammiert "HG" und mittig datiert. Weiterhin in Blei von ...
Künstlerhand bezeichnet "an F[rieda] 1957" und nummeriert "74". U.li. mit der Nachlaß-Nr. "2699" in Blei. Verso auf dem Rückseitenschutz in Blei signiert "Glöckner" u.Mi., nochmals monogrammiert "HG", datiert, bezeichnet und nummeriert. Hinter Glas in der originalen Rahmung des Künstlers. > Mehr lesen

Malschicht leicht stockfleckig, der untere Randbereich mit leichtem Wasserfleck links und einer Kratzspur rechts. Die Ecken des Malträgers etwas gestaucht, mit kleinen Randläsionen.

17,3 x 20,8 cm, Ra. 19,6 x 22,2 cm.

071   Rudolf Nehmer "Stilleben vor weitem Feld". 1979.

Rudolf Nehmer 1912 Bobersberg – 1983 Dresden

Öl auf Sperrholz. Signiert "Rudolf Nehmer" und datiert u.re. Verso in Farbstift signiert "Rudolph Nehmer" und ...
betitelt. Mi. Im profilierten Künstlerrahmen.

Provenienz: Vom Einlieferer im Atelier des Künstlers erworben.

"Neben dem Porträt nimmt in meiner Malerei einen weiteren wichtigen Platz das Stilleben ein. Es ist beinahe eine Art Ehrenrettung, die ich versuche, wenn ich mich diesem heute häufig etwas abschätzig beurteilten Thema gelegentlich gerne zuwende. Immer gibt das freudige Erstaunen an den gar nicht immer eigentlich ,schönen' Dingen, die ich zur Darstellung wähle und in denen ja oft auch etwas Gleichnishaftes liegt und sichtbar werden will, den Anlaß. Und ich hoffe jedesmal neu, daß die Freude und Nachdenklichkeit, die das ,Stille Leben' in mir weckt, im Bilde dem Betrachter zu gleicher Freude erwächst."
Lit.: Emmrich, Irma: Nehmer (aus der Reihe Maler und Werk), S. 30, Abb. 16. > Mehr lesen

Malschicht im Falzbereich umlaufend mit oberflächlichen Bereibungen, unscheinbare Kratzspuren links vom Kristall. Der Malträger am unteren Rand mittig mit leichtem Haarriß.

76 x 76cm, Ra. 81,5 x 81,5 cm.

040   Hermann Glöckner "Faltung von vier schwarz-weißen Rechtecken vertikal". 1957.

Hermann Glöckner 1889 Cotta/ Dresden – 1987 Berlin (West)

Tempera und Faltung auf leichtem Karton. Verso rotbraun gestrichen, darauf in die nasse Farbe geritzt ligiert signiert ...
"HG" und datiert "31/1/57". Der obere und untere Blattrand vom Künstler gefalzt, am oberen Blattrand eine dünne Kordel als Hängevorrichtung klebemontiert und verso von Glöckner auf klebemontierten Papieretiketten in Schreibmaschine bezeichnet "Hermann Glöckner Dresden N 54 Pillnitzer Landstr. 59". Am unteren Blattrand in Pinsel bezeichnet "Foto Fi. 105/4 151058". > Mehr lesen

Die Falzbereiche besonders am oberen und unteren Rand unscheinbar brüchig. Malschicht vereinzelt mit leichten Kratzspuren, im Bereich der grauen Farbfelder vereinzelte Wasserflecken, wohl aus dem Entstehungsprozeß. Im Bereich der Faltungen partiell mit unscheinbaren Farbverlusten.

70,3 x 17,6 cm.

054   Siegfried Klotz "Dresden". 1998.

Siegfried Klotz 1939 Oberschlema – 2004 Dresden

Öl auf Leinwand. Signiert "Klotz" und datiert u.re. In einer schwarzen Schattenfugenleiste gerahmt.
WVZ Weber 259, ...
mit abweichenden Angaben.

Oft traf man Siegfried Klotz malend mit seiner Staffelei auf der Brühlschen Terrasse in Dresden oder im näheren Umfeld der Hochschule für bildende Künste an. Wie kein anderer suchte er in einem relativ engen Wirkungsradius um die Gebäude der Akademie stets neue Ein- und Durchblicke auf die Stadtlandschaft Dresdens. Das Erbe Gotthardt Kuehls, des großen Stadtimpressionisten, forttragend, malerisch jedoch stärker seinem Lehrer Bernhard Kretzschmar verhaftet, schuf Klotz eine Vielzahl stimmungsvoller Ansichten der Stadt an der Elbe, die ihm stets Hort großer künstlerischer Tradition und Entwicklung sowie ab 1965 eine neue Heimat war. Läßt die aufgehellte Palette und der tiefliegende Horizont eine geistige Verbindung zur Malerei Kretzschmars zu, sind die proportional über- und ausgedehnten Bauwerke und Bildelemente typisch für das Werk von Klotz. > Mehr lesen

Malschicht stellenweise mit leichtem Krakelee.

100 x 120 cm, Ra. 105 x 124,8 cm.

064   Wilhelm Lachnit "Stilleben mit Eule". Um 1954.

Wilhelm Lachnit 1899 Gittersee/Dresden – 1962 Dresden

Mischtechnik (Öl und Tempera) auf Hartfaser. Unsigniert. Verso dreifach mit dem Nachlaß-Stempel versehen u.re. sowie ...
mittig in Blei betitelt und nummeriert "3". In der originalen Leiste des Künstlers gerahmt.

Vgl.: Walther, Sigrid; Porstmann, Gisbert: Refugium und Melancholie. Wilhelm Lachnit. Malerei. Dresden, 2012. S. 78, Kat.-Nr. 23 mit Abbildung.

Der künstlerische Neubeginn nach Ende des Krieges stand für Lachnit von Anfang an unter schwierigen Vorzeichen. 1947 übernahm er an der wiedereröffneten Dresdner Kunstakademie eine Professur für Malerei, aber bereits Ende 1945 wurden seine Arbeiten als formalistisch abgeurteilt. Die kulturpolitischen Kämpfe übertrugen sich auch auf die Zeit seiner Amtsführung an der Akademie und eskalierten in solchem Maße, daß einer Beurlaubung im Jahr 1953 die endgültige Aufgabe der Professur 1954 folgte.
In diesem Jahr entstand das enigmatische "Stilleben mit Eule". Bedrohlich breiten sich die Flügel der blauen Eule über dem Arrangement aus - dass sie ausgestopft ist, wird dem Betrachter erst auf den zweiten Blick bewusst, gerade weil der Übergang von der Plinthe zum Vogel im Unklaren bleibt. Wasserglas und Zitrone stehen dem wie dialektisch gegenüber, was das Bild als ein Nachdenken des Künstlers über sein Schaffen interpretierbar macht: Bedrohtsein der Kunst durch geltende Doktrinen auf der einen und der Wille des Künstlers, etwas klares in einer reinen Form zu schaffen auf der anderen Seite scheinen auf diesem einfachen Stuhl versammelt. > Mehr lesen

Umlaufend an den Bildrändern mit kleinen Retuschen.

79,5 x 99,5 cm, Ra. 100 x 120 cm.

092   Albert Wigand, Stilleben mit Fisch und Zitrusfrüchten. Wohl 1950er Jahre.

Albert Wigand 1890 Ziegenhain/Hessen – 1978 Leipzig

Öl auf Malpappe. Unsigniert. Verso in Graphit von fremder Hand bezeichnet "Conr".
Wird in den Nachtrag zum WVZ ...
Grüß-Wigand aufgenommen.

Provenienz: Nachlaß Ilse Conradus, ehemalige Leiterin der Graphischen Sammlung im Angermuseum, Erfurt. Sie pflegte eine enge Freundschaft zu Albert Wigand.

Nach dem Ende des Zweiten Weltkriegs wandten sich viele deutsche Künstler dem Stilleben zu. Für Dresden sind beispielsweise Wilhelm Lachnit und auch Albert Wigand zu nennen. Zuflucht in den kleinen, fassbaren alltäglichen Dingen zu suchen in einer Zeit, da selbst banale Dinge erst wieder alltäglich werden mussten, ist eine zutiefst menschliche Verhaltensweise. Wigands Stilleben mit Fisch und Zitrusfrüchten spiegelt mit seinen gedeckten Farben und den daraus wie hoffnungsvoll hervorleuchtenden Limetten sicher auch die Gefühlswelt des Malers, der sich kurze Zeit später der Abstraktion zuwenden sollte.

Wir danken Frau Dr. Ursula Grüß-Wigand für freundliche Hinweise. > Mehr lesen

Die Eckbereiche des Malträgers teilweise unscheinbar gestaucht. Die Malschicht im Falzbereich partiell etwas berieben. Malträger verso mit kreisrunden Resten einer alten Klebemontierung.

35,5 x 50,7 cm.

048   Josef Hegenbarth "Menschen auf der Straße". Um 1949.

Josef Hegenbarth 1884 Böhmisch Kamnitz – 1962 Dresden-Loschwitz

Leimfarben. Signiert u.li. und u.re. "Jos. Hegenbarth". Verso mit biblischer, mythologischer oder literarischer Szene ...
in Leimfarbe, nicht aufgelöst (Sintflut?). Verso in Tusche durch Johanna Hegenbarth betitelt Mi.re. sowie ebenda mit Adresstempel des Künstlers versehen (III). U.li. Nachlaßstempel III. Von fremder Hand u.re. in Blei bezeichnet "Inv. Nr. 756" (Josef Hegenbarth-Archiv) sowie u.re. auf Rückständen einer älteren Montierung undeutlich beziffert. Ungerahmt.
WVZ Zesch B III 708, alte JHA-Inv.Nr.: 756.

Provenienz: Privatbesitz; vormals Nachlaß Josef Hegenbarth.

Die titelgebenden "Menschen auf der Straße" interessierten Hegenbarth als Sujet seit 1947 über mehrere Jahre hinweg. Nahsichtig schildert er Physiognomien, arbeitet Charaktere heraus, spielt mit Karrikatureskem und Momenten der Satire. Durch die gestaffelte Komposition der Figuren im Raum wird das Gefühl vermittelt, der Betrachter ginge geradewegs auf die dargestellte Menschengruppe zu bzw. befände sich bereits mitten in ihr. Hier wird das Unmittelbare betont, das unbeabsichtigte Ausgeliefertsein an das kritische Auge des Beobachters. > Mehr lesen

Die beiden oberen Ecken mit Knickspuren, die linke deutlicher (ca. 40 mm) und teilweise eingerissen. Die Blattkanten ungerade, am rechten Rand Mi. ein kleiner Einriß, ein winziger am unteren Blattrand. Verso die Eckbereiche mit Resten älterer Montierungen mit Klebemittel- und Papierrückständen.

37 x 49 cm.

060   Herbert Kitzel "Stemmer, grün-braun". 1955.

Herbert Kitzel 1928 Halle (Saale) – 1978 Karlsruhe

Öl auf Karton. Unsigniert. Verso in blauer Tinte betitelt und datiert u.re., in Blei von fremder Hand bezeichnet ...
"Wv.No. 135" u.re. Verso mit farbiger Komposition. Im Passepartout hinter Glas in weißer Leiste gerahmt. Verso auf der Abdeckung in Blei bezeichnet o.li.
WVZ Franzke 135.

Provenienz: Privatbesitz; vormals Nachlaß Mareile Kitzel, Karlsruhe.

Herbert Kitzel hat in seinen dreißig Schaffensjahren überwiegend in Zyklen gearbeitet, die immer auch eine Auseinandersetzung mit seiner Rolle als Künstler waren. Das vorliegende Bild gehört in die frühe Phase der Gaukler- und Harlekindarstellungen. Hinter den maskierten Figuren verbirgt sich Kitzel selber - der um Ausdruck ringende Künstler, der fühlt, sich und seinem Publikum eine jenseits des Persönlichen liegende Geste schuldig zu sein. (Franzke 1982, S. 5) Doch gerade aufgrund der amorphen Gesichter besitzen seine Figuren eine Gültigkeit, die über den suchenden Ansatz des Malers hinausgeht. Man kann nicht umhin, in den mit ungelenker und spaßbefreiter Starrheit agierenden Gauklern auch eine Reflexion individueller Lebensumstände zu sehen, die maßgeblich von gesellschaftlichen Rahmenbedingungen determiniert sind. > Mehr lesen

In den Blattecken Reißzwecklöchlein, die rechte untere Ecke sowie die linke obere knickspurig und gestaucht. Am Bildrand re. Spuren gelber Farbe.

61,2 x 54,3 cm, Ra. 75 x 69,3 cm.

082   Theodor Rosenhauer "Stilleben mit rundem Brot und Kännchen". 1991.

Theodor Rosenhauer 1901 Dresden – 1996 Berlin

Öl auf Leinwand. Signiert u.re. "Th. Rosenhauer". In der originalen profilierten, grau gefaßten Holzleiste des ...
Künstlers gerahmt.
WVZ Werner 528.

Wir danken Frau Dr. Gabriele Werner, Dresden, für freundliche Hinweise.

Theodor Rosenhauer gehört heute zu den bedeutendsten Vertretern der Dresdner Malschule. Das Stilleben - insbesondere die Darstellung von Brot - spielt in seinem Œuvre eine zentrale Rolle. Für den Maler, der zwei Weltkriege überlebte, war es mehr als nur Nahrung. In der konzentrierten Hinwendung zu diesem Thema zeigt sich, daß es für ihn Symbol des Lebens schlechthin war.
Das hier zur Versteigerung angebotene Gemälde ist ein schönes Beispiel dafür, wie Rosenhauer, über den für ihn typischen pastosen Farbauftrag, dem Motiv eine tatsächliche, essentielle Natur einschreibt. Das Brot ist. Es erinnert uns daran, wie wenig wir im Grunde zum Leben benötigen. > Mehr lesen

Bildträger verso mit Druckspuren, Am Bildrand li. mittig ein Bruch in der Malschicht. Bildträger am Bildrand li. und o. wellig. Unregelmäßig aufgetragener Firnis.

46 x 54 cm, Ra. 55 x 65 cm.

062   Hans Jüchser "St.[illeben] mit Forsythienzweig". 1958.

Hans Jüchser 1894 Chemnitz – 1977 Dresden

Öl auf Hartfaser. Signiert "Jüchser" sowie datiert u.li. Verso betitelt und datiert. Im breiten Holzrahmen ...
gerahmt.
Nicht im WVZ Schmidt.

Hans Jüchser hat einmal gesagt, dass ein Bild eine Welt ist, "die eigenen Gesetzen, den Bildgesetzen, unterliegt." In der vorliegenden Atelierdarstellung gibt uns der Maler einen wunderbaren Einblick in diese Welt: Es ist der Beginn des Frühlings - eine Zeit des Wachsens und Erwachens. Entsprechend lebt das Motiv vom impulsiven Raumempfinden des Malers und einer unverkrampften Bildfindung. So haben manche Partien etwas Kubistisches, ohne den Formen ihre Spontaneität zu nehmen. Die Farbigkeit spielt dabei eine nicht minder wichtige Rolle. Der Stuhl am rechten Bildrand wirkt durch die roten und blauen Nuancen fast noch lebendiger als die Früchte und die Forsythie auf dem Tisch. Das Bild kündet mit einer ihm ganz eigenen Poesie von der bevorstehenden Jahreszeit. > Mehr lesen

Malträger an der linken oberen Ecke mit kleiner Fehlstelle, die Malschicht unscheinbar feinteilig alterskrakeliert.

62,6 x 82,8 cm, Ra. 77 x 96,5 cm.

104   Albert Wigand "Vase mit Blumen, Rechteck auf rundem Tisch". Um 1960.

Albert Wigand 1890 Ziegenhain/Hessen – 1978 Leipzig

Öl auf Hartfaser. Signiert "WIGAND" im unteren Drittel li. In einfacher Holzleiste gerahmt.
WVZ Grüß-Wigand ...
A-1960/11.

Es braucht nur den Bruchteil einer Sekunde um zu verstehen, was gemeint ist, wenn im Zusammenhang mit Albert Wigand von der "Magie der Farben" gesprochen wird. Das vorliegende Blumenstück bezaubert durch seine sensiblen, gebrochenen Töne, die der eher spielerischen Darstellung eine ganz unerwartete Tiefe verleihen. Seine Werke als "persönlich" zu bezeichnen, reicht nicht. Sie sind introvertiert, scheinen an einem Ort entstanden zu sein, der aus der Zeit gefallen ist und jenseits gesellschaftlicher Konventionen liegt. Doch sie verschließen sich dem Betrachter nicht, sondern laden ihn ein, Teil ihrer Wahrhaftigkeit zu werden und besitzen damit eine universelle Gültigkeit. Vielleicht ist das der Grund, warum man seine Bilder nicht wie einen Gegenstand beschreiben kann, … sie sind eben eher Persönlichkeiten. > Mehr lesen

Malschicht in den pastosen Partien sehr vereinzelt krakeliert.

35 x 24,5 cm, Ra. 37 x 27 cm.

049   Hermann Glöckner "Dreimal gebrochener Keil auf Schwarz". 1952.

Hermann Glöckner 1889 Cotta/ Dresden – 1987 Berlin (West)

Tempera und Silberfarbe über Blei auf schwarz grundierter Malpappe, der obere Rand rotbraun. Verso rotbraun ...
gestrichen, der untere Rand schwarz. Die untere sowie die beiden Längskanten schwarz gestrichen, die obere rotbraun. Verso in verschiedenen Grautönen monogrammiert "G", datiert und über Blei von Frieda Glöckner (?) bezeichnet "WÜNSCHEN VIEL GUTES" u.Mi. Hinter Glas im Originalrahmen des Künstlers gerahmt.
Tafelähnliche Arbeit, vgl. dazu WVZ Dittrich 85 A und nahezu identisch WVZ Dittrich 149 sowie 205 / 206.

In diesem Werk des Dresdner Künstlers Hermann Glöckner zeigt sich eindrucksvoll sein bereits um 1930 beginnender Neuanfang, die „konstruktiven, geometrischen Grundlagen (seiner) Malerei zu untersuchen (sowie) ihre elementaren und komplexen Zusammenhänge zu finden“. Ungeachtet der künstlerischen Prozesse seiner Zeit entwickelte er ein konstruktivistisches Konzept, das von persönlicher Motivation geprägt, den jugendlichen Vorlieben für Vermessung und Darstellende Geometrie gänzlich entsprach. In einer fortan konstruktiv-abstrakten Formensprache und bis dahin nicht gebräuchlichen Methode der Malerei und Zeichnung im Werk des Künstlers, entwarf Glöckner seit den frühen 1930er Jahren unter Verwendung von Pappe, Papier, Messer, Schere, Zirkel, Lineal, Falzbein sowie Farbe und Pinsel eine umfangreiche Werkgruppe, deren Arbeiten er in einer Niederschrift von 1967 selbst als „Tafeln“ rückblickend beschreibt. In einem ersten intensiven Produktionsprozeß entstanden dabei eine Vielzahl von Tafelgebilden in verschiedenen Variationen und Formen, unter denen erstmals um 1933-1935 das Motiv eines dreimal gebrochenen Keils von silberner und weißer Farbe auf schwarzem Grund in Form einer halbkreisförmig gebogenen Tafelfläche mit roter Farbbegrenzung an Ober- und Unterkante in Erscheinung trat. Kurz bevor das Konzept der Tafeln 1937 zunächst zum Erliegen kam, überführte Glöckner die frühe Grundform des dreifach gebrochenen Keils in eine ebene Fläche und wiederholte jene Ausformung nach Kriegsende in mehreren Fassungen. Neben der um 1958 verzeichneten Arbeit, greift auch das hier zur Auktion gebrachte tafelähnliche Werk auf die von Glöckner häufig zur Anwendung gebrachte Grundform eines gebrochenen Bandes zurück, das sich nach links verjüngend, über einer schwarz gefassten, leicht verjüngten Tafel schwebend und von einem roten Streifen am oberen Rand begrenzt, in außergewöhnlicher Weise das abstrakt-konstruktive Farb- und Formenspiel des Dresdner Konstruktivisten, Hermann Glöckner, in seiner Klarheit und Sachlichkeit eindrucksvoll vor Augen führt. (Zit: Mayer, Rudolf: Tafelwerk - Entwurf, Ausführung, Resonanz, In: Dittrich, Christian/ Heise, Bernhard/ Schmidt, Sebastian: Hermann Glöckner: Die Tafeln 1919-1985, Stuttgart 1992, S. 7.)
Lit.: Mayer, Rudolf: Tafelwerk - Entwurf, Ausführung, Resonanz, In:Dittrich, Christian/ Heise, Bernhard/ Schmidt, Sebastian:Hermann Glöckner: Die Tafeln 1919-1985, Stuttgart 1992, S. 7-16. > Mehr lesen

Die Kanten des Malträgers vereinzelt mit minimalem Farbverlust.

14 x 25,5 cm, Ra. 15,2 x 26,5 cm.

057   Josef Hegenbarth, Vor dem Karussell. Um 1948.

Josef Hegenbarth 1884 Böhmisch Kamnitz – 1962 Dresden-Loschwitz

Leimfarben und Aquarell auf festem Velin. Signiert u.re. "Josef Hegenbarth". Verso in der gleichen Technik ebenfalls ...
bearbeitet mit einer Szene zu "Knüppel aus dem Sack". Bis zum Darstellungsrand im Passepartout montiert und zwischen zwei Glasplatten in einer Holzleiste gerahmt.
WVZ Zesch B III 790.

Das bunte Treiben der jährlich belebten Volksfeste auf der Vogelwiese in Dresden mit ihren allzeit beliebten Karussellen bot Hegenbarth mehrmals eine motivische Grundlage für seine Werke, von der die hier zur Auktion gebrachte, farbenfrohe und lebendige Darstellung eines Publikums vor einem Karussell eindrucksvoll zeugt. Bemerkenswert ist zudem die zarte und luftige Umsetzung der Szene kurz nach dem Ende des Krieges, die als Leimfarbenarbeit gegenüber den motivisch verwandten Aquarellen der 1920er Jahre im Werk Hegenbarths singulär bleibt. > Mehr lesen

Malschicht im Bereich des Karussells o.li. mit minimalem, netzförmigen Krakelee.

BA 38,5 x 33,8 cm, Ra. 52 x 46,3 cm.

090   Theodor Rosenhauer "Haus mit eckigem Turm am 'Weißen Roß' in Radebeul im Winter". 1958.

Theodor Rosenhauer 1901 Dresden – 1996 Berlin

Öl auf grober Leinwand. U.li. signiert "Th. Rosenhauer" und datiert. In einer profilierten Holzleiste gerahmt. ...

WVZ Werner Nachtrag.

In der Kühle und Dunkelheit der Wintermonate fand Rosenhauer immer wieder eine verborgene Stille, die er in zarten Farbnuancen über seine heimatlichen Motive legte. Nicht die Melancholie jener Jahreszeit steht hierbei im Vordergrund, sondern vielmehr ein Gefühl der Wärme und Geborgenheit, das sich in den tonigen Farbwerten der roten Schornsteine, dem gelben Haus und in den zurückhaltenden Blautönen des wolkenverhangenen Himmels spiegelt. In jener gewagten Ausschnitthaftigkeit bringt er dabei den Betrachter um so intensiver in das Bildgeschehen ein und baut daraus ein Sehempfinden auf, das in der Wärme der Radebeuler Dächer seinen Ausgangspunkt findet und in der Unwirklichkeit der fernen Landschaft endet. > Mehr lesen

Malschicht im oberen und unteren rechten Eckbereich partiell mit feinen Brüchen. Ecke o.re. mit einer bogenförmigen Bruchlinie, u.re. eine kleine gelockerte Farbscholle.

40 x 60,5 cm, Ra. 51 x 70 cm.

472   Hermann Glöckner, Dame mit Hut und gelber Brosche. 1947.

Hermann Glöckner 1889 Cotta/ Dresden – 1987 Berlin (West)

Gouache und Tempera auf vierfach gefaltetem Zeitungspapier, vollflächig auf Pappe montiert.
Die Arbeit ist im ...
Hermann Glöckner Archiv Dresden registriert.

Die Zeitung als politischer Informationsträger avancierte im Oeuvre Glöckners immer wieder zur bildnerischen Grundlage seiner künstlerischen Ausdruckskraft. In kräftigen Farben entwarf er aus dem Wechselspiel von Kontur und Fläche ein Porträt einer sitzenden, jungen Dame mit Hut, die ihren Kopf leicht geneigt den Blick verträumt in die Ferne richtend, als Fragment ihrer Selbst nicht nur künstlerisch, sondern auch technisch überliefert bleibt. Während bereits in den 1930er Jahren verschiedene Damenporträts mit Broschen entstanden, nahm Glöckner dieses Motiv nach Ende des Krieges erneut wieder auf. > Mehr lesen

Zeitungspapier stärker gebräunt. Malschicht vereinzelt minimal rissig sowie mit Farbverlusten in den pastoseren Partien. Die Rand- und Eckbereiche mit kleineren Bestoßungen und Einrissen. Zwei größerer Einrisse (max. 4,7 cm) am oberen linken Rand sowie eine größere Verletzung der Trägerpappe in der Ecke o.li. Verso mit Wasserspuren.

Zeitung 84,7 x 54 cm, Pappe 84,7 x 54,5 cm.

075   Hans Jüchser "Stilleben mit grünem Glas und Muscheln". 1972.

Hans Jüchser 1894 Chemnitz – 1977 Dresden

Öl auf Hartfaser. Signiert u.li. "Jüchser" und datiert. Verso mittig nochmals signiert, datiert, betitelt und mit ...
Maßangaben versehen. In schlicht profilierter Holzleiste gerahmt, Rahmen bestoßen.
Nicht im WVZ Schmidt.

"Meine Beschäftigung mit dem Stilleben ist die beste Möglichkeit, die formalen und fertigen Gesetze zu studieren, wobei der Gegenstand oft belanglos, der Gehalt der Gestaltung aber ebenso bedeutsam wie das Menschenbild sein kann." Diesen Worten Hans Jüchsers folgend, galt das Hauptinteresse des Künstlers der formalen Erscheinung der dargestellten Objekte; ihrer Anordnung im Raum und der damit verbundenen Licht- und Schattenwirkung, dem Verdecken und Offenbaren benachbarter Gegenstände und dem wirkungsvollen Spiel der Gegensätze von harten und weichen Umrissen, denen durch das sehr eigene Kolorit Jüchsers eine immer neue Erscheinung auferlegt wird. So sieht der Betrachter auch in sich wiederholenden Motiven, wie z.Bsp. der Fußschale mit Birne, einen durch veränderten formalen Kontext und farblicher Interpretation neu erfundenen Bildgegenstand. (Vgl. Hans Jüchser "Stilleben mit Vogel". 1969. Öl auf Sperrholz. Kunstsammlung Neubrandenburg, Inv.-nr. 1981; obenstehendes Zitat nach: Hans Jüchser (1894-1977). Malerei; Ausstellungskatalog Kunstausstellung Kühl und galerie refugium, Dresden 1994, S. 15.). > Mehr lesen

39,2 x 52,2 cm, Ra. 45,2 x 58,7 cm.

044   Hermann Glöckner, Verlaufende Strukturen über gefächerten Spachtelzügen. 1962/ 1968.

Hermann Glöckner 1889 Cotta/ Dresden – 1987 Berlin (West)

Gips, Leim, Casein, Tempera und Alkydharzlack auf Pappe. Verso schwarzbraun grundiert, mit einer Flächenaufteilung in ...
Blei und mittig in Deckweiß monogrammiert "G" (Schablone). Darunter signiert "Hermann Glöckner", datiert u.li. "bis 140162" sowie ausführlich bezeichnet u.Mi.: "Kreide + Beta Cas. + nass. Temp. + Lack (Bo) mont. 068". In der originalen Künstlerrahmung.
Oberfläche mit vereinzelten, unscheinbaren Abplatzungen; Lack mit Verfärbungen. Farbliche Fassung der Rahmung leicht rissig und angeschmutzt, vereinzelt unscheinbare Fehlstellen.
Nicht im WVZ der Tafeln.

Diese äußerst dynamische Tafel Glöckners offenbahrt in ihrer vegetativen, ferner an gebeugte Giraffen erinnernden, Gestaltung ein vom konstruktivistischen Tenor der geometrischen Tafeln abweichendes Interesse an einer nahezu informellen Formfindung aus scheinbar amorphen und zufällig wirkenden Strukturen. > Mehr lesen

15,2 x 27,3 cm, Ra. 26 x 37,3 cm.

055   Hans Jüchser "Lesende liegend". 1966.

Hans Jüchser 1894 Chemnitz – 1977 Dresden

Öl auf Leinwand. Signiert u.re. "Jüchser." und datiert. Malträger verso grundiert, mittig signiert, ortsbezeichnet, ...
betitelt und datiert. In silbergefaßter Holzleiste gerahmt.
Malschicht mit kleiner Druckstelle mit minimaler Farbablösung im linken Arm der Liegenden. Malträger leicht wellig. Zwei Seiten der Keilrahmung ersetzt.
Nicht im WVZ Schmidt.

Innerhalb der umfassenden Werkgruppe der Frauenbildnisse im Schaffen Jüchsers wurde den "Liegenden" ein besonderes motivisches Interesse seitens des Künstlers zuteil. Die Ruhe und Statuarik der mitunter sogar schlafenden Frauen ist wichtigstes kompositorisches Mittel, Atmosphäre und Ausdruck werden allein durch das Kolorit bestimmt. "Es ist typisch und bezeichnend für das malerische Interesse Hans Jüchsers, daß er sich immer wieder den gleichen Motiven zuwandte und ihre Neuschöpfung in der Welt der Farben vollzog." (Porstmann, Gisbert: Der Maler Hans Jüchser, In: Porstmann, Gisbert / Karohl, Linda (Hrsg.): Hans Jüchser. Farbe als absolute Kraft, Städtische Galerie Dresden, Dresden 2010, S. 12).
In der "Liegenden" ist wohl meistenfalls Jüchsers zweite Frau Helga zu sehen - die zahlreichen Portraits nach ihrem Modell reflektieren gleichsam Zuneigung und künstlerisches Interesse. > Mehr lesen

55,7 x 74,6 cm, Ra. 63,8 x 83,5 cm.

095   Martha Schrag "Blick auf eine Gärtnerei". 1947.

Martha Schrag 1870 Borna (Leipzig) – 1957 Karl-Marx-Stadt

Öl auf Malpappe. Signiert u.re. "M. Schrag" und datiert. Verso von der Künstlerin ausführlich bezeichnet und ...
betitelt o.Mi. sowie mit verschiedenen Klebeetiketten o.li. und o.re. In schmaler Holzleiste gerahmt.
Malschicht stellenweise leicht kratzspurig. > Mehr lesen

58,2 x 75,2 cm, Ra. 67 x 84 cm.

105   Theodor Rosenhauer "Stilleben mit Brot, blauem Krug und Tasse". 1987.

Theodor Rosenhauer 1901 Dresden – 1996 Berlin

Öl auf Leinwand. U.re. signiert "Th. Rosenhauer" und datiert, verso auf dem vom Künstler eigenhändig umgeschlagenen ...
unteren Randbereich nochmals signiert sowie mit einem originalen Klebetikett des Künstlers versehen. In einer kräftig profilierten, dunkelbraun gebeizten und polierten Leiste gerahmt.
Malschicht im oberen re. Bildbereich mit feinen, horizontalen Brüchen. Der Malträger Mi.li. mit einer Druckstelle und einer feinen, vertikalen Bruchlinie. Unterer Falzbereich mit rahmungsbedingten, horizontalen Farbverlusten.
WVZ Werner (1997) 516 / (1994) 504 (hier jeweils mit abweichenden Maßangaben).

Über einen Schaffenszeitraum von fast 70 Jahren finden sich im Werk Rosenhauers über 50 Brotstilleben, der Großteil davon in den 1980er Jahren entstanden. Das Brot war Rosenhauer mehr als nur bloßes Motiv - die Auswahl der Vorlage wurde mit derartiger Sorgfalt und hohem Anspruch getroffen, daß man unterstellen möchte, der Künstler habe in jedem dieser Laiber ein Individuum gesehen, dessen natürliche Kurzlebigkeit auf der Leinwand verlängert werden sollte. "Ich gebe zu, daß es wie zumeist bei meinen Motiven, das im Leben zu kurz Gekommene, jedenfalls das selbst hier nicht Gefragte oder Mißratene ist, das mich reizte und immer wieder gefangen nimmt, sei's ein trauriger Ausdruck, sei's etwas Verbrauchtes." (Stefan Bongers-Rosenhauer / Klaus Hebecker (Hrsg.), Theodor Rosenhauer, Erfurt 2010, S. 211) Neben der für die Malerei Rosenhauers signifikanten sinnlichen Erfahrung des gemalten Brotes liegt der Motivwahl eine tiefempfundene Dankbarkeit und christliche Demut zugrunde, die in aller Schlichtheit und Bescheidenheit ihren Weg auf die Leinwand findet. > Mehr lesen

43 x 60,4 cm, Ra. 57,5 x 74,5 cm.

053   Hans Jüchser "Heimkehr des verlorenen Sohnes". 1965.

Hans Jüchser 1894 Chemnitz – 1977 Dresden

Öl auf Malpappe. Signiert u.li. "Jüchser" und u.re. "Jüchser 65". Verso betitelt, datiert und nochmals signiert ...
"Jüchser" sowie mit einer Maßangabe versehen. In einer einfachen silberfarbenen Hohlkehlenleiste gerahmt.
Malträger minimal verwölbt und mit unscheinbaren Randläsionen. Im rechten Falzbereich minimaler Abrieb.

Jüchser erfaßt den Moment des Wiedersehens. Der Vater ist dabei, den Sohn in die Arme zu schließen. Er wirkt angespannt, der Sohn überrascht. Das gedeckte Kolorit in Grün- und Violettönen unterstreicht die zurückhaltende Stimmung. Fast vollständig füllen die beiden nahezu auf die Gesichter reduzierten Figuren den Bildraum aus.
Das hier umgesetzte Thema aus dem Lukasevangelium (LK 15, 11 - 32) setzte Jüchser in seinem Spätwerk mehrfach um. Die erste Ausführung aus dem Jahr 1952 gilt als erstes Bild aus der kleinen, aber typischen Werkgruppe mit Bibelthemen.
Lit.: Karohl, Linda: Biblische Szenen im malerischen Werk von Hans Jüchser. In: Porstmann/Karohl (Hrsg.): Hans Jüchser. Farbe als absolute Kraft, Dresden 2010, S. 20.
Nicht im WVZ Schmidt 1978 aufgeführt. > Mehr lesen

26,5 x 37,5 cm, Ra. 35,5 x 46,5 cm.